Carissime lettrici, cari lettori,

ecco a voi una nuova puntata di InsideAsia, la newsletter settimanale di InsideOver dedicata alle notizie asiatiche più importanti e curiose. Io sono Federico Giuliani e, come ogni mercoledì, a partire dalle ore 7 del mattino vi invierò una mail con tutto quello che vi serve per capire cosa è successo, o cosa sta succedendo, in Estremo Oriente. Siete pronti? Iniziamo.

La puntata di questa settimana è dedicata all’intrattenimento musicale asiatico, un enorme (e ricchissimo) settore fin qui mosso per lo più dalle star del K-Pop. Il vento sta però cambiando perché, oltre agli idol di Seoul, si moltiplicano i gruppi non sudcoreani finiti sotto i riflettori grazie a hit globali. L’ultimo arriva dall’Indonesia, si chiama No Na e sogna grandi palcoscenici. Vi spieghiamo quali sono le nuove tendenze e chi sono i protagonisti da tenere d’occhio.

Dedichiamo poi ampio spazio alle maxi proteste in Giappone contro la modifica della costituzione pacifista voluta dalla premier Takaichi Sanae e all’all-in della destra nazionalista di Narendra Modi che, dopo l’ultimo successo in Bengala, domina quasi tutta l’India. Concludiamo con quanto è successo in Cina, dove un tribunale locale ha stabilito che le aziende non possono licenziare o ridurre stipendi per sostituire i lavoratori con l’IA.

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Gennaio 1975, Roma. L’Italia respira a scatti. In pochi anni ha visto crescere città, consumi e speranze, ma anche ombre lunghe: le bombe di piazza, le fabbriche in lotta, il piombo dei kalashnikov nei viali di provincia. Le luci al neon colorano le vie commerciali, mentre in periferia i ragazzi appendono poster di cantautori e rivoluzionari alle pareti di stanzette fredde. I giornali parlano di crisi energetica, di governi che durano mesi, di disoccupazione che sale, ma anche di un Paese che si veste alla moda, che compra televisori a colori, che riempie i cinema per ridere e per piangere. È un’Italia che balla su due ritmi opposti: la voglia di crescere e la paura di rompersi.

Nei corridoi della RCA, intanto, l’aria sa di legno e caffè. Qui, lontano dalle sirene, Francesco De Gregori sta registrando nove canzoni che non pretendono di spiegare il Paese, ma di raccontarne l’anima invisibile. Rimmel esce come escono certe notti: piano, ma restano. Nove brani, 29 minuti e 32 secondi, pubblicato da RCA Italiana, registrato tra l’inverno ’74 e l’inizio del ’75: in copertina sembra un trucco; nei solchi, uno smascheramento.

L’album si apre con la canzone che gli dà il titolo, Rimmel: una lettera d’addio che finisce per parlare a un’intera generazione che saluta la propria innocenza. «E qualcosa rimane, fra le pagine chiare e le pagine scure» — il verso più celebre — fotografa il deposito emotivo che resta dopo lo strappo: amore o Paese che sia, ciò che conta è la memoria che non si chiude mai bene. Nel 1975 quella riga era il congedo dalle promesse del ’68; nel 2025 è la grammatica discreta con cui custodiamo le nostre rotture (private e collettive), in un’epoca che archivia tutto ma non elabora niente. È anche un manifesto di poetica: non spiegare, evocare; non urlare, resistere sottovoce.

Poi, ci pensava Pezzi di vetro a incrinare la superficie lucida del sentimento. «L’uomo che cammina sui pezzi di vetro»; «piuttosto un santo a piedi nudi». Nel 1975 quel personaggio era l’allegoria di un amore temerario che accetta il rischio del ferirsi; ma fuori dallo studio era anche l’italiano medio che procede lo stesso, tra tensioni sociali e lavoro che scivola. Oggi quelle schegge sono cambiate di nome — precarietà, iperconnessione, fragilità mentale — ma non di sostanza: continuiamo a danzare con grazia su un terreno che può tagliare. La canzone non offre paracadute: insegna una postura morale, la dignità del passo.

Con Il signor Hood entrava in scena il diritto di disturbare. «Il signor Hood era un galantuomo con due pistole caricate a salve e un canestro di parole». È poesia civile in controluce: il personaggio ispirato a Marco Pannella (sottotitolo in retrocopertina: “a M., con autonomia”) incarna le “voci discordanti” che tengono sveglia la democrazia. Allora significava divorzio, referendum, disobbedienze eleganti; oggi è la necessità di chi rompe l’algoritmo del consenso, rifiutando le tifoserie permanenti. Non c’è retorica: c’è un profilo umano, ironico e ostinato, che ci ricorda che la cittadinanza è un esercizio individuale prima che una folla.

Pablo cambia latitudine ma parla di noi. L’emigrante spagnolo in Svizzera — «Hanno ammazzato Pablo, Pablo è vivo» — fa da specchio a un’Italia che, nel dopoguerra, ha riempito treni notturni e camerate. Nel ’75 quel ritornello è una preghiera laica contro l’anonimato delle fabbriche; oggi è una fotografia capovolta: i “Pablo” arrivano da altri Sud, e la misura della nostra maturità sta nel ricordare che fummo noi, ieri, con valigie di spago e permessi precari. La musica — scritta con Lucio Dalla — lega due capitali del nostro canone e due storie di confine: identità e lavoro.

A metà corsa scivolava Buonanotte fiorellino. All’epoca qualcuno la bollò come sdolcinata; De Gregori spiegò che l’aveva immaginata anche in dialogo con Dylan. Oggi è chiaro quanto fosse una scelta di campo. «Buonanotte, buonanotte fiorellino»; «e vicino non è ancora abbastanza»: tenerezza come forma di resistenza, carezza contro il rumore che già allora cresceva. Negli anni dell’edonismo televisivo la canzone è stata un sussurro ostinato, nel nuovo millennio un promemoria anticinico. È politica, ma del sentimento: dire “buonanotte” a qualcuno, e dirlo bene, è l’atto minimo che tiene insieme una comunità.

