Ricordate la canzone di Michael Jackson Earth Song :

“What about sunrise/E dell’alba che mi dici ?– What about rain /E della pioggia, che mi dici? –  What about all the things that you said We were to gain/ E tutte quelle cose che dicevi che avremmo ottenuto? – Did you ever stop to notice/Ti sei mai fermato a osservare? – This crying Earth, these weeping shores? /Questa Terra che piange, queste rive in lacrime? – What have we done to the world? / Che cosa abbiamo fatto al mondo? – What about animals?/E gli animali? – We’ve turned kingdoms to dust/ Abbiamo ridotto i regni in polvere –  What about us?/E noi? – What about elephants?/E gli elefanti?….”

Forse per Nick Brandt è iniziato tutto da lì. Il videoclip di Earth Song di Michael Jackson girato da lui come regista. Si dice che nel 1995, mentre girava il video di “Earth Song” in Tanzania, fu sopraffatto dalla bellezza degli animali selvatici. Forse non solamente dagli animali ma anche dal testo stesso della canzone scritta da Michael Jackson nello stesso anno. Una canzone che parla del dolore che abbiamo procurato alla Terra, di una Natura che abbiamo dimenticato persino di sognare. Forse un dialogo tra due persone che si interrogano su ciò che accade e sul momento in cui abbiamo sbagliato. Forse qualcuno parla all’Umanità intera, o è l’Uomo che si rivolge a Dio?

Forse quell’esperienza ha dirottato Nick Brandt verso l’Africa, la fotografia, il desiderio di esprimere  con le immagini la catastrofe a cui stiamo assistendo, una progressiva scomparsa del mondo naturale e della nostra umanità. Sull’impatto devastante delle nostre azioni sugli esseri più vulnerabili del pianeta, persone e animali. Oggi è lui con le sue immagini che parla a noi. Memorabile rimane l’immagine in Amboseli nel 2011 del ranger che tiene appoggiate sulle sue spalle le zanne di un elefante ucciso per mano di un uomo (Ranger con zanne di elefante ucciso per mano di un uomo, Amboseli, 2011 – Across the Ravaged Land). Peccato non fossero in mostra.

Già nel 2023 al festival Visa pour l’Image di Perpignan ero rimasta incantata dal lavoro di questo artista così come oggi nella mostra THE DAY MAY BREAK. LA LUCE ALLA FINE DEL GIORNO presso Gallerie d’Italia.

Forse il suo curriculum ci consente di capire come sia arrivato a realizzare fotografie così grandi e di grande impatto visivo. Un ragazzo inglese che dopo gli studi di pittura e cinematografia presso il Central Saint Martins College of Arts and Design di Londra diventa un regista di video musicali di successo, lavorando con famosi artisti come ad esempio Michael Jackson. Il lavoro in mostra a Torino di Nick Brandt, con la curatela di Arianna Rinaldo, si distingue per un metodo rigoroso e meticoloso: ogni capitolo è il risultato di mesi di preparazione, pianificazione e collaborazione con troupe che conoscono profondamente i territori e le comunità coinvolte. È lui il regista di sé stesso e mette in scena, animali e persone, come fossero film pubblicitari. Le scene sono  perfette in ogni dettaglio. La sua comunicazione sociale si arrende alle regole stilistiche rigorose della comunicazione commerciale. Infatti seguono lunghe settimane di stampa e selezione delle immagini, in un processo volto a stabilire un dialogo diretto e profondo con lo spettatore.

Come a Perpignan le prime due serie – diventate mondiali – sono ritratti di persone e animali vittime del degrado e della distruzione dell’ambiente. Le immagini del “primo capitolo”, “The day may break / il giorno potrebbe sorgere” (2021),  sono realizzate in Kenya e in Zimbabwe, mentre quelle del “secondo capitolo” in Bolivia (2022). Le fotografie sono state scattate in diversi santuari o aree protette per animali.  Vittime sia della distruzione del loro habitat sia del bracconaggio, la maggior parte degli animali sono sopravvissuti e non potranno più ritornare in libertà. Sono abituati alla presenza umana e quindi non si presenta il rischio che degli estranei si avvicinino a loro per essere fotografati nella stessa inquadratura. La nebbia è creata con l’aiuto di una macchina del fumo installata sul posto a simboleggiare un mondo naturale in via di scomparsa. Richiama anche il fumo degli incendi boschivi, aggravati dal cambiamento climatico, che devastano tante regioni del mondo. Sebbene abbiano perso tutto, queste persone e questi animali sono sopravvissuti. Ed è proprio qui che dovrebbe risiedere la speranza.

