La Fondazione Carlo Levi ETS ospita a Roma la mostra Il popolo lucano di Carlo Levi. Memoria e fotografia di Domenico Notarangelo, promossa dall’Associazione culturale Pier Paolo Pasolini di Matera, dalla Fondazione Carlo Levi ETS, ideata e curata da Giuseppe Decio Notarangelo, Antonio Notarangelo e Stefano Di Tommaso.

L’esposizione visitabile fino al 17 aprile 2026 propone un percorso visivo e culturale che intreccia l’opera e il pensiero di Carlo Levi con lo sguardo fotografico di Domenico Notarangelo, restituendo la profondità umana, sociale e simbolica della Lucania e del mondo contadino del secondo Novecento. La mostra è incentrata sul rapporto personale, culturale, politico e umano che lo stesso Domenico Notarangelo ebbe con Carlo Levi nel quindicennio 1960-1975, culminato nell’organizzazione dei funerali svoltisi ad Aliano, dove Carlo Levi era stato confinato nel 1935/36.

“Il progetto riflette sull’ascolto di Carlo Levi come modo di abitare il mondo unendo passato e presente nella scrittura e nella pittura, dichiarano i curatori Giuseppe Decio Notarangelo, Antonio Notarangelo e Stefano Di Tommaso, visione che trova una naturale prosecuzione nelle fotografie di Domenico Notarangelo, che documentano Levi, la Lucania e il popolo lucano con uno sguardo capace di coglierne la dignità, la memoria e una verità umana ormai distante, ma ancora intensamente viva, attuale”.Un nucleo significativo della mostra è dedicato alle immagini realizzate da Domenico Notarangelo durante la lavorazione del film Cristo si è fermato a Eboli di Francesco Rosi (1979), al quale il fotografo collaborò attivamente, instaurando un rapporto di profonda intesa artistica e umana con il regista e con l’attore protagonista Gian Maria Volonté.

Le immagini di Domenico Notarangelo, in gran parte inedite, realizzate nel corso di decenni di frequentazione dei luoghi e delle persone raccontate da Levi, non si limitano alla testimonianza documentaria, ma penetrano nella dimensione intima delle presenze ritratte, restituendo la compresenza dei tempi e la persistenza delle tracce lasciate dalla storia, dal lavoro e dalle relazioni umane.

“La mostra si configura come un omaggio a due figure centrali della cultura italiana del Novecento, dichiara Daniela Fonti Presidente della Fondazione Carlo Levi ETS e come un atto di restituzione della memoria collettiva del Mezzogiorno, riaffermando il valore civile, poetico e politico dello sguardo”. Biografia di Domenico Notarangelo. Dieci anni fa moriva il 4 dicembre 2016, Domenico Notarangelo, era un talento non da meno di Henri Cartier-Bresson e di Sebastião Salgado. A differenza di questi due giganti della fotografia del secolo scorso, Domenico Notarangelo non ha viaggiato per il mondo.

Tutto il suo lavoro si è concentrato dove era nato e dove viveva, in Puglia e in Basilicata, dove il tempo, i luoghi e gli spazi sono i protagonisti di opere fotografiche in cui bambini, donne, animali e uomini celebrano il rituale dell’esistenza in armonia con l’infinito. Domenico Notarangelo è stato soprattutto un giornalista e un dirigente politico capace di restituire un quadro delle vicende politiche e sociali della Puglia e della Basilicata del secolo scorso, inserite nel più ampio contesto della storia e della cultura nazionale.Nato il 6 marzo del 1930 da una famiglia contadina a Sammichele di Bari, in Puglia, entra in seminario nel 1943 e lì vive l’esperienza dei bombardamenti del 1945 su Bari. Ritorna al paese natale nel 1946 dove la Curia lo allontana dal Seminario a causa delle sue simpatie per il Comunismo. Dopo gli studi liceali ad Amalfi giunge in Lucania nella seconda metà degli anni ’50 stabilendosi a Matera, la sua città di adozione.Nella Città dei Sassi si è dedicato all’attività politica e di operatore culturale e ha scoperto le affinità elettive che hanno dato senso ed ispirazione ai suoi molteplici impegni. È stato per un quindicennio corrispondente dalla Basilicata per il quotidiano L’Unità.

È stato scrittore dalla prosa feconda ed accattivante e soprattutto uno storico delle tradizioni popolari, un antropologo, un fotografo, uno scenografo, un uomo di cultura a tutto tondo e un competente meridionalista. In tempi più recenti è stato caporedattore di importanti emittenti televisive meridionali dove, abituato com’era a esporsi e a pagare in prima persona, ha sempre insegnato ai giornalisti a ”tenere la schiena dritta” soprattutto, diceva, “quando parlate con i fatti e parlate di quanti non possono difendersi”. Ha sempre accompagnato l’interesse professionale alla ricerca e allo studio della storia del territorio, della cultura rupestre e della civiltà contadina, delle tradizioni popolari e della devozione, oltre alla storia politica, del sindacato, del giornalismo. Fino agli ultimi mesi di vita ha continuato a pubblicare saggi e libri di fotografia. Si è dedicato anima e corpo a ricercare, narrare e rivalutare le tradizioni popolari con la passione civile e l’attaccamento straordinario alla cultura della “paesanità” e ha raccolto e documentato testimonianze di costume e religiose oltre ad una larga messe di documenti che oggi costituiscono uno dei più importanti archivi privati del Mezzogiorno. A lui il grande merito di aver documentato la civiltà contadina seguendone la progressiva scomparsa.