Le storie di ieri riapriva il faldone doloroso della memoria italiana che, ancora, stenta a essere condivisa. Nel 1975 significava: l’Italia non ha ancora finito di fare i conti con se stessa. Non bastano i riepiloghi; servono biografie, cortili, padri che leggono i giornali e figli che cercano un varco. Oggi, nel flusso infinito di anniversari, quella canzone ci chiede di non ridurre il passato a didascalia. Dalla stagione delle stragi alle verità imperfette, Le storie di ieri resta un richiamo alla complessità: la storia non è un algoritmo che restituisce risposte pulite. E dialoga, in altro capitolo discografico, con Fabrizio De André: un ponte tra scuole poetiche della stessa generazione.

Con Quattro cani l’Italia si osservava dal marciapiede. Favola civile, senza nomi propri: fame, diffidenza, amicizia. All’epoca parlava degli invisibili che abitavano ai margini del boom; oggi illumina branchi improvvisati che tengono in piedi città fragili — reti di mutuo soccorso, amicizie che fanno sistema dove le istituzioni non arrivano. De Gregori ha sempre smentito le letture “gossip”: nessuna allegoria personalistica, sono davvero cani. E proprio per questo universali.

Piccola mela portava la rivoluzione in cucina. «Mi metto in tasca una piccola mela»: una frase minima che dice una politica domestica, il contrario del proclama. Nel 1975 era il contrappunto alla piazza, oggi è l’antidoto alla saturazione digitale: prendersi cura, scegliere lentezza, dare valore al poco. C’è dentro la tradizione (il rimando a un canto popolare) e c’è l’oggi (l’idea che la cura sia lavoro vero): così il brano tiene insieme radici e presente, senza folclore.

Chiudeva Piano bar: metamusica e mestiere. Nel ’75 raccontava i locali, i tavoli, gli sguardi di notte: la canzone come servizio pubblico sentimentale. Cinquant’anni dopo, quel piano bar è dovunque: in un club, in una diretta, in cuffia. Cambiano i supporti (dal vinile allo streaming), non il bisogno di riconoscersi in una voce. Persino le leggende interpretative — quel “forse è X” o “parla di Y” — sono state smentite dall’autore: a contare è la scena più che l’identikit, l’incontro più del personaggio.

E così Rimmel, l’album più venduto del 1975 in Italia, rimasto in classifica per 60 settimane, ha attraversato cinque decenni con un trucco che non maschera ma rivela. Le nove tracce non gridano mai “che cos’è l’Italia”: la mettono in scena — amori cauti, passi su vetri, eretici necessari, partenze, carezze, memorie, branchi, cucine, palchi. È la mappa sentimentale di un Paese che continua a cambiare pelle e a riconoscersi, ogni volta, in un’immagine piccola e precisa. Se mezzo secolo dopo quei versi ci toccano ancora, è perché hanno scelto la via più difficile: parlare piano per farsi sentire meglio.

Cosa resta, cinquant’anni dopo, di Rimmel e delle sue nove canzoni? Non solo i versi, le melodie, le copertine consumate. Resta il modo in cui quelle canzoni hanno saputo ascoltarci mentre cambiavamo, senza giudicarci, senza pretendere di guidarci. In mezzo secolo l’Italia ha conosciuto trionfi e tonfi, mode e rivoluzioni, ma quelle storie, quei volti in filigrana, quelle immagini appena accennate continuano a parlarci perché non sono mai state chiuse in un’epoca. E noi, cinquant’anni dopo, possiamo ancora ascoltarlo e riconoscerci. Magari in una stanza piccola, con una luce calda, mentre fuori il mondo corre, anche mentre piovono le bombe. Perché, in fondo, c’è sempre “qualcosa che rimane, fra le pagine chiare e le pagine scure”.

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Mentre il massacro della popolazione palestinese ad opera delle forze armate israeliane prosegue senza sosta, dopo mesi di apparente indifferenza e di informazioni fallaci da Gaza, il mondo sta lentamente prendendo consapevolezza della gravità della situazione nella Striscia: non sono più “solo” i continui bombardamenti dell’Idf a uccidere decine di persone, ogni giorno, perfino quando si trovano in fila per le distribuzioni di aiuti alimentari, ma a Gaza si muore anche di fame e di sete, di malattie non curate, di infezioni, e a morire non sono solo i civili, ma anche moltissimi tra reporter e giornalisti.

Così nell’ultima settimana, tra tante iniziative, anche il mondo culturale – o almeno, parte di esso – ha deciso di prendere una posizione chiara e definitiva: i Massive Attack, che già in passato e più volte nel corso dei propri concerti hanno sollevato la questione del genocidio in corso a Gaza, hanno annunciato pubblicamente, attraverso alcuni post sui social, la creazione di una nuova associazione a difesa dei musicisti e degli artisti che sostengono la Palestina. Oltre alla storica band di Bristol, si sono uniti all’iniziativa anche i Fontaines D.C., i Kneecap e persino Brian Eno, creando un vero e proprio sindacato chiamato Ethical Syndicate Palestine.

Dopo il caso Bob Vylan, il mondo della musica risponde alla UK Lawyers for Israel

L’idea di questa nuova associazione è nata come risposta al progetto UK Lawyers for Israel che poche settimane fa aveva avviato una campagna mediatica denigratoria contro il duo punk Bob Vylan. I filmati del concerto di Glastonbury dei Bob Vylan avevano fatto il giro del mondo dopo che la band aveva pubblicamente insultato l’Idf e le loro azioni criminali contro la popolazione palestinese, a seguito di cui era stata accusata proprio dalla UK Lawyers for Israel association, oltre che da molti media mainstream britannici, di sostenere il terrorismo.

Tuttavia, i Bob Vylan, che hanno subito una campagna diffamatoria e un vero e proprio boicottaggio, non sono gli unici artisti ad essere stati intimidi per aver voluto sostenere pubblicamente la Palestina: un altro evento che ha fatto moltissimo discutere solo lo scorso weekend è stato lo spettacolo teatrale Il trovatore di Giuseppe Verdi, in scena alla Royal Opera House di Londra sabato 19 luglio, durante cui uno degli artisti in scena ha “osato” esibire una bandiera palestinese, al che, in risposta, il direttore del prestigioso teatro ha reagito cercando di strappare la bandiera, sotto gli occhi degli spettatori increduli e scioccati. Un evento grottesco e imbarazzante, ripreso anche da alcuni smarphone, che è diventato virale sul web.