Il “terzo capitolo” “Sink Rise / Sprofondare e riemergere” (2023) è stato realizzato nell’arcipelago delle Fiji. Indubbiamente permane l’intenzione di stupire, meravigliare quasi i protagonisti fossero oggetti. Ritratti sott’acqua in pose apparentemente naturali trasferiscono un senso di triste quotidianità. Fanno parte di comunità che nei prossimi decenni perderanno terre, case e mezzi di sostentamento a causa dell’innalzamento del livello del mare. 

È tutto magistrale, poetico, di una raffinatezza stilistica ineccepibile.  Eppure c’è qualcosa che non torna. 

In particolare nel capitolo conclusivo: “The Echo of Our Voices / L’eco delle nostre voci” (2024).  Realizzato in Giordania, su commissione di Intesa Sanpaolo, ritrae famiglie di rifugiati siriani costrette a vivere in condizioni di sfollamento permanente. Le belle foto composte sono il concentrato di elementi selezionati dall’autore con notevole cura. I profughi sono diventati modelli di Vogue, lavati, ripuliti, lucidati, rivestiti con cura ed eleganza su piedistalli costruiti appositamente. Sculture senza personalità, tutti uguali nei loro abiti neri, così rigidi e impostati quasi a voler sovrastare l’imponente paesaggio giordano.  

L’artista ha reso le persone degli oggetti per metterle in una condizione di essere osservate all’interno della fotografia. Quanto sono belle queste fotografie,  applaudiamo alla bravura e capacità del fotografo e soprattutto di chi ha commissionato il lavoro: la Banca Intesa San Paolo attenta alla bella fotografia e vicina ai problemi che affliggono il nostro mondo.

Ma alla  fotografia si deve aggiungere l’autenticità. Questa parte autentica degli individui – tutti disposti a dichiarare quanto sono stati fortunati ad essere considerati – non la ritrovo. È questo mondo pieno di contraddizioni che sembra essere sostenuto anche dall’invito dell’autore a ricordarci di quanto siamo privilegiati – noi che riusciamo ad essere dentro a Gallerie d’Italia – rispetto alle persone che ci sono nelle immagini. Sembra un meccanismo, per neutralizzare l’impeto  ad una rivoluzione, quello di sentirsi in colpa e rimanere tranquilli a rimirare le immagini del più privilegiato di tutti , l’autore, che ha avuto la possibilità di muovere troupe e impianti per riportarci i profughi belli, puliti, profumati.

D’altronde cosa si può dire a Nick Brandt che nel 2010, ha addirittura co-fondato la Big Life Foundation, che si batte per proteggere gli animali e gli ecosistemi di una vasta area del Kenya e della Tanzania? Nulla. 

Se non che i profughi hanno dignità, carattere, personalità senza bisogno di voler costruire attraverso la bella fotografia la loro dignità. Mi sembrano più convincenti e toccanti le parole del famoso Gian Maria Volontè a proposito del cinema che credo calzante anche per il potere straordinario del linguaggio fotografico:

«lo accetto un film o non lo accetto in funzione della mia concezione del cinema. E non si tratta qui di dare una definizione del cinema politico, cui non credo, perché ogni film, ogni spettacolo, è generalmente politico. Il cinema apolitico è un’invenzione dei cattivi giornalisti. lo cerco di fare film che dicano qualcosa sui meccanismi di una società come la nostra, che rispondano a una certa ricerca di un brandello di verità. Per me c’è la necessità di intendere il cinema come un mezzo di comunicazione di massa, cosi come il teatro, la televisione. Essere un attore è una questione di scelta che si pone innanzitutto a livello esistenziale: o si esprimono le strutture conservatrici della società e ci si accontenta di essere un robot nelle mani del potere, oppure ci si rivolge verso le componenti progressive di questa società per tentare di stabilire un rapporto rivoluzionario fra l’arte e la vita”.

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In Italia i primi flussi migratori iniziano negli anni Settanta. La pancia calda dell’Italia ospitava, tra indulgenza e fastidio, manodopera a buon mercato soprattutto per lavori umili che iniziavano a scarseggiare. Si aggiungono ai tanti dialetti italiani nuove lingue a formare un ventaglio di suoni indecifrabili.