Un processo che è andato di pari passo con politiche di industrializzazione approssimative e fallimentari insieme con la scoperta dei giacimenti di gas che hanno creato nuovi pretesti per guardare a queste terre come si guardavano le colonie da sfruttare. Molto spesso ha collaborato con importanti registi che hanno girato film in Lucania, in modo particolare con Pier Paolo Pasolini quando ha realizzato a Matera il suo “Il Vangelo secondo Matteo” e con Francesco Rosi come aiuto scenografo nel “Cristo si è fermato a Eboli”. In campo cinematografico ha collaborato inoltre con Liliana Cavani, Luigi Zampa, Brunello Rondi, Vittorio Taviani, Lino Miccichè e con quanti, intellettuali e politici, ebbero a che fare, per lungo o breve tempo, con la Puglia e la Basilicata.La prefazione dell’ultimo libro fotografico di Domenico Notarangelo intitolato “E fu subito Lucania”, Goffredo Fofi titola “Prima del genocidio del mondo contadino” e afferma “è proprio di questo che Domenico Notarangelo si è occupato, della terra che ha amato profondamente, della terra che lui definiva di fatica e dolore; la terra della brava gente, sempre in lotta per il riscatto”. E dice bene infine Ferdinando Mirizzi nella postfazione allo stesso libro quando scrive “le singole figure e i gruppi ritratti da Mimì, i suoi primi piani, paiono comunicare un senso di fiducia nell’avvenire e voler affidare alla testimonianza del fotografo un messaggio di speranza. Non c’è lo stereotipo visivo della Basilicata come terra arretrata ed esotica prodotta dalla fotografia che potremmo definire “sociale”, degli anni Cinquanta e Sessanta del Novecento, ma un mondo che si apriva al cambiamento”.Francesco Franza

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Ivo Saglietti è stato un grande maestro di fotografia che ha realizzato grandi reportage e contribuito a formare generazioni di giovani professionisti e anche, nel corso della sua carriera, un caro amico di InsideOver, testata per cui ha realizzato reportage e corsi di fotografia e ai cui professionisti ha trasmesso la competenza e la visione che lo contraddistinguevano. Per questo è doppiamente importante, per InsideOver, segnalare l’interessante iniziativa “Una Piéce per Ivo Saglietti”, che si terrà venerdì 23 gennaio dalle ore 17.30 alle Gallerie d’Italia di Torino, in Piazza San Carlo. Lo è perché la memoria di un grande fotografo come era Ivo (c’era familiarità, lo vogliamo continuare a chiamare così anche ora) merita di essere trasmessa assieme a quella della sua capacità di raccontare storie umane grandi e piccole rendendole significative con la capacità espressiva dei suoi scatti, sia perché l’impronta di Ivo sulla nostra storia è stata profonda e resterà indelebile.

L’evento è proposto da ArtPhotò nella prestigiosa sede di Gallerie D’Italia –Torino“. Una Piéce per Ivo Saglietti” si svolgerà grazie alla presenza di alcuni testimoni che hanno intrecciato con Ivo amicizia, condivisione, visione, apprendimento, progetti, speranze, dialoghi, discussioni vive, accese, appassionanti. Non a caso l’evento fa partedella serie “Intrecciare Parole e Immagini”. Tra i protagonisti dell’evento, anche il nostro editore Andrea Pontini e il celebre giornalista Domenico Quirico.

A Torino poco più  di due anni fa – dicembre 2023 – la mostra “Ivo Saglietti. Lo Sguardo Nomade” fu inaugurata al Museo Nazionale del Risorgimento pochi giorni dopo la sua scomparsa, avvenuta il 2 dicembre 2023.

Ora, con questa piéce Ivo Saglietti sarà ricordato come una persona e un professionista speciale. Perché speciale era il suo modo di guardare, di pensare, di leggere, di essere testimone, di ricercare la luce. L’autore sarà ricordato tramite una narrazione composta dalle sue immagini, dai suoi testi, da alcuni ricordi. Per ricordare chi ha rappresentato un pezzo importante della storia della fotografia in Italia. E, vogliamo ricordarlo con orgoglio e amicizia, anche della nostra. Sapendo che Ivo Saglietti sarà sempre con noi.

A Torino due anni fa – dicembre 2023 – la mostra “Ivo Saglietti. Lo Sguardo Nomade” fu inaugurata al Museo Nazionale del Risorgimento pochi giorni dopo la sua scomparsa.

Ora, con questa piéce Ivo Saglietti sarà ricordato come una persona e un professionista speciale. Perché speciale era il suo modo di guardare, di pensare, di leggere, di essere testimone, di ricercare la luce. Il maestro sarà ricordato tramite una narrazione composta dalle sue immagini, dai suoi testi, da alcuni ricordi. Per ricordare chi ha rappresentato un pezzo importante della storia della fotografia in Italia. E, vogliamo ricordarlo con orgoglio e amicizia, anche della nostra. Grazie, Ivo!

Ingresso libero fino a esaurimento posti

Prenotazione consigliata scrivendo una mail a torino@gallerieditalia.com

I partecipanti

• Valeria Gradizzi è una fotografa, nel 2012 diventa allieva del fotoreporter Ivo Saglietti, da qui i suoi progetti si concentrano sulla narrazione di mondi spesso invisibili o ai margini. L’ultimo, ELLE, è una ricerca fotografica sul neo-sciamanesimo femminile in Italia, diventato poi un libro edito da emuse.
• Federico Montaldo: avvocato specializzato in diritto della fotografia, saggista, titolare dell’Archivio Saglietti, autore del libro “Ivo Saglietti. Lo Sguardo Inquieto” (Edito da Postcart), curatore della mostra “Ivo Saglietti – Un fotografo in cammino”
• Francesca Peliti: Fino al 2015 amministratore unico di Peliti Associati, in seguito impegnata in studi di teologia e attività a sostegno dell’Ass. Amici di Deir Mar Musa, ispiratrice dei reportage sulla Comunità di p. Paolo Dall’Oglio SJ
• Paolo Pellegrin: fotografo di Magnum Photos Pellegrin ha dichiarato che Saglietti è stato il suo mentore. Noto per i suoi reportage di fotogiornalismo in varie regioni del mondo e in Medio Oriente dove ha incontrato Ivo
• Andrea Pontini: titolare della testata online InsideOver
• Domenico Quirico: inviato di guerra, giornalista, saggista, insieme con Ivo l’incontro e il libro “Rivoluzioni”

• Roberto Colacioppo: fotografo, attivista in fotografia sociale, Ivo gli ha dedicato l’introduzione e l’editing del libro “Dove fuggono gli occhi”

• Tiziana Bonomo di ArtPhotò: curatrice e organizzatrice di eventi di fotografia, tanti momenti di condivisione e tre esposizioni “ILVA CORNIGLIANO Fotografie di Ivo Saglietti e Federica De Angeli”, “Cuba, alla ricerca di Mr. Evans” presso lo Spazio Eventa a Torino e “Ivo Saglietti. Lo sguardo nomade” al Museo Nazionale del Risorgimento.