“Basta complicità con il genocidio e l’apartheid di Israele”

Proprio per questo i Massive Attack hanno voluto dare una risposta pubblica e collettiva: “Le scene a Gaza sono andate oltre ogni descrizione. Scriviamo come artisti che hanno scelto di usare le piattaforme pubbliche per denunciare il genocidio in atto e il ruolo del governo britannico nel facilitarlo” hanno scritto in un lungo post su Instagram, chiedendo al governo britannico di “smettere di essere complice con il genocidio e l’apartheid di Israele”. Un messaggio condiviso via Instagram anche da Brian Eno.

Dopo il recente concerto “Non in mio nome” di Roma dello scorso 28 giugno, in cui Mannarino, Gemitaiz, assieme a Moni Ovadia, Sigfrido Ranucci, Rula Jebreal e molti altri musicisti, giornalisti e personaggi del mondo dello spettacolo hanno dichiarato il proprio sostegno alla Palestina in Italia, un’importante presa di coscienza e un atto di solidarietà e lotta anche a livello internazionale: la musica, l’arte e la cultura non sono indifferenti.

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Dal cibo alla cultura, dal binomio manga più anime ai videogiochi, dai prodotti di elettronica ai giocattoli, fino alle stesse città come Tokyo, Kyoto, Osaka e Nagoya. Da ormai qualche anno, tutto ciò che arriva dal Giappone si trasforma, quasi per magia, in un fenomeno pop a livello globale.

L’ossessione per il Giappone ha ampiamente superato quella per il Made in Japan, come si può intuire dal numero di turisti accorsi all’ombra del Monte Fuji nel 2024: ben 36 milioni di visitatori stranieri, un record assoluto, più dei 31,9 milioni registrati nel 2019 prima dello scoppio della pandemia di Covid (ne abbiamo parlato qui). C’è però qualcosa che manca all’appello: la musica pop giapponese.

Perché il J-pop, inteso come Japanese Pop, non è ancora riuscito a cavalcare il momento favorevole del Giappone per superare i confini nazionali, attraversare continenti e oceani? Perché non è sbarcato nelle playlist degli adolescenti di tutto il mondo, dove invece si moltiplicano le canzoni K-pop? E ancora: per quale motivo il Governo nipponico non sembra interessato a spingere sul J-pop come ha invece fatto la Corea del Sud?

Lo “strano” caso della musica pop giapponese

Tra il K-pop e il J-pop c’è un vero e proprio abisso. Il pop coreano è molto giovane, è esploso a livello globale negli ultimi 10-15 anni, e ha fatto il boom grazie a un’enorme doppia spinta: quella, diretta, ricevuta dalle agenzie musicali sudcoreane, che hanno investito enormi somme in strategie di marketing; e quella, indiretta, favorita dal Governo di Seoul, che ha destinato importanti risorse allo sviluppo dell’industria culturale e alla sua esportazione all’estero.

C’è poi una variabile qualitativa non indifferente: il K-pop si è volutamente adattato alle tendenze musicali internazionali, unendo stili musicali occidentali e influenze asiatiche, creando così un prodotto facilmente fruibile da un pubblico davvero globale. Gli artisti di punta, che spesso hanno guadagnato ulteriore fama recitando in serie televisive e film trasmessi da piattaforme in streaming come Netflix, cantano in un perfetto inglese per farsi comprendere dal pubblico più vasto possibile.

Diverso il caso del J-pop, apparso ben prima del pop coreano (in forma moderna tra gli anni Ottanta e Novanta), ma più interessato a integrarsi nel mercato musicale domestico che non a superare le frontiere del Paese. Certo, sebbene abbia avuto dei successi internazionali (per esempio grazie agli anime), il suo marketing internazionale non ha mai raggiunto quello adottato dalle agenzie sudcoreane come SM Entertainment, YG Entertainment e BigHit (ora Hybe), che hanno investito per creare gruppi idol dall’aspetto accattivante e con una forte presenza sui social media.

Come se non bastasse, mentre il K-pop evoca un’identità culturale forgiata attraverso influenze internazionali e adattamenti locali, il J-pop presenta uno stile più tradizionale e meno accessibile alle orecchie di un pubblico mondiale.

Sta per arrivare il momento del J-pop?

Se al momento tra K-pop e J-pop non sembra esserci sfida, almeno in campo internazionale, in futuro la situazione potrebbe cambiare. Ne è convinta Keiko Ishikawa, Chief Administrative Officer di Sony Music Entertainment Japan, secondo la quale “il J-pop sarà accolto da ancora più mercati e raggiungerà un successo internazionale”. In che modo? In primis grazie al continuo successo di manga e anime giapponesi, tornati alla ribalta nell’ultimo decennio dopo anni trascorsi in un sostanziale anonimato.

Sono davvero finiti gli anni in cui i media nipponici si chiedevano se il J-pop facesse davvero “così schifo” (titolo di un articolo del Japan Times pubblicato nel 2010)? Probabilmente sì, almeno a giudicare dalle ultime tendenze. Una prima svolta potrebbe essere arrivata nel 2023, quando il duo Yoasobi ha pubblicato Idol, subito diventata la “canzone giapponese dell’anno” e colonna sonora del “più grande anime dell’anno”, Oshi no Ko; ha dominato le classifiche di streaming e mantenuto il primo posto nella classifica Hot 100 di Billboard Japan per 21 settimane consecutive (stabilendo un nuovo record), facendo da colonna sonora a infiniti post sui social.

Yoasobi ha insomma indicato una via da seguire, e potrebbe davvero aver suonato la sveglia per la vera svolta internazionale del J-pop. Toccherà ora alle altre stelle del panorama musicale nipponico – come Fujii Kaze, King & Prince e Snow Man – unirsi alla battaglia per far fiorire la rivoluzione del pop giapponese.

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“Apateu, Apateu…”, ripetuto per tre volte. E poi ancora altre tre, in un ritornello che entra in testa al primo ascolto. Impossibile che non vi siate mai imbattuti in APT., la super hit della nuova stellina nascente del K-pop.

Lei si chiama Rosé (con l’accento aperto, ci tiene molto), ed è una cantautrice di 28 anni nata in Nuova Zelanda da genitori sudcoreani, cresciuta in Australia e poi trasferitasi in Corea del Sud, a Seoul, per inseguire il suo sogno: quello di diventare una stella, o meglio un’idol, del pop sudcoreano.