La società italiana, alla fine del secolo scorso, gode ancora di buona salute: la borghesia avanza, gli studenti aumentano, gli operai acquistano diritti, i migranti lentamente si inseriscono nelle nostre case. L’Italia si scopre avvolta dai miti del successo e del capitalismo, da politici che giocano a fare le star hollywoodiane, dal desiderio diffuso di viaggiare verso mete esotiche. Ma è soprattutto l’esotico che arriva a casa nostra con la Grande Migrazione del 2011 legata al periodo delle Primavere Arabe nel Nord dell’Africa. Da allora ci siamo talmente abituati alla tragedia dei migranti, in tutte le sue sfumature, da viverla come un dato di fatto, come parte del nostro paesaggio.

Ben venga una mostra come “EXODOS”, popoli in cammino per ricordarci cos’è la migrazione, chi è il migrante. Volti, sorrisi, pianti, bambini, filo spinato, abbracci, stanchezza, barche sfasciate, binari ferroviari, battigie, disperazione, poliziotti, divieti, treni. Circa settanta immagini sulla migrazione.

Ci muoviamo nella mostra con loro. Scopriamo una tappa di questa esposizione itinerante ad Alessandria, dopo il successo ottenuto a Novara nel mese di novembre, e che nasce dalla collaborazione tra l’Ordine dei Giornalisti del Piemonte e l’Università del Piemonte Orientale. I migranti ci svelano, attraverso le foto dei fotoreporter, il calvario per arrivare in Italia e quanto accade nei nostri confini, da Lampedusa a Trieste alla Val Susa a Ventimiglia. Un invito a ricordare, a rendere consapevoli in particolare i giovani, della migrazione. Esodo questa è la storia fotografica di un popolo in cammino.  

Una domanda inquieta: abbiamo dunque bisogno di una mostra come questa  per ravvivare la memoria di qualcosa che avviene tutti i giorni? Morti nel Mediterraneo, bambini orfani senza genitori, mendicanti migranti sotto i portici delle città, nelle stazioni, sui social. Quirico ha partecipato al convegno inaugurale incalzando : “Da 15 anni, 15 anni! E tutto è tragicamente immobile: le parole le promesse le accuse le bugie i silenzi le ipocrisie e i migranti. Un popolo senza nome e bandiere che cammina attraversa i mari e i deserti. E muore.”. La migrazione non la vogliamo integrare nella nostra fragile, ipocrita ‘’civiltà’’: eppure sappiamo! Contiamo i morti. Conosciamo le rotte. Dalla Siria attraversano il confine con la Turchia e da lì si dirigono prima in Grecia, poi in Macedonia, e poi cercano di risalire verso la Germania attraverso la Croazia, la Serbia, la Slovenia, l’Austria, l’Ungheria. Oppure dalla Libia e dalla tunisia salpano su caravelle marce e sbarcano in Italia (quando riescono ad arrivare) per poi dirigersi spesso verso il nord Europa, oppure in Francia e ancora in Inghilterra. Altri confini, altre umiliazioni, altri rifiuti.

Chiedo a Paolo Siccardi, fotoreporter, di raccontarmi la sua esperienza di narratore per immagini dell’esodo. “Sono tredici i fotoreporter coinvolti in “Exodos-Exit” quasi tutti torinesi o che vivono a Torino : Marco Alpozzi, Renata Busettini, Simona Carnino, Mauro Donato, Max Ferrero, Mirko Isaia, Giulio Lapone, Matteo Montaldo, Giorgio Perottino, Andreja Restek, Paolo Siccardi, Stefano Stranges, Mauro Ujetto. Il progetto nacque nel 2017 da un’idea dell’Associazione degli ex allievi del Master di Giornalismo Giorgio Bocca di Torino, sostenuta dalla Regione Piemonte e presentato per la prima volta a Torino, nello spazio della Regione di Piazza Castello. Da allora quella esposizione iniziale si è messa in cammino, è diventata itinerante, si è riproposta in molte città, sempre arricchendosi,  documentando nuove realtà di una tragedia che muta, si moltiplica, cambia protagonisti e dolore. 