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Nel week-end a Maastricht non mi aspettavo di vedere al Fotomuseum aan het Vrijthof una mostra del fotoreporter italiano Franco Zecchin iniziata il 27 settembre 2025 con chiusura il 25 gennaio 2026. Zecchin è tra i maestri della fotografia italiana. Se pur nato a Milano nel 1953, si trasferisce a Palermo nel 1975, dove diventa fotografo professionista, collaborando con il quotidiano “L’Ora” dove conosce Letizia Battaglia. Lavora sulla mafia, la corruzione politica e le condizioni sociali in Sicilia. Ed è proprio, con Letizia Battaglia, che nel 1977 crea il primo Centro Culturale per la Fotografia situato nel Sud Italia e, nel 1980, è tra i fondatori del Centro di Documentazione contro la Mafia “Giuseppe Impastato”.

Life in Sicily è infatti il titolo della mostra a Maastricht. È una esposizione di cinquanta fotografie iconiche in bianco e nero di medio formato, di forte impatto scattate tra il 1975 e il 1994, nel turbolento periodo in cui la Sicilia era dominata dalla cronaca dei morti ammazzati per mafia, corruzione politica e misteriosi intrighi. Nelle sue foto sconvolge la contrapposizione tra una sensazione di inerzia, rassegnazione, complicità e un’altra invece di allegria quella ingenua dei bambini, delle feste paesane in un clima sociale impastato di morte, di povertà. 

Chiedo a Zecchin che cosa possono capire gli olandesi e che tipo di reazione hanno di fronte a queste immagini.

Grazie anche al fatto che ho trovato un giornalista che si occupa dell’ufficio stampa la mostra ha avuto una copertura mediatica altissima con oltre quaranta articoli su testate significative. C’è evidentemente un interesse particolare riguardo a questo tema. Inoltre Il direttore del Museo ha voluto abbinare alla mia mostra quella di un altro fotografo olandese Nico Koster, che ha fotografato cose più spettacolari negli stessi anni come ad esempio quelle del celebre momento di pace di John Lennon e Yoko Ono durante il loro leggendario “Bed-In for Peace” ad Amsterdam nel 1969.   I titoli “Life in Sicily” e “Appel en Lennon” convivono nello stesso periodo e l’abbinamento sembra funzionare. Gli olandesi dimostrano interesse verso la mia mostra e forse scoprono ora le ramificazioni e le influenze della mafia anche nel loro paese. D’altronde la mafia investe dove trova terreno fertile sia per questioni di immigrazione ma anche per il mercato finanziario o dove trova delle fessure nella regolamentazione in cui riesce ad infilarsi.

In ogni caso il lavoro di fotoreportage fatto in quegli anni lì, in Sicilia, oggi sarebbe  irripetibile. Una ragione è riferita alla violenza della mafia in quegli anni : c’erano più di 100 morti all’anno. Oggi sono diminuiti e si è passati alla cosidetta lupara bianca. Un’altra ragione è che non esiste più la possibilità di fotografare in quel modo. Con le tecniche investigative di oggi non è più possibile avvicinarsi così tanto agli omicidi. Il terrreno intorno alla vittima deve essere da qualsiasi contaminazione soprattutto dopo il delitto. Sulla scena ci sono solo esperti della scientifica per impedire che qualsiasi traccia esterna possa contaminare la situazione. Oggi il modo per illustrare questi fenomeni è decisamente cambiato. La mia documentazione ha un valore storico che serve non solo a rinfrescare la memoria ma a rendere visibile quel fenomeno della mafia che continua a esistere. C’è interesse a vederla e a gennaio seguirà poi la mostra di Letizia Battaglia.        Mi ha stupito il modo in cui questa mostra è stata recepita e continua ad essere visitata con affluenza di pubblico anche se il museo si trova nel centro della città in una posizione strategica anche rispetto ai paesi limitrofi come il Belgio e la Germania.

Chiedo anche com’è stato quel tempo con Letizia Battaglia e cosa avete condiviso il dolore o il coraggio della testimonianza?

Non mi piace dare una visione tragica. Noi abbiamo condiviso la passione per la fotografia, per il teatro, l’impegno sociale e molto altro. Eviterei queste formule drammatiche. Insieme abbiamo realizzato Grandevù grandezze e bassezze della città Palermo, nel 1986, una rivista mensile di cultura e impegno civile dedicata a Palermo. La rivista venne concepita non solo come spazio di informazione, ma come piattaforma culturale: affrontava temi sociali, politici, ambientali, urbani …. insomma la “realtà complessa” di Palermo. Un mensile durato due anni al quale collaboravano diverse persone scrittori, fumettisti, fotografi, un pò satirico ma anche una creazione per la parte intellettuale palermitana. Era per noi e per gli altri fotografi una dimensione di libertà.                                                                                                                     Forse il senso di drammaticità era insito di più in Letizia che ha subito una profonda delusione politica. Ricordiamoci che quando lei è entrata nella giunta Orlando ha dovuto abbandonare il suo mestiere di fotografa giornalista. Si è dedicata molto al suo ruolo di assessore pensando di poter modificare e di migliorare i quartieri più degradati trovando anche una grande gratificazione. Quando si è candidata alle liste europee si è trovata di fronte alle tresche e al potere mafioso senza poter far nulla. Lei ha messo di più nel suo racconto la dimensione drammatica e frustrante. Il momento della strage di Borsellino e la dichiarazione di Antonino Caponnetto – magistrato che negli anni Ottanta guidò il “pool antimafia” – dopo aver visto la salma di Borsellino, profondamente scosso, disse davanti alle telecamere: “È finito tutto!” Quella fu una frase che restituì sconforto immediato. Questa espressione di disperazione e sgomento naturalmente avvenne per la tragicità dovuta al momento. A caldo era terribile quello che era successo. La differenza con Letizia forse risiede nel fatto che io sono milanese di origine e vivo le situazioni in maniera più analitica mentre Letizia in modo più passionale. 

Tu sei considerato uno dei più importanti cronisti visivi dell’epoca sanguinosa della mafia siciliana, fai vedere una Sicilia piegata alla mafia alla criminalità ma non solo. Mostri il lato povero di quegli anni così come l’aspetto religioso fortemente connesso alla povertà. Cosa ti contraddistingue rispetto a fotografi diventati famosi come te vedi Scianna, Leone e altri? 

L’unico grande fotografo al quale riconosco una grande qualità innovativa è Enzo Sellerio sia per il periodo in cui ha fotografato che per la sua eleganza. È il migliore riferimento possibile. 