APT. è invece il primo singolo estratto da Rosie, primo album da solista di Roseanne Park, arrivato dopo un lungo percorso artistico. Prima quattro anni sotto la YG Entertainment, una delle più grandi etichette discografiche/agenzie del K-pop, poi l’esperienza formativa come parte integrante della band tutta al femminile, Blackpink, famosissima tra gli appassionati del genere.

Nel 2021 la svolta: Rosé decide di intraprendere la carriera da solista e, proprio con APT., uscita nell’ottobre 2024 in featuring con Bruno Mars, raggiunge un successo ancora più grande. Andando oltre la (seppur enorme) limitata cerchia di fan del K-pop. E raggiungendo un pubblico trasversale e internazionale.

Rosé, la nuova stella del K-pop

Rosé può essere tranquillamente considerata l’ambasciatrice del K-pop 3.0. Se Psy, il rapper sudcoreano autore di Gangnam Style, nel 2012 è stato il primo idol a sdoganare il pop made in Korea ben oltre i confini nazionali – e pure oltre quelli asiatici – i BTS avrebbero completato l’opera qualche anno più tardi portando questo genere – un mix tra R&B, rap e dance – a vero e proprio culto tra fan e appassionati.

L’autrice di APT. ha adesso completato l’opera innalzando il K-pop a un livello ancora superiore, alla portata di tutti e non solo degli appassionati. Per capire di cosa stiamo parlando, basti pensare che Rosé detiene due Guinness dei primati. Record numero uno: è la prima artista ad aver raggiunto il podio nella Billboard Global 200 sia come solista che come parte di un gruppo. Record numero due: APT. è il video musicale di un solista K-pop più visto su YouTube nelle prime 24 ore dall’uscita (oltre 500 milioni di visualizzazioni).

Rosé è una delle tante star create a tavolino dalle potenti case discografiche della Corea del Sud, ma a differenza dei colleghi ha scelto di superare il rigido codice lavorativo imposto dalle etichette. “Siamo state addestrate a presentarci sempre nel modo più perfetto possibile. E quindi anche quando interagivamo con i fan online, ero pronta a dare risposte perfette e a dare loro ciò che volevano. Dovevo assicurarmi di essere una ragazza perfetta per tutti”, ha spiegato Rosé in un’intervista al New York Times. La svolta solista l’ha aiutata a essere veramente se stessa, a svelare la sua parte più emotiva e, last but not least, a non piacere per forza a tutti. La perfezione è importante, ma non è tutto se sei un’artista.

Nuova era?

Alla radio, in televisione, come colonna sonora delle storie su Instagram o nei reels di TikTok: APT. è letteralmente ovunque. Il titolo della canzone è ispirato da un famoso gioco alcolico coreano che in inglese si pronuncia “apateu“, traducibile come “appartamento” (perché di solito si svolge in piccoli spazi privati) e abbreviato in APT.

Il singolo funziona pur senza avere grandi significati nascosti. È un classico brano pop che evoca divertimento e convivialità, e anche per questo si è trasformato in una hit contagiosa e orecchiabile. La parola a-par-teu viene ripetuta, scandita, in un modo tale da catturare l’orecchio dell’ascoltatore. È un ritornello martellante seguito da una melodia semplice e quasi familiare, che conferisce al brano un ampio gradiente mainstream.

A differenza dei precedenti successi K-pop di artisti come Psy, che ha sfruttato YouTube, o dei BTS, che hanno invece fatto leva sulla loro fandom, l’approccio di Rosé si è concentrato fin da subito sul network aziendale della sua nuova etichetta discografica.

La ragazza è stata infatti ingaggiata dalla statunitense Atlantic Records, una sussidiaria della Warner Music Group, etichetta di artisti come Bruno Mars e la rock band britannica Coldplay. In ogni caso, il vero successo di APT. deriva dalla definitiva “popificazione del K-pop”, ovvero dall’integrazione del K-pop nella musica pop mainstream. La sinergia tra Rosé e Mars ha forse inaugurato una nuova era.

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Lo spettacolo del 2 febbraio si è tenuto a Los Angeles alla Crypto Arena, meno di un mese dopo che gli incendi di Eaton e Palisades hanno devastato la grande area di Los Angeles e solo un paio di settimane dopo l’insediamento di Donald Trump. Ma mentre la nuova amministrazione inaugura la sua “diplomazia” dei dazi, minacciando lo smantellamento di istituti sacri come le affermative actions, il mondo della musica ha fornito ancora una volta una stoccata vincente, per ricordare cosa è e dove va il Paese. I Grammy Awards 2025 hanno rappresentato un palcoscenico significativo per artisti che hanno utilizzato la loro visibilità per affrontare temi politici e sociali rilevanti negli Stati Uniti. Durante la cerimonia, diverse personalità hanno espresso posizioni critiche nei confronti delle politiche dell’amministrazione Trump, toccando argomenti come l’immigrazione, i diritti LGBTQIA+ e l’inclusione.

La rivoluzione country di Beyoncé

Ancora una volta trionfante quella macchina da guerra che è Beyoncé (noi, l’avevamo detto): per la prima volta nella storia dei Grammy, gli artisti neri si sono aggiudicati i Big Three: Album, Song e Record of the Year, diventando la prima artista nera a vincere il premio Best Country Album e l’ Album of the Year (entrambi per Cowboy Carter). Solo altre tre donne di colore hanno vinto il premio per l’album dell’anno nella storia dei Grammy: Natalie Cole (1992), Whitney Houston (1994) e Lauryn Hill (1999). Ha anche portato a casa il premio Best Country Duo/Performance per la sua collaborazione con Miley Cyrus in “II Most Wanted”.

Le sue 11 nomination per la serata l’hanno resa ufficialmente la cantante più nominata nella storia dei Grammy con un totale di 99 nomination. Ma soprattutto, ha compiuto un miracolo prendendosi di rapina il country: nonostante sia nota per il pop twerkato, Beyoncé ha radici texane che la legano al country. Cresciuta a Houston, ha assorbito il genere fin da giovane e ne ha incorporato elementi in alcuni brani, come Daddy Lessons (2016), tratto dall’album Lemonade. Questo pezzo, con sonorità bluegrass e folk, fu persino eseguito ai CMA Awards con le Dixie Chicks, ma ricevette critiche da una parte del pubblico conservatore, poco incline ad accettare un’artista nera nel genere. Piaccia o non piaccia, poiché il country ha una lunga storia di esclusione nei confronti degli artisti neri, Beyoncé ha sfidato questa narrazione, ricollegandosi a figure storiche come Charley Pride e Linda Martell, pionieri neri nel country. L’attesissimo riconoscimento dei Grammy Awards arriva, soprattutto, dopo che la Country Music Association l’ha snobbata, e l’anno scorso ha rifiutato di candidare il suo album a qualsiasi premio.