Le immagini esposte nel 2017 erano state scattate prevalentemente un paio di anni prima. Oggi la mostra ha una parte storica – quella dedicata alla Western Balcan Route – a cui nel 2024, grazie all’Ordine dei giornalisti, è stata aggiunta una parte che racconta le più recenti migrazioni in una sezione intitolata ‘’origini’’, i luoghi  da dove partono  i migranti. Ad esempio sono state inserite  fotografie di Simona Carnino del Sudamerica, le mie in Sud Sudan e di altri colleghi in New Messico. Anche in Senegal con una scena tratta dal film Io Capitano. Come fotogiornalista lavoro da 25 anni sempre e solo per Famiglia Cristiana. Il convegno inaugurale ad Alessandria aveva lo scopo di intrecciare l’urgenza della cronaca, grazie ai reportages dei fotografi, con la profondità della ricerca scientifica di personalità come Telmo Pievani, biologo e il rettore Upo Menico Rizzi.”

I 13 fotografi, noti tutti a livello internazionale,  usano prevalentemente il colore a sottolineare l’intensità e la drammaticità della realtà. L’anno segnato nelle didascalie scandisce una realtà sconfortante: la vita dei migranti nel 2015, ’16, ’17, ’18,’19 …..’26 purtroppo è sempre la stessa. Dura mesi se non anni. L’estenuante viaggio interrotto e ripreso mille volte per mancanza di soldi, per rifiuti alle frontiere, per incarcerazioni, per fame, per dover affrontare migliaia di chilometri. Le immagini di Marco Alpozzi nel Mar Mediterraneo sono impregnate di paura, tristezza, speranza. Come le fotografie di Mauro Donato e Max Ferrero restituiscono gli scontri con le polizie custodi di muri inviolabili. Come la rete metallica fissata dagli scatti di Siccardi che segna visivamente il rifiuto. Simona Carnino e Renata Busettini scandiscono  la disperazione, i pianti, la fatica in Sud America. Allora non parliamo più. Ascoltiamo il silenzio. Guardiamo le immagini. Impregniamoci di quella sofferenza. Apriamo i nostri cuori. Allarghiamo le braccia. Accogliamo. La guerra insieme ai migranti busserà con sempre più rumore alla nostra porta e noi che parliamo, senza essere attrezzati ad affrontare le catastrofi, non sapremo più cosa fare.

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Paris Photo: esserci è un evento, sempre, ogni anno. La fiera di fotografia più conosciuta in Europa e credo la più famosa al mondo. Francesi, italiani e tanti, americani, giapponesi, neozelandesi, australiani, tedeschi, inglesi, sudamericani, africani, belgi, sudanesi. Paris Photo con un menu di fotografie delle gallerie, degli editori, dei premi, delle mostre, dei collezionisti da stordire chiunque anche il più preparato, colto, appassionato intenditore. Per il secondo anno Paris Photo ha esibito la sua lista nell’accogliente Grand Palais rinnovato dopo anni di febbrili lavori. Uno spazio ampio, bello, funzionale che merito alle organizzatrici, curatrici a tutti fa sentire bene anche quando i corridoi si riempiono di tanta gente. Tanta gente di tutti i tipi, di tante nazioni, di diverse età, vip e non, acquirenti, curiosi, fotografi, amatori, appassionati, amici di amici, genitori e figli, lettori e spettatori.

La direttrice Florence Bourgeois è orgogliosa di aver ben gestito i diversi settori – come quello di Voices, di Émergence, degli editori –  tra i due piani a disposizione ma soprattutto di aver coinvolto Devika Singh, storica dell’arte docente universitaria all’Institut Courtauld di Londra e Nadine Wietlisbach, direttrice del Fotomuseo Winterthur in Svizzera che hanno saputo portare delle proposte inusuali grazie anche a gallerie che non hanno mai partecipato a Paris Photo come alcune venute dal Cairo, da Nuova Delhi o ancora da Dubai.

Un ampio spazio è stato dedicato ad una mostra sull’America Latina, mai realizzata in una tale dimensione, della collezionista newyorchese Estrellita B. Brodsky – lei stessa originaria sud americana – intitolata “The last photo”. Una sessantina di opere dagli anni ’40 ai giorni nostri con autori di fama internazionale come Fernell Franco, Vik Muniz, Leo Matiz ma anche figure della nuova generazione. Florence Bourgeois sostiene che attraverso i progetti che scandiscono il percorso Principale delle gallerie l’intenzione è quella di mostrare che la fotografia non si limita alle edizioni. Più vivo che mai il media fotografico si rinnova costantemente prendendo forme diverse e sempre più sorprendenti: installazioni, video e opere ibride che mescolano diversi media.  Nell’incessante guardare, osservare, leggere didascalie alcuni nomi confortano la conoscenza come Joseph Koudelka, Gordon Parks, Saul Leiter, Julia Margaret Cameron,Helen Levitt, Ishiuchi Miyako, Erwin Olaf, Irving Penn, Robert Frank, Zanele Humoli, Bill Brandt, Edouard Boubat, Paul Graham, Man Ray. Sono nomi di autori e di progetti che creano un intervallo visivo e mentale poiché sedimentati nella nostra memoria.