Tengo a ricordare che Enzo Sellerio, oltre ad essere editore, con le sue fotografie, in gran parte in bianco e nero, ha raccontato la Sicilia e in particolare la sua Palermo nel dopoguerra, durante il boom economico, offrendo un ritratto realistico e umano della vita quotidiana, delle trasformazioni sociali, delle contraddizioni dell’isola.

Nel libro Continente Sicilia , edito da Postcart, ho scritto un testo per me importante che racconta sia l’esperienza con Letizia in quegli anni e quello che ho voluto accontare della Sicilia. La mafia ha condizionato la vita di quel periodo ma la mia idea non è stata solamente quella di osservare la mafia. La mia intenzione è sempre stata quella di mostrare un insieme della Sicilia e di fare un’analisi sociale. C’è questa dimensione in cui la mia esperienza e il mio vissuto è di una Sicilia che non è fissata su certi stereotipi che ritengo controproducenti. C’è una critica velata al lavoro di altri fotografi che mostra una Sicilia che si riflette in questi cliché di una cultura rassegnata al silenzio all’oppressione. Per me invece è quello di mostrare una contemporaneità che è un insieme di mafia, di antimafia, di feste, di una vita sociale dove tutto è collegato. Molte di quelle fotografie sono state fatte nell’esercizio di un fotogiornalismo e quindi una restituzione di una visione privilegiata di un fotografo che lavora nel campo giornalistico che ha la possibilità di avere un accesso a diversi strati sociali: dalla miss, allo sciopero, alla riunione dei bancari etc…  un tipo di sguardo abbastanza raro. In redazione noi fotografi seguivamo tutto, non solamente la cronaca ma anche la partita di pallone la domenica! Per me la dimensione sociale e politica è primordiale.                                                                             La prima della sala della mostra si apre con un paper wall sulla “Sagra della sardina” a Mazzara del Vallo e da questa dimensione popolare di festa di condivisione, di partecipazione, di messa in scena che c’è anche la messa in scena del fotografo del modo in cui mi rapporto agli altri.

E l’immagine delle tre donne di fronte al morto ammazzato?                                                     Le tre donne sono vestite a lutto perché otto mesi prima fu ammazzato il figlio implicato nella mafia locale. In quell’immagine le protagoniste sono le donne che si ritrovano ad assistere. È un elemento importante anche quello di riprendere una soluzione individuale piuttosto che collettiva come nel caso delle feste. Considero la fotografia come qualcosa che si attualizza continuamente. Nel museo di Maastricht ho fatto un allestimento in funzione dello spazio e una sequenza e una dimensione delle stampe con un percorso visivo che si svolge in funzione dello spazio. Quando dico che si attualizza e che ogni forma di restituzione può portare a una variazione del percepito. L’idea è quella di consolidare una memoria collettiva di cosa abbiamo vissuto in quegli anni. 

Mentre l’immagine icona della mostra e del suo manifesto?

È stata scelta dal direttore del Museo Erik de Jong che arriva dal teatro con la percezione di una dimensione scenografica. Va un pò controcorrente al clichè della drammaticità della Sicilia. Piace. Piace molto anche a me.

Breve info su Franco Zecchin

A Palermo fa teatro e realizza un film all’interno dell’ospedale psichiatrico della città. Nel 1988 diventa membro “nominé” dell’agenzia Magnum. Tra il 1989 e il 1991 conduce un’inchiesta fotografica sui rapporti tra inquinamento industriale e salute pubblica in Slesia (Polonia). Nel 1991 inizia una ricerca sul nomadismo e l’uso delle risorse ambientali lavorando su una decina di società in diverse parti del mondo. Oggi vive e lavora a Marsiglia dove, insieme alle attività di formazione alla fotografia, continua a esplorare il rapporto tra territorio e pratiche sociali. Le sue foto fanno parte delle collezioni dell’International Museum of Photography di Rochester, del MOMA di New York e della Maison Européenne de la Photographie a Parigi.

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“La fotografia e il cinema, conferiscono una specie di immortalità” scrisse una volta il sociologo e filosofo canadese Herbert Marshall McLuhan. La fotografia ha infatti quell’unica e incredibile capacità di catturare gli attimi della vita, di cristallizzarli e renderli eterni, come particelle di un evento, dilatato nel tempo e nella storia. Eppure, se pensiamo ai grandi maestri della fotografia degli ultimi cent’anni, la fotografia italiana non è ancora del tutto nota al grande pubblico sulla scena artistica internazionale.

Proprio per questo motivo Finarte ha deciso di dedicare un intero evento alla scoperta dei maestri della fotografia italiana, dalla fine del XIX secolo ad oggi, con 100 opere di 50 artisti. È questa la cornice attorno a cui si sviluppa la prestigiosa asta “Fotografia: Icone italiane” a Milano, che raccoglie gli scatti che hanno fatto la nostra storia, immortalando attimi di vita quotidiana, grandi cambiamenti storici e trapassi nelle varie epoche, con un focus particolare sui maestri del Novecento, che hanno lasciato significative tracce nel panorama artistico non solo italiano, ma internazionale.

Milano, Piazza del Duomo (1985) scatto di Virgilio Carnisio

Pier Paolo Pasolini (1975) scatto di Dino Pedriali

“Icone italiane” avrà inizio a partire dal 16 giugno, con l’esposizione delle 100 opere, per concludersi il 18 giugno con l’asta finale alle ore 16. Tuttavia, non si tratta di una semplice asta, quanto di un progetto artistico vero e proprio di ampio respiro, curato dal Dipartimento di Fotografia di Finarte con testi critici e biografi del professor Roberto Mutti che sono disposti non in un canonico ordine cronologico e gerarchico, ma bensì in ordine alfabetico, affiancando opere di stili, epoche e quotazioni differenti.

Una preziosa collezione dal sapore vintage, che racchiude atti così diversi e lontani, se paragonati alla frenetica realtà di oggi e del nuovo XXI secolo, tra momenti di quotidiana spensieratezza, ma anche icone chic, eventi storici e personaggi che hanno caratterizzato il Secolo breve.