Shakira in difesa dei latinos, Alicia Keys della DEI

Ma quella del 2 febbraio è stata la serata anche di sua Maestà Shakira, vincitrice per il miglior album pop latino dell’anno con Las mujeres ya no lloran (Le donne non piangono più): ma questa volta la sua presenza va oltre la battaglia contro le corna: la cantante colombiana ha ricevuto il premio dalla monumentale Jennifer Lopez (il che non è un caso) e ha ringraziato con il primo discorso politico della serata: “Dedico il premio a tutti voi, fratelli e sorelle immigrati in questo Paese. Siete amati, siete preziosi e combatterò per voi. A tutte le donne che lavorano ogni giorno per mandare avanti la famiglia: siete un vero scudo“, ha detto la musicista stringendo il suo quarto grammofono dorato.

Alicia Keys, ricevendo il Dr. Dre Global Impact Award, ha sottolineato l’importanza della diversità, equità e inclusione (DEI), affermando: “La DEI non è una minaccia, è un dono“. Questa affermazione è stata vista come una risposta alle recenti dichiarazioni di Trump che collegavano le politiche di diversità a eventi funesti come la tragedia dell’incidente aereo a Washington in cui un volo di linea American Airlines e un elicottero militare si sono scontrati a mezz’aria vicino all’aeroporto nazionale Ronald Reagan, sulle rive del fiume Potomac. “Questo non è il momento di mettere a tacere la diversità di voci”, ha detto sul palco. “Abbiamo visto su questo palco persone di talento e laboriose provenienti da background diversi con punti di vista diversi, e questo cambia le carte in tavola“, ha tuonato l’artista. Parole che hanno un peso se sei figlia di una madre con discendenze italo-irlandesi (la famiglia di suo nonno era emigrata dalla Sicilia), mentre il padre possiede origini giamaico-portoricane.

Lady Gaga in difesa delle persone trans, Swift a bocca asciutta

A completare il quadro, Lady Gaga Germanotta: premiata per la Miglior Performance di Duo/Grupo Pop con Bruno Mars, ha difeso i diritti della comunità trans, dichiarando: “Le persone trans meritano di essere visibili e amate“. Questa presa di posizione è stata interpretata come una critica alle posizioni dell’amministrazione Trump riguardo l’argomento. Ancora più incisiva Chappell Roan, la neo-vincitrice del Grammy come miglior artista emergente che ha fatto tremare la Crypto.com Arena con la sua ode alla sessualità queer, Pink Pony Club. Il brano vedeva la partecipazione di una banda di clown da rodeo e, naturalmente, di un gigantesco pony rosa, mentre Roan celebrava il suo apprezzamento per Los Angeles come luogo in cui la nativa del Missouri sentiva di poter essere se stessa. “È brutale in questo momento, ma le persone trans sono sempre esistite e esisteranno per sempre e non toglieranno mai, qualunque cosa accada, la gioia delle persone trans, e questa deve essere protetta più di ogni altra cosa“, ha dichiarato l’artista.

Quello che ha lasciato sgomenti i fan è una povera Taylor Swift, fenomeno mondiale tutto da studiare, rimasta a bocca asciutta. Nonostante le sei nomination ai Grammy Awards 2025, Taylor Swift non ha ottenuto alcuna vittoria. Pur avendola presa con filosofia, partecipando con gioia ai successi dei colleghi (ad esempio Kendrick Lamar), è lecito chiedersi perché un’icona del genere non abbia ricevuto riconoscimenti. Troppo WASP? Troppo coinvolta con l’establishment: si ricordi il suo tardivo endorsement a Kamala Harris e i “sospetti” di essere sul carrozzone di Trump, che giocò più volte con la sua immagine.

Uno show politico come non se ne vedevano da un po’, insomma, che promette di essere replicato alla cerimonia della Notte degli Oscar, posticipata a causa dell’emergenza incendi. Probabilmente con una precisa regia, il messaggio politico è arrivato forte e chiaro sebbene mescolato tra lustrini ed esibizionismi vari. Si tratta anche della riscoperta di un palco sul quale le esibizioni vanno di pari passo ai messaggi politici: non è un caso che l’anno scorso, gli ascolti dei Grammy hanno registrato una notevole ripresa, raggiungendo il livello più alto degli ultimi 24 anni, dopo essere scesi al minimo storico nel 2021.

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 Non bisogna essere necessariamente dylaniani per impazzire per A complete unknown, pellicola candidata a ben 8 Oscar in cui un extraterrestre Timothée Chalamet interpreta il menestrello di Duluth. Il biopic arriva potente in un momento complesso della storia americana, aggravata da travagli, fratture e passaggi di consegne. Si va a toccare un mostro sacro, il mito vivente, il premio Nobel che scriveva canzoni, l’idolo di generazioni. Ma se qualcuno si aspettava un musical, una sorta di Mamma Mia! in versione folk, ne rimarrà deluso. Se qualcuno pretende un documentario sulla vita di Robert Allen Zimmerman resti pure a casa. Chi, ancora, non vedeva l’ora di assistere a un film sui favolosi Sessanta condito da canzonette, vada a leggersi un libro di storia.

A complete unknown racconta la storia di un ragazzo – del cui passato volutamente il regista non fa sapere nulla – che raggiunge la metropoli inseguendo il profumo dei suoi miti come Pete Seeger e Woody Guthrie. Il secondo ancora più del primo: interpretato da uno straordinario Scoot McNairy, il monumento del folk americano apre e chiude la manciata di anni raccontata dal film. Lui e Dylan non si dicono mai nulla ma si confessano tutto a suon di sguardi malinconici, nonostante la malattia di Huntington stia consumando il più vecchio dei due.