©Zanele Muholi Mlingana V, District Six, Cape Town, 2025/Yancey Richardson Gallery

Poi al nostro sguardo si aprono immagini nuove. Alcune poetiche come quelle di Sayuri Ishida, Maria Aurelia Reise altre concettuali come quelle di Martha Le Parc o Marisa Gonzales, altre ancora sulla memoria come quelle di Sophie Ristelhueber o sull’identità di Baud Postma, di paesaggio di Mehdi-Georges Lahlou, Jorma Puranen, o quelle sulla famiglia di Nhu Xuan Hua o altre come Sabiha Cimen, Helen Chadwick e ancora di più.

Anna Planas, la direttrice artistica, conferma con i numeri la presenza di 59 nuove gallerie su 179 e 43 editori provenienti da 33 paesi. Le artiste a esporre sono il 39%. Da non dimenticare il progetto “Elles” per Paris Photo che è sostenuto dal 2018 dal Ministero della Cultura per mettere in evidenza le artiste, le donne. Progetto quest’anno affidato a Devrim Bayar, curatrice capo di Kanal-Centre Pompidou, un museo d’arte moderna che si aprirà a Bruxelles nel 2026. Come sostiene Anna Planas: “La presenza di numerosi esperti forgia la nostra identità e costituisce uno statement: affermiamo la nostra volontà di fare di Paris Photo uno spazio di riflessione e di sperimentazione attorno alla fotografia e all’immagine.” Un modello, quello di Paris Photo, nato dalla cultura radicata nella conoscenza – a partire dalla sua nascita – della fotografia, del suo linguaggio e sostenuta con convinzione dal pubblico e dal privato. La Francia è un esempio che conferma anche con i suoi festival di fotografia di saper fare all’interno di un panorama internazionale riuscendo però, sempre, a sostenere artiste, artisti, operatori culturali francesi. 

La fotografia italiana è poco visibile e ahimè anche poco presente nelle collezioni straniere. Credo che non sia necessario dichiarare quali siano le ragioni: ministero della cultura miope, investimenti fragili, scarsa visione imprenditoriale verso l’arte, micro sistema controllato dai soliti nomi. Sono solamente alcune delle innumerevoli ragioni che rendono l’Italia per la cultura fotografica primitiva, provinciale, incapace.  

Fortunatamente si rientra in Italia con una memoria più piena, con piacevoli scambi grazie anche ad incontri imprevisti, con una valigia più pesante di libri e per chi riesce qualche fotografia in più a casa. Au revoir Paris Photo, à l’année prochaine !

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Nan Goldin a Milano, all’Hangar Bicocca: una mostra che è d’obbligo vedere, di più, ascoltare. Verrebbe da dire: amare con dolore e intensità.“Quando fotografo non scelgo le persone che voglio ritrarre; i miei scatti scaturiscono dalla mia vita. Nascono dalle relazioni, non dall’osservazione”. Vero. Quando guardi le sue foto tu sei lì con lei, in quella scena, di fronte ai suoi amici, alle persone con cui lei condivide ciò che offre la devastante e travolgente vita. La vita di tutti i giorni quella che ognuno sceglie di fare a modo suo. Un po’ si sceglie un po’ si trova così come ti travolge e si impone.

La mostra di Nan Goldin

Un insolito e appropriato allestimento nel nero spazio dell’Hangar Bicocca accoglie otto installazioni che preferisco definire isole con all’interno un susseguirsi di immagini attraverso degli slideshows accompagnati da differenti tracce sonore.