Tra le macrosezioni tematiche presenti nella collezione alcune fotografie storiche di Federico Fellini e Sofia Loren ad opera di Tazio Secchiaroli; Pier Paolo Pasolini immortalato da Dino Pedriali e Lucio Fontana e Marcel Duchamp negli scatti di Ugo Mulas. Un’altra sezione iconica è poi quella degli scatti di moda, dove spiccano alcuni immagini del grande Oliviero Toscani, scomparso lo scorso anno, oltre a campagne di Dior e Dolce & Gabbana, immortalate rispettivamente da Giovanni Gastel e Ferdinando Scianna, che nella Capitale italiana della moda, non possono mai mancare.

Infine, ampio spazio è stato dedicato anche a vedute rurali, paesaggi naturali e monumenti delle città italiane, tra Milano, Napoli, Palermo e Venezia, con scatti di Mimmo Jodice, Virgilio Carnisio, Carlo Naya, oltre alla punta di diamante dell’asta con l’opera “Negresco mare” di Massimo Vitali, stimata ad un valore di 20-30mila euro. Un’occasione per conoscere i grandi maestri della fotografia italiana, che raccontano di un’Italia sospesa in un malinconico e affascinante passato.

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Magnum Photos  ha da sempre avuto un rapporto intenso e speciale con il mondo del cinema e i suoi protagonisti. Basti pensare a Robert Capa e le diverse incursioni a Hollywood; Cartier-Bresson e i documentari sulla guerra di Spagna; Elliott Erwitt e gli anni trascorsi, da bambino, accanto agli studi della Columbia; Dennis Stock e il suo sodalizio con James Dean; una lunga storia di incontri, di condivisioni, di viaggi e avventure in giro per il mondo. Con 116 fotografie, 18 grandi fotografi e 12 set dei più celebri film hollywoodiani, la mostra “Lo sguardo dei grandi fotografi sui divi di Hollywood” si appresta a diventare l’evento espositivo di richiamo di fine estate a Pordenone, offrendo un ampio ventaglio fotografico e culturale sull’incontro “magico” tra i maestri della fotografia e quelli del cinema.

Magnum sul Set propone una serie di incontri, tra quelli più memorabili, che hanno segnato l’amicizia tra il mondo del cinema e quello della fotografia. Tutto ciò nella mostra alla Galleria Harry Bertoia a Pordenone visitabile fino all’8 dicembre 2024.

Dalla storica collaborazione tra l’agenzia Magnum Photos e il mondo del cinema, l’esposizione presenta ritratti e scene che catturano momenti irripetibili. In mostra i ritratti, i fuoriscena dei grandi di Hollywood, il “dietro le quinte” dei set cinematografici con immagini straordinarie di personaggi come Charlie Chaplin mentre dirige Luci della ribalta (fotografato da Eugene Smith), Billy Wilder e Marilyn Monroe in Quando la moglie è in vacanza (fotografati da Elliott Erwitt), James Dean in Gioventù bruciata (fotografato da Dennis Stock), le grandi dive Elizabeth Taylor e Katharine Hepburn in Improvvisamente, l’estate scorsa  del 1959 (fotografate da Burt Glinn), l’intero cast di The Misfits – Gli Spostati ritratto da diversi autori Magnum che si sono alternati sul set, Michelangelo Antonioni in Zabriskie Point  del 1970 (ripreso da Bruce Davidson), e molto altro. Tanti i grandi fotografi della Magnum Photos presenti in mostra, da Henri Cartier Bresson a Eugene Smith, Inge Morath, Dennis Stock, Elliot Erwitt, David Hurn, Peter Marlow, Guerogui Pinkhassov.

Queste immagini svelano un lato poco noto dell’attività dei fotografi di Magnum; testimoniano il rapporto intenso, tra sorpresa ed emozione, che un set cinematografico dischiude agli occhi e alla macchina di un fotografo abituato a raccontare la realtà e il proprio tempo. Perché in fondo, come ha scritto Elliott Erwitt, “Quel che la vita ha di meraviglioso sono le sorprese. Non vedo perché dimenticarsene quando si fa un film”.

Curata da Alessandra Mauro di Contrasto, questa nuova edizione della mostra mette in risalto il profondo legame tra Magnum e il cinema attraverso 12 reportage dettagliati che esplorano i retroscena di altrettante pellicole iconiche. Ogni sezione è accompagnata da pannelli informativi che raccontano la storia del film, il suo impatto culturale e curiosità inedite, offrendo ai visitatori una narrazione completa e coinvolgente. “Non si tratta di una semplice esposizione fotografica – spiega la curatrice –, ma di un vero e proprio viaggio nelle emozioni e nelle sorprese che un set cinematografico può riservare agli occhi di un fotografo”. 

“Un’occasione imperdibile per tutti gli appassionati di cultura visiva e cinematografica, perché offre un viaggio affascinante e uno sguardo inedito sui protagonisti e le atmosfere del cinema”, sottolinea il vicesindaco e assessore alla Cultura di Pordenone Alberto Parigi. “È un onore – aggiunge – poter ospitare nella nostra città un evento culturale di tale rilievo, che rende omaggio alla storia del cinema attraverso l’occhio dei grandi fotografi della Magnum”. Grazie alla collaborazione con Cinemazero di Pordenone, l’esposizione presenta anche una selezione di poster e locandine promozionali dei film hollywoodiani proveniente dalle prestigiose collezioni “La Cineteca del Friuli”, “La Cineteca del Friuli – Fondo Gianni Da Campo”, e “Collezione Isidoro Brizzi”, arricchendo ulteriormente l’esperienza immersiva.

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Il 13 settembre è iniziato lo storico festival di fotografia a Savignano sul Rubicone: il famoso SI FEST*. Quest’anno ho deciso di conoscere questo festival soprattutto attratta dalla direzione artistica di Alex Majoli**. Un affermato fotografo che ha molto da dire per le sue toccanti esperienze come a Leros, nei Balcani, in Sud America, in Iraq, in Afghanistan, fa parte di Magnum Photos e ha riunito alcuni fotografi italiani nel collettivo Cesura. Continua a fotografare e da tre anni segue la direzione artistica di Si Fest in cui ha dato rilievo a un tema trascurato: gli studenti e l’apprendimento dell’immagine. Curiosa di ascoltare la sua idea sul festival e di percepire i contorni di una vibrante figura l’ho intervistato.

La tua idea di festival …?

Non avevo intenzione di fare un classico festival, sull’impronta di quelli precedenti. Volevo costruire qualcosa di diverso: più contemporaneo, lasciando da parte la tradizione di guardare le foto e dividere i lavori in belli brutti….farlo diventare uno strumento diverso dal solito: per questo ho portato il festival nelle scuole, le immagini devono muovere emozioni, dentro, ed essere  strumento per insegnare qualcosa.