Nessun perdono per Dylan

La storia, che comincia nel 1961, sembra restituire a Dylan ciò che non sembra importare a nessuno: “Bobby” non voleva essere mito, non gradiva essere faro, veniva dal folk ma non voleva trasformare il genere in una prigione, in una divisa. Così come non gradiva la costrizione nel dover essere qualcuno o dire sempre qualcosa di giusto: da lì l’avversione per i salotti buoni della sinistra radicale, per il Festival di Newport che voleva solo Blowin’ in the wind, e perfino per i suoi fan pronti a chiamarlo Giuda quando passò all’elettrico. L’America, del resto, non perdona mai “l’uccisione” dei Padri Fondatori. Furono tanti, infatti, i militanti degli anni Sessanta che tennero a far sapere di non aver mai perdonato a Dylan due cose: di averli abbandonati nel momento in cui cominciava l’escalation in Vietnam, e soprattutto di essere diventato ricco. La comunità della sinistra folk non aveva una lira ed era orgogliosa della propria povertà. Un problema americano ancora attuale: sebbene la nazione venga dipinta ancora come la terra del “tutto è possibile”, il rigurgito puritano tende sempre a sospettare del successo e della ricchezza, pronta a impalare il prossimo robber baron.

Dylan a vent’anni era timido e stronzo allo stesso tempo, come qualsiasi giovane di quell’età dotato di riccioli e che sapeva suonare la chitarra come un Dio. Sospeso fra l’ebrezza del successo e la paranoia della fama. Una gallina dalle uova d’oro che doveva essere un Joan Baez-più famosa di lui-con i calzoni. Ma fra i due c’era e c’è un abisso, nonostante la tormentata liason che li ha portati a scontrarsi e incontrarsi all’infinito. L’evoluzione di quello sguardo timido fu la faccia strafottente celata dietro gli occhiali da sole e i ricci incolti: un aspetto che il film disegna con perfezione commovente. E gli occhi bassi di Chalamet ancora di più.

Qualcuno si è affrettato in queste settimane a puntare il dito sul triangolo amoroso con Baez e Suze Rotolo, come se il racconto di quell’altalena togliesse magia al mito. Dylan è stato anche questo, un ventenne che ha giocato con le ragazze, perennemente ramingo tra la mamma e l’amante. Anche questo nessuno gliel’hai mai perdonato: per i talebani di Blowin’ in the wind, Dylan avrebbe dovuto sposare la dolce Joan, farci un mucchio di marmocchi e marciare per il Vietnam tutta la vita: in tanti ragazzi dai capelli grigi e dalle anche scricchiolanti non gli hanno perdonato nemmeno questo, il mancato lieto fine. Le femministe che ancora vorrebbero bruciare reggiseni, non smettono di detestarlo per “il male” che ha fatto alla loro Joan.

Una filippica al veleno

Ed è esattamente quel dolore e quella contraddizione che il film racconta, il debutto alla vita di un Robert qualunque dotato del fuoco dell’arte, e che è rimasto libero una manciata di secondi. Un esempio fra tutti: una volta Clark Foreman, militante politico e direttore dell’Emergency Civil Liberties Committee si convinse che la sua presenza avrebbe commosso i vecchi liberals a donare fondi alla causa. Dylan arrivò a una cena allestita per l’evento alticcio e intimorito e, cosa che lo innervosì ancora di più, vide mandar via alcuni degli amici che l’avevano accompagnato, perché non avevano l’invito e non erano abbigliati in modo presentabile. Dylan iniziò una filippica al veleno, incastrandosi in un discorso su John Kennedy, morto sole tre settimane prima. Fino a quella serata, Dylan aveva l’aureola del santo: la magia si spezzò quella sera. Dylan disse a quegli ostinati benpensanti che se Oswald aveva potuto uccidere Kennedy è perché una parte dell’America, una parte degli americani lo voleva morto. Non erano stati russi o chissà chi, ma l’America stessa. Imperdonabile.

Essere (o non essere) Bob Dylan

I sogni sono imperfetti, si avverano e perdono di libertà, diceva qualcuno. Dalla lettura di quella frustrazione, di quell’insofferenza, della coscienza di essere diventato una macchina da guerra per conto altrui, è facile capire perché l’anziano e burbero Scroooge Dylan non sia andato a ritirare il Nobel. Nel gesto, solo apparentemente ingrato e cafone, c’è ancora quel ragazzo timido e stronzetto che non sorrideva mai e che quella cosa a Stoccolma non avrebbe saputo proprio farla. Del resto, nessuno di noi sa cosa vuole dire “essere stato Dylan” e sopravvivere. I dylaniati di ieri, per buona parte, stanno odiando questo film. Sono gli stessi che boicottano i concerti di Dylan perché hanno paura di restare delusi, perché non suona Blowin’ in the wind, perché vuole i cellulari spenti e perché gracchia un po’.

Del finale del film, che si interrompe nel 1965, resta Bobby che restituisce l’armonica a Woody Guthrie, quasi a scusarsi per il tradimento del folk. Woody gliela lascia, un attimo prima di vederlo sfrecciare via in moto. Una scena che ricorda per certi versi il finale di Qualcuno volò sul nido del cuculo: l’immagine finale del capo indiano che corre verso la libertà, e che in qualche modo libera tutti. Così fa Dylan: libera Guthrie, libera il film, libera se stesso. Ed è giunta l’ora di perdonarlo per non aver più voluto essere…Bob Dylan.

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La cantautrice australiana Iyah May ha recentemente attirato l’attenzione dei media per una vicenda legata al suo brano, Karmageddon, uscito a novembre 2024. Il focus non è però la sua musica, quanto la sua decisione di restare fedele ai propri principi.

La sua nuova canzone affronta temi di libertà artistica, censura, conflitti geopolitici e diritto internazionale, e la polemica è stata scatenata in particolare dalla definizione degli eventi in corso a Gaza come genocidio.

Questo, ma anche l’essersi rifiutata di apportare le modifiche richieste al testo, ha portato allo scioglimento del suo contratto con il management musicale che la rappresentava.

Il testo e il suo grido di giustizia

La canzone, descritta dalla stessa artista come “un inno per tutti voi e per chiunque voglia un mondo migliore, un mondo pacifico e che tutte queste orrende e disgustose ingiustizie finiscano”, non è solo una denuncia della violenza a Gaza, ma un manifesto contro l’indifferenza globale.