Un’esperienza singolare che fa rivivere l’originale modalità della Goldin di proiettare le sue diapositive nei locali. Tutto nasce con The Ballad of Sexual Dependency una serie di diapositive di una vita condivisa con chi faceva uso di droghe, con varie identità di genere in mezzo a matrimoni, a tanto sesso, a segni di violenza soprattutto sulle donne. Un pezzo di vita importante, la sua vita che ricorda quella di molti ragazzi e ragazze della sua età ma che negli anni ‘70 e ‘80 quel genere di vita veniva nascosta alla società. Il coraggio della documentazione e anche di una certa denuncia apparteneva ai reporter non ai soggetti coinvolti. Nan Goldin come protagonista ne fa, con la sua indiscussa abilità fotografica, una dote: ritrae se stessa e i suoi amici da molto vicino, in attimi di sorprendente intimità, di sera, di notte, al mattino presto cioè nelle ore canoniche del ritrovo del piacere condiviso. Le luci virano spesso al giallo e quando c’è la luce del giorno è una luce sfacciata, quasi una denuncia della violenza, di ciò che si fa più fatica ad ammettere a se stessi e agli altri.

In quegli anni Nan Goldin diventa un’eccezione dichiarando più volte che è stata la fotografia a salvarla. Lei inserisce manualmente le foto scattate e selezionate nel proiettore per mostrarle al suo pubblico …. quello di allora. Goldin ricorda: ”il punto è quello che ho fatto con le foto. È come realizzare un lavoro cinematografico a partire da immagini statiche, e credo che la mia abilità risieda nel montaggio”. Un lavoro che non poteva rimanere nascosto e che viene costantemente rieditato e aggiornato con ritmo. Un ritmo accompagnato da diverse musiche: una colonna sonora eccezionale che fa vibrare ogni singola immagine affondando nella sua vita, nella nostra vita. Uno spaccato sociale così genuino che non ha bisogno di testi, didascalie. Succedeva allora succede oggi con la stessa convinzione coinvolgimento: una dichiarazione di fragilità, insicurezza, paura, piacere. Un affondo così lucido da sembrare un ossimoro. Nan Goldin diventa la moschettiera che sciabola con le immagini per ottenere giustizia in un mondo dove sembra non esserci.

Così Nan Goldin mette a fuoco nell’isola di Sirens i piaceri e la sensualità che le droghe possono indurre o in Memory Lost le perdite di persone care causate dall’Aids e nuovamente da overdose: sempre con una poetica di narrazione che concilia immagini e suoni in un fluire magnetico.

La fragilità più ossessionante, disturbante, inquietante è quella della sorella da cui tutto parte. Barbara Holly Goldin si suicida all’età di 18 anni e Nan Goldin mette in scena una installazione composta da più parti: tre grandi schermi per le immagini che fanno da cornice alla installazione di un letto con la figura di cera di una giovane donna su un piccolo letto tenuta ferma dalle mani di due uomini che evocano i medici dell’ospedale psichiatrico, mentre il letto e il comodino si ispirano alla stanza di una clinica dove Goldin era stata ricoverata per disintossicarsi. Accanto una seconda figura appesa in alto simboleggia il padre sanguinante. La scena e i video che durano 35’17’’si vedono da una altezza di circa 20 metri, in piedi, appoggiati ad una balconata.

Nan Goldin non è mai retorica, mai. Rimane asciutta nel suo modo di porre immagini e suoni e contemporaneamente il ritmo che insegue nei montaggi, nella cura maniacale con la quale crea la sequenza delle fotografie, diventa il suo timbro poetico. Compie un’operazione inusuale per denunciare una società, quella americana di periferia, conforme a regole e convenzioni rigide. Per sua sorella Barbara apparire anticonformista nel tentativo di ribellarsi alla sua famiglia, a quel tipo di società è stato come dichiarare la sua pazzia, la sua malattia a non apparire conforme agli altri. Una pazzia da ricovero in istituti psichiatrici che l’hanno portata al suicidio. Immagini di album di famiglia, con quelle di natura, del ricovero della tomba, creano una sensazione di smarrimento, di malessere.  Nan Goldin riesce sempre a raggiungere ciò che vuole esprimere e lo fa dando voce alla sua fotografia continuando a ricercare nell’arte, nel suo passato, nei suoi pensieri messaggi di riflessione e di conoscenza. Una mostra che meriterebbe per ogni sezione un articolo particolare ma è solamente da  vedere: tutta.

Nan Goldin “This Will Not End Well” Mostra organizzata da Moderna Museet, Stockholm, in collaborazione con Pirelli HangarBicocca, Milano, Stedelijk Museum Amsterdam, Neue Nationalgalerie, Berlino e Grand Palais Rmn, Parigi. La mostra in Pirelli HangarBicocca è curata da Roberta Tenconi with / con Lucia Aspesi. 11.10.2025 – 15.02.2026

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