Un esempio: ho appena comprato i libri di scuola di mio figlio 15enne. I sussidiari, le copertine dei libri scolastici sono orribili, orribili! con una grafica e le scelte di un immagine senza riferimento. Cosa siamo noi fotografi, a cosa serviamo? A parte riempire gli spazi vuoti dei giornali che inoltre non hanno più i soldi per pagarci. Allora cerchiamo almeno di riempire le copertine dei libri di scuola in modo utile! Cosa ci vuole ad esempio per un libro d’inglese mettere una bella immagine che possa evocare la lingua inglese, un’immagine di Kris Killip ad esempio? Cosa ci vuole? Niente. Ecco, bisogna lavorare su questo: perchè c’è una assoluta passività – in tutto il mondo, non solo in Italia – c’è un blocco totale sull’uso dell’immagine. Anche per questo ho voluto inserire Aby Warburg, anche per parlare sull’immagine non della fotografia.

Infatti proprio Aby Warburg, grande storico dell’arte e della cultura tedesco, non portò mai a termine l’Atlante illustrato di Mnemosyne, personificazione mitica della memoria e del potere di ricordare. È da Warburg che prende il titolo del festival ‘ATLAS’.

Quindi per questo ho spostato le mostre, di questo festival longevo, dentro le scuole. Iniziamo da qui, osservare come reagiscono i bambini davanti alle immagini. Quest’anno nella scuola elementare i bambini vedranno le foto di tori in Spagna, che fanno parte della mostra di Maurizio Montagna ‘Toros. The marking of a Territory’. Le immagini oltre ad incuriosire e ad abituare i bambini a guardare oltre, fanno parte di una mostra che parla di indipendentismo, di politica, di pubblicità, di paesaggio.. insomma parla di tante cose, anche di animali, di geografia. Forse la geografia si può fare anche con una serie di fotografie di paesaggio. Non è necessario, obbligatorio spiegare chi sono i catalani, i baschi, la guerra dell’ETA per non urtare la sensibilità dei bambini. Si possono usare le fotografie come strumenti. Se ci abituiamo a fare questo per me la vita dell’uomo migliora.

MOSTRE

Numerose le mostre internazionali allestite nelle scuole di Savignano, con un percorso diviso per materie. Ad esempio nella materia DESIGN la mostra di Andy Rocchelli ‘Russian Interiors’, in EDUCAZIONE CIVICA la mostra di Richard Billingham con ‘Ray’s a Laugh’, in TECNICA Adam Broomberg&Oliver Chanarin con ‘Chicago’, in STORIA Adam Rouhana con ‘Before Freedom’ e Billy H.C. Kwok con ‘For so Many Years When I Close My Eyes’,  in LETTERATURA STACY KRANITZ con ‘The Year After a Denied Abortion’, in SOCIOLOGIA Danny Lyon ‘Conversation with Dead’ e così via. 

Con questo percorso di rinnovamento e sperimentazione, pensi di poter riuscire, – attraverso la 33a edizione del SiFest –. a raggiungere questo obiettivo: educare all’immagine le nuove generazioni?

Questo dipende dagli altri, da chi li utilizza. Io ho provato, ho scelto, ho chiamato l’autore, ho convinto a venire con i suoi lavori: questo è il mio mestiere. Poi saranno i professori, le professoresse ad usarlo, i genitori ad aiutare i bambini ad usarlo, sarà l’apparato di una società se è intelligente ad usarlo.

D’altronde la fotografia non è altra cosa, fa parte di tutto ciò che si insegna..

Ma certo c’è ovunque. José Saramago, Almos Oz, Pirandello e Brecht mi hanno dato la forza di lavorare agli ultimi libri che sto completando. Il cinema certo è ovvio. E il teatro: conosco bene il lavoro di  Fabio Castellucci qui a Cesena: sono cresciuto guardando i suoi spettacoli teatrali e fotograficamente collaboro con lui da un pò di tempo. E poi le persone, i libri di Basaglia: Istituzione Negata è stata una lettura importantissima per me.

Nel festival hai portato autori di reportage e autori concettuali. Come hai scelto?

Non ci sono differenze tra un autore e un altro. La differenza è che ci sono autori che hanno speso ore, dedicato tempo. Anche se alcuni contenuti possono non piacere, creare polemica, quello che conta è sempre il lavoro che c’è dietro alle immagini, che ci sia tanto studio, tanta conoscenza. Hanno speso tempo e lavorato tanto per darci questo lavoro. Io vado alla ricerca e apprezzo chi è ossessionato dal suo mestiere!

Chi hai portato quest’anno di Cesura?

Andy Rocchelli il mio studente, è cresciuto con me. Un grande trauma la sua uccisione. Si è stato orribile, bruttissimo, abbiamo pianto. Però lui deve continuare a vivere e quel lavoro abbiamo voluto tenerlo pubblico. Lui è ancora vivo nonostante nel 2014 sia stato ucciso. Dopo dieci anni è ancora vivo. Questa è la comunità, Andy rimane vivo, il suo lavoro è contemporaneo, per noi è vivo e teniamo vivi anche i genitori con la loro ricerca della verità.

L’incontro in programma su Andy Rocchelli ‘L’ultimo testimone’ con Elisa e Rino Rocchelli e Michele Smargiassi è stato di alta intensità, conoscenza e di elevata qualità. Allo stesso modo l’incontro ‘Vi amerò per le strade del mondo’ con Roberto Mercadini che ha raccontato Marco Pesaresi.

Credi attraverso il Festival, Cesura e il tuo lavoro. In ogni cosa spendi sempre te stesso. Nonostante il fil rouge che lega i tuoi progetti – quello di portare avanti, di costruire una cultura sull’immagine – gli obiettivi cambiano? C’è qualcosa che li differenzia?

No, è l’amore che ho per la fotografia. Nel mio caso è stata importantissima nella mia vita ma anche il formare giovani fotografi – come quelli di Cesura – renderli indipendenti dicendo: non entrate nel sistema mercato. Certo dovete guadagnare da vivere ma: siate liberi dall’avere l’appartamento a Milano, liberi dal photo-editor che non vi piace il lavoro, dall’essere condizionati dall’editor che da ordini e via dicendo..siate liberi da tutto questo. Siete voi che fate la fotografia non il mercato. Io continuo a scattare immagini. Nel festival ho cercato di pensare ai ragazzi nelle scuole, ho cercato di pensare che ci sono dei lavori sperduti, sconosciuti….. Il mio modo di fotografare è un esperimento continuo, rompere barriere : sempre e comunque. Quando morirò non so cosa lascerò come fotografie, ma sicuramente avrò sperimentato.