Si tratta della prima canzone socialmente impegnata dell’artista che in passato ha utilizzato l’R&B per affrontare temi più personali e relazionali. Karmageddon è invece un brano diverso. Sulle note di una canzone pop apparentemente serena, le parole utilizzate dall’artista sono piuttosto affilate. Il testo inizia rappresentando una realtà comune a qualsiasi persona che sui social scrolla reel barcamenandosi tra tragiche notizie e soddisfacente superficialità. “Forse è così che diventa la vita quando le persone sono meno importanti di una linea di profitto”, intona la seconda strofa.

Il ritornello, invece, con un riferimento alla pandemia dice “virus creati dall’uomo, guardate come muoiono milioni di persone. Il più grande profitto della loro vita. Ecco l’inflazione, questo è il vostro premio. Questo è il Karmageddon”. Un messaggio piuttosto chiaro e inequivocabile, con un esplicito rimando alla “cancel culture“.

Il riferimento al genocidio a Gaza arriva quando recita “mentre ci vengono propinate tutte queste distrazioni, i bambini vengono uccisi dalle azioni di Israele”. E poi, in modo più esplicito, “più che una guerra è un genocidio”. Proprio l’uso del termine ha innescato la controversia. Questo termine, fortemente controverso e carico di implicazioni, ha diviso profondamente l’opinione pubblica: c’è chi l’ha lodata per il suo coraggio e chi l’ha criticata per aver utilizzato una retorica considerata divisiva e politicizzata.

Il manager musicale le aveva chiesto esplicitamente di modificare il testo della canzone, definendolo un rischio per la sua carriera. Al suo rifiuto, è seguita la recessione del contratto. Ma come lei stessa ha detto a inizio dicembre in un post su Instagram, ora la canzone è virale, sedicesima canzone più ascoltata nel mondo su iTunes, e i suoi messaggi sono liberi di circolare.

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L’annuncio della cantautrice ha suscitato reazioni contrastanti. Da una parte, molti artisti e attivisti hanno espresso solidarietà, lodando la sua determinazione e il coraggio di affrontare temi così complessi. Alcuni tra i sostenitori hanno anche sottolineato come la sua esperienza metta in luce le difficoltà di coniugare arte e attivismo in un’industria musicale sempre più commerciale e sensibile alle pressioni politiche.

Dall’altra parte, però, non sono mancate le critiche. Alcuni l’hanno accusata di sfruttare un linguaggio incendiario che rischia di polarizzare ulteriormente un conflitto già estremamente complesso. Altri, vicini alle posizioni filoisraeliane, respingono categoricamente la definizione di genocidio, ritenendola inappropriata ma anche offensiva.

Il termine “genocidio” è centrale nella controversia. Secondo il diritto internazionale, un genocidio implica l’intento deliberato di distruggere, in tutto o in parte, un gruppo etnico, religioso o nazionale. La scelta di Iyah May di utilizzare questa parola ha inevitabilmente caricato il suo brano di una valenza politica che va ben oltre l’ambito artistico.

E la libertà artistica?

Non è la prima volta che il mondo della musica e dell’arte si scontra con temi legati al conflitto israelo-palestinese. Artisti, scrittori e musicisti si sono spesso trovati sotto pressione per le loro posizioni, ma il caso di Iyah May si distingue per il modo in cui un’artista indipendente ha deciso di sfidare apertamente le convenzioni e i limiti imposti dall’industria musicale. Senza dubbio, questa mossa le è valsa un discreto successo al momento.

La vicenda solleva una domanda più ampia: fino a che punto un artista può esprimersi liberamente in un contesto sempre più globalizzato e politicamente sensibile? In un settore in cui le case discografiche e i management spesso operano in base a logiche commerciali e politiche, la libertà creativa rischia di diventare un lusso.

Ora che il suo contratto è stato risolto, Iyah May sembra determinata a proseguire come artista indipendente. La cantante ha annunciato che continuerà a lavorare a nuovi progetti musicali, senza rinunciare alla sua voce e al suo messaggio. Il un altro post su Instagram ha ringraziato il suo pubblico con queste parole: “Dire la verità anche quando le forze si rivoltano contro di te è molto più gratificante che mettere a tacere la tua integrità.”.

L’ intera vicenda evidenzia la necessità di un dibattito più ampio su come l’industria musicale affronti le questioni politiche e sociali. Se l’arte deve avere un ruolo nel promuovere il cambiamento, allora deve essere libera di affrontare anche i temi più scomodi, sapere che c’è qualcuno che ancora combatte per i propri ideali invece di soffocarli in nome del successo non può che essere motivo di speranza.

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Sarà nel cuore pulsante del Salento, a Patù, in provincia di Lecce, che il cinema, il fotogiornalismo, l’arte e la musica diventeranno ambasciatori di pace e di unione per tre giorni. Dal 28 al 30 agosto si terrà infatti la prima edizione di TERRAE: International Film Festival. Ecco il programma

Un evento imperdibile che celebra il connubio tra le varie discipline con una programmazione ricca, per tre giorni di emozioni e scoperte culturali tra le piccole stradine del borgo. L’obiettivo è quello di far convergere in un unico contenitore culturale tante piccole storie locali dal forte impatto globale. 

Proiezioni di film internazionali

Il festival presenterà una selezione di film internazionali presentati nelle rassegne più prestigiose, da Cannes a Toronto, mettendo in luce opere di registi emergenti e affermati in tutto il mondo. Ogni proiezione sarà un viaggio cinematografico che esplorerà diverse culture, tematiche sociali e artistiche, offrendo al pubblico un’esperienza unica e coinvolgente. Il festival verte infatti su una serie di tematiche globali che spaziano dall’ambiente e alla crisi climatica fino alla tutela dei diritti umani in ogni forma. 

Mostre di fotogiornalismo

In parallelo alle proiezioni, saranno allestite mostre dal mondo del fotogiornalismo che porteranno i visitatori in un percorso visivo attraverso storie dal forte impatto emotivo e che documentano la realtà nelle zone più critiche del pianeta, dall’Africa fino in Amazzonia.  Queste esposizioni offriranno uno sguardo profondo e autentico su temi attuali, immortalati dagli scatti di Marco Gualazzini, vincitore del World Press Photo 2019, attraverso il progetto Resilient, e Daniele Cagnazzo, fotogiornalista di Patù con il suo lavoro in Amazzonia. 