Il tuo maestro?

Il mio maestro si chiama Daniele Casadio*, uno sconosciuto, ancora il mio maestro. Una persona che mi ha insegnato a fare le fotografie da un punto di vista tecnico, mi ha fatto rispettare le persone, mi ha insegnato tante cose. Qui c’è una tradizione forte di fotografi come Guido Guidi, Luigi Ghirri, Paolo Roversi..

Ho sempre avuto l’impressione che nella maggior parte delle tue immagini si avverta il senso della teatralità quasi a voler bloccare le persone su una scena

Nel mio modo di fotografare, di sperimentare cerco di restare ingenuo.. è questa la parte più difficile.. quindi al di là della tecnica cerco sempre di trovare negli uomini, nelle cose, nelle situazioni.. di trovare la parte religiosa, la parte che ricorda i riti.. in alcuni casi del teatro, come dici tu, ma.. potrebbero essere i riti della preghiera.. e le domande sul perché facciamo le cose in un certo modo. Da dove arrivano i nostri gesti, pensieri, scelte? Quanta logicità c’è nell’uomo e perché abbiamo idee diverse? Se qualche volta leggiamo gli stessi libri perché li interpretiamo in modo opposto, da dove viene la nostra fragilità o la nostra arroganza, perché?  Queste sono le domande che mi pongo quando scatto una foto.

Le sue convinzioni, i suoi progetti, il suo amore per la fotografia mi rimandano ad un instancabile rivoluzionario che tenta di mantenere vivo uno sguardo giovane, innocente, ingenuo.. quello dei bambini.

* SiFest https://www.sifest.it/it/si-fest/letture-portfolio/lettori-portfolio.html Tante le mostre, i premi e gli eventi di questa edizione

** Alex Majoli bio Fotografo, direttore artistico del SI FEST.
Nato a Ravenna nel 1971, concentra la sua ricerca sulla condizione umana e sugli aspetti teatrali della vita quotidiana. Interessato alle teorie di Franco Basaglia, ha documentato la chiusura del manicomio greco di Leros, per poi avviare un progetto ventennale, tuttora in corso, sui lati oscuri della società brasiliana (Tudo Bom). Attivo per anni in campo fotogiornalistico, ha fotografato persone in ogni tipo di situazione, sviluppando l’idea che ciascuno di noi agisca come un attore nella vita di ogni giorno. Da questa idea è nato Scene, progetto al confine tra realtà e finzione in cui ritrae le persone nel loro ambiente, drammatizzando la quotidianità. Ogni immagine finisce così per assomigliare alla scena di un film in cui i protagonisti, recitando, esprimono la propria personalità e anche nelle situazioni più tragiche mettono in mostra la forza dello spirito umano. Membro dal 1996 di Magnum Photos, Majoli ha pubblicato i volumi Leros (1999), One Vote (2004), Libera me (2010), Congo (2015), Andante (2018), Scene (2019) e Opera aperta (2021) ed è presente con le sue opere in numerose collezioni (Museum of Fine Art of Huston, Nelson-Atkins Museum of Art, ICP, Marguilles Warehouse, Snite Museum of Art, MUFOCO, Mucem). È stato inoltre destinatario di importanti borse di studio (Eugene Smith, Guggenheim, Getty) e di premi come l’Infinity Award, il Photographer of the Year della NPPA e il Feature Photography Award dell’Overseas Press Club of America. È rappresentato dalla Howard Greenberg Gallery di New York, città in cui vive.
Dal 2022 è direttore artistico del SI FEST di Savignano sul Rubicone.

***Daniele Casadio Trovare informazioni su di lui è quasi impossibile. Schivo e schietto, Casadio è l’essenziale: dall’immagine si aspetta sorpresa e stupore. Nato a Ravenna nel 1957, entra nel mondo della fotografia giovanissimo a fianco di Ettore Malanca. Divenuto a sua volta maestro, annovera tra i suoi allievi il grande Alex Maioli. Fotografo di posa e non solo, Daniele Casadio è ritrattista innovativo, stampatore e anche filosofo di vita.

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Le guerre sono tutte uguali: morti, feriti, case che crollano, città distrutte con ammassi di cemento impolverati dai detriti, bambini feriti, madri che piangono, gente che si muove per salvare, trovare aiuti, scappare, pregare. Le immagini delle guerre sono tutte uguali poiché le guerre sono tutte uguali.

Eguali sono anche le critiche al Festival del fotogiornalismo di Perpignan: “sempre le stesse immagini, sempre tutto uguale”. Quest’anno poi! Addirittura tre premi sono stati assegnati a fotografi di Gaza che hanno documentato la guerra in Palestina. Un caso, come si dice, politico. 

Sempre uguale, tutto che si ripete. Si alza allora un urlo di rabbia, di protesta: il mio urlo!

Forse tre premi sono pochi per una guerra, per le guerre. Ne avremmo bisogno di più. Per capire. Per indignarci. Per fare. I fotografi sono lì a testimoniare, a riprendere, documentare l’orrore, la tragedia che sta avvenendo. Rischiano la vita, fanno vedere a noi che siamo qui lontano dalla guerra l’orrore, la tragedia. È sempre uguale? Non è quello che conta Interessa che il mondo sappia che in questo momento da qualche parte a causa di una guerra le persone, i bambini, gli uomini, i giornalisti, i fotografi, le mamme, le nonne, i medici muoiono! Muoiono! E noi abbiamo il diritto di saperlo. E se una guerra per ragioni complesse diventa l’emblema di una strage a cielo aperto è obbligatorio saperlo.

Non mi importa se tutto è uguale, se i critici cercano le immagini, il linguaggio più artistico, meno artistico, più spettacolare, meno spettacolare. Riusciamo a capire il senso? Il punto è che Visa pour l’Image esiste e lavora per farci arrivare lì e per premiare le immagini che non vorremmo vedere, che non vorremmo sentire. Ben tre premi Visa d’or sono stati assegnati a fotografi palestinesi della Striscia di Gaza. Per chi usa il bilancino, una immagine di qua e una di là, questo e quello, il sette ottobre e il dopo sette ottobre, non va bene. È schierarsi, è politica.