Installazioni artistiche

Gli spazi di Patù si trasformeranno in una galleria a cielo aperto grazie alle installazioni artistiche presenti durante il festival. Opere contemporanee interagiranno con l’architettura storica del luogo, creando un dialogo affascinante tra passato e presente, tradizione e innovazione. 

Dopo Festival – Live Music

Infine, le serate del Terrae Film Festival saranno animate da performance di musica live, che vedranno esibirsi artisti e band provenienti da diversi generi musicali. Questo mix di sonorità renderà ogni serata unica, creando un’atmosfera festosa e coinvolgente per tutti i partecipanti in quello che è già stato definito “il dopofestival”. 

Per saperne di più e scoprire il programma del festival, è possibile visitare i canali social ufficiali (IG @terraefilmfest – FB Terrae – international film festival). Il Festival è completamente gratuito e non prevede ticket d’ingresso.

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Taylor Swift arriva a Milano e non porta solo la sua musica ma anche un giro d’affari considerevole. La cantante americana, attiva in generi che vanno dal country all’indie folk, nata a West Reading, Pennsylvania, nel 1989 e cresciuta artisticamente a Nashville, Tennessee, si esibirà il 13 e 14 luglio in due date allo stadio di San Siro che sono già diventate un evento pop. Si parla di biglietti sul mercato secondario rivenduti a 13mila euro, di gruppi Telegram che da settimane organizzano tendopoli per gli ingressi anticipati al Meazza, e di un ampio giro d’affari.

L’effetto Swift sull’economia

Confcommercio Milano ha addirittura provato a dare dei numeri precisi: 176,6 milioni di euro. A tanto equivarrebbe l’impatto per Milano di quella che nel mondo giornalistico Usa è chiamata la Swiftonomics, ovvero l’impennata di spese e entrate in una località quando la pop star nativa dell’America periferica riempie stadi, arene e sale concerti negli States e non solo. Per fare un paragone, in attesa dei dati più recenti, Inter e Milan, che col calcio San Siro lo popolano ogni domenica, hanno da tutte le loro attività fatturato nel 2022-2023 complessivamente 276,5 e 385 milioni di euro.

Questo si inserisce nel trend più ampio del boom dei live. “Gli ultimi dati ad oggi disponibili forniti da Siae – commenta Eugenio Allora Abbondi – sono riferiti al 2022. In quell’anno si sono tenuti oltre 24.000 spettacoli, attirando oltre 13 milioni di persone con una spesa complessiva di oltre 450 milioni di euro”.

Allora Abbondi è un finanziere attivo nel mondo della musica: è Founder, Director, Investment Committee Member di EICO Funds Sicav, azienda che ha lanciato un fondo dedicato proprio al settore, primo in Europa. Analizzando un mercato che di sicuro dai 450 milioni è ampiamente salito, ricorda la struttura in Italia: “Siae incassa circa il 10%, un valore molto importante che al netto della sua commissione ridistribuisce ad autori ed editori, garantendo quindi notevoli benefici ai detentori dei diritti. Se poi guardiamo al resto del mondo, il mercato ha raggiunto un volume d’affari di oltre 26 miliardi di euro”. Anche, se non soprattutto, per l’effetto-Swift.

Un impatto internazionale

La magnitudine dell’effetto-Swift è notevole. Toccherà anche Milano. E se sono esagerate le dichiarazioni che vedono nel fattore-Swift addirittura un traino per alcuni territori, è indubbio che un impatto momentaneo c’è. Investopedia ricorda che il legame tra Swift e questi fattori nasce dopo che con il suo Eras Tour, iniziato a marzo 2023 e destinato a finire il prossimo dicembre, Swift ha contribuito a suscitare entusiasmo in territori ove l’economia anemica si dibatteva tra le scorie del Covid e l’inflazione.

Insomma, Swiftonomics significa innanzitutto ottimismo: “A Chicago nel giugno 2023, il governatore dell’Illinois JB Pritzker e i principali responsabili del turismo hanno annunciato che l’Illinois aveva battuto il suo record di fatturato alberghiero anche grazie alla visita di Swift”, ha ricordato Investopedia, parlando di un tour che si prevede possa incassare oltre 2 miliardi di dollari solo per la vendita di biglietti e movimentare 5 miliardi di dollari per la sola economia Usa. Ma l’onda lunga dell’effetto Swift è stato percepito altrove: “La visita di Swift a Tokyo avrebbe portato 228 milioni di dollari nell’economia giapponese, di cui 162,7 milioni sarebbero andati direttamente alla città che ha ospitato la cantante”, e “la sua visita a Città del Messico avrebbe generato più di 59 milioni di dollari e gli hotel di Edimburgo, Liverpool e Cardiff erano esauriti nell’agosto 2023 per la tappa britannica del tour del 2024”.

Il capitalismo delle emozioni

La star ha nei mesi scorsi sfondato il miliardo di dollari di patrimonio anche per il successo globale del suo tour sulla scia della funflaction, la tendenza degli appassionati seguaci di una celebrità a spendere oltre il reale valore di esperienze, merchandising e prodotti legati a un artista di successo. Ma sarebbe riduttivo sottolineare solo questo aspetto. Il “colpo” maggiore di Taylor Swift in campo di guadagni è dietro le quinte.

Bloomberg Businessweek l’ha definita rivoluzionaria nella gestione dell’industria musicale perché i suoi brani spesso primeggiano dalle classifiche discografiche alle vendite di dischi fisici (Cd e vinili) ma anche, se non soprattutto, per un nuovo approccio al rapporto tra artisti e diritti musicali. Celebri le sue battaglie per dare ai cantati quote maggiori degli incassi via Spotify, nel 2018 ha firmato un accordo con la Universal che impegnava a redistribuire agli artisti qualsiasi plusvalenza la casa avesse in futuro prodotto uscendo dall’azionariato della stessa Spotify.

In definitiva, la Swiftonomics è, come l’ha definita Bred Wilhite di Abrdn, una nuova frontiera dell’interazione tra le emozioni collettive, in questo caso soprattutto della Generazione Z, e il capitalismo dell’intrattenimento. Spirito del tempo di un’epoca ove non sono più ideali politici e sociali ma fascinazioni collettive, spesso legate a singole personalità, a generare fermento sociale. Perlomeno in Occidente. E come vedremo a Milano, oggi la massima interprete di questo trend è una giovane americana divenuta punto di riferimento di una generazione.

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