Apriamo bene gli occhi: se l’orrore è sempre uguale non dobbiamo abituarci a questo orrore. Dobbiamo guardare ogni dettaglio, soffermarci su ogni lacrima e pensare che forse non ne abbiamo viste ancora a sufficienza di fotografie per indignarci, per provare ogni volta compassione, per essere rattristati di appartenere a questa triste umanità. Guardiamo. E basta.

Quest’anno il conflitto israelo-palestinese incendia il festival di fotogiornalismo di Perpignan: verrebbe da dire, inevitabile, giusto che ciò accada. Alcuni fatti inediti: una manifestazione pro-palestinese per le strade di Perpignan e un sindaco, Louis Aliot del Front Nationale, assente alla cerimonia di premiazione – durante la serata al Campo Santo (la piazza dell’anfiteatro si chiama così) straripante di persone – per la cerimonia di consegna del premio al giovane Loay Ayyoub, esposto al Convent des Minimes con il lavoro svolto per il Washington Post: La tragedia di Gaza.

Louis Aliot – che già in apertura aveva avuto uno scambio con il direttore Leroy – ha attaccato Visa pour l’image per la mancanza di “equilibrio” e per l’assenza di una mostra parallela dedicata ai massacri del 7 ottobre 2023. Su France Bleu ha accusato il fotografo di essere vicino ad Hamas, criticandolo per criticandolo per aver definito l’organizzazione jihadista sui suoi social network come “la resistenza palestinese”.

Gli altri due premi sono andati a Samar Abu Elouf, donna che collabora con il New York Times, vincitrice del premio Sipa per la stampa quotidiana e a Mahmud Hams, collaboratore di Agence France-Presse (AFP), con il premio più alto, il Visa d’Or News, nella serata finale di sabato 7 settembre.  Immagini che mostrano la tragica realtà della popolazione di Gaza: intere famiglie uccise, sepolte dalle bombe, sfollamenti forzati, tentativi disperati di portare, trovare cibo, acqua, cercare un nuovo riparo, ospitare feriti, curare se stessi. Secondo i dati del Ministero della Sanità di Hamas, il conflitto ha causato più di 40.000 vittime, la maggior parte delle quali civili.

Può essere neutra la fotografia in una guerra così totale e disumana? Una par condicio che allinei in campo neutro le posizioni dei contendenti: i palestinesi da una parte e Israele dall’altra. Sarebbe corretto dal punto di vista politico, sarebbe leale verso i morti, si dice. Spesso però la fotografia non può essere neutrale Il fotografo deve scegliere da che parte stare, decidere cosa vuole fotografare. In questo caso i fotografi non hanno potuto scegliere di riprendere ciò che sta avvenendo a Gaza perché l’esercito israeliano ha impedito fin dal primo giorno l’ingresso alla stampa nella striscia. I fotografi palestinesi, non hanno scelto nulla, erano lì erano parte della guerra come vittime tanto è vero che molti sono stati uccisi nei bombardamenti. Potevano nascondersi, cercare di fuggire. Sono rimasti. Hanno lavorato. Hanno fissato la realtà come documento, come storia come atto di accusa. Questo da loro il diritto di essere premiati. Manca l’equilibrio, si strilla. L’equilibrio di cosa? Quando la quantità dei morti travolge perfino la nostra indifferenza allora è possibile che la tragedia aiuti a mettere a fuoco l’insensatezza della guerra. Guardiamo alcune immagini dei vincitori e osserviamo attentamente la sofferenza, la tortura di queste vite. Le dobbiamo conoscere! Chi non vuole venire a Perpignan non venga, non legga le notizie delle guerre nel mondo, delle sofferenze, del dolore degli altri.

Allora non è più una questione di neutralità ma di indifferenza. Qui i fotografi hanno esplorato la disgrazia non la grazia, l’incontro fatale e non il felice incontro, l’odio non la comunione. Visa pour l’image è il contrario della graziosa scuola francese del reportage poetico-lirico, tutto preso a captare storie di simpatia o di armonia. È l’anti Doisneau. Perchè è la fotografia di questi tempi è intrisa di sangue e di ferro.

Dal sito di Visa Pour l’Image

Loay e i suoi colleghi hanno trascorso settimane ad accorrere nei luoghi colpiti dagli attacchi aerei, scalando montagne di detriti mentre i soccorritori cercavano i sopravvissuti e i corpi delle vittime, molti dei quali bambini. Hanno documentato il caos fuori dagli ospedali di Gaza, dove madri e padri, zie e zii, fratelli e sorelle e altri parenti che portavano in braccio i loro cari venivano a cercare aiuto da infermieri e medici esausti che avevano esaurito le risorse.

Mentre Israele estendeva la sua campagna militare a Gaza, Loay non ha avuto altra scelta che unirsi alle masse di rifugiati costretti a fuggire dai combattimenti a Khan Younès e a recarsi a Rafah, dove oltre 1,5 milioni di persone erano stipate in campi profughi in una città grande come Perpignan (solo 120.000 abitanti). Israele ha continuato a limitare gli aiuti alla Striscia di Gaza e il Programma Alimentare Mondiale ha stimato che due terzi dei gazesi stavano soffrendo una “vera carestia” e che centinaia di migliaia di bambini soffrivano di malnutrizione e disidratazione. Quando la situazione della sicurezza non ha più permesso a Loay di svolgere il suo lavoro di giornalista, ha potuto lasciare Gaza ed entrare in Egitto alla fine di febbraio 2024. Dal 7 ottobre 2023, più di cento giornalisti sono stati uccisi a Gaza. Loay Ayyoub ha trovato rifugio in Egitto e, mentre il suo lavoro di documentazione del conflitto a Gaza e delle sue ripercussioni si è concluso, la situazione a Rafah e in tutta la Striscia di Gaza è solo peggiorata.

“Mostrare la crisi umanitaria della popolazione civile di Gaza e testimoniare le loro difficoltà di accesso all’assistenza sanitaria e alla protezione è stato il mio obiettivo quotidiano e il mio dovere di fotografo”. Loay Ayyoub

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Sarà nel cuore pulsante del Salento, a Patù, in provincia di Lecce, che il cinema, il fotogiornalismo, l’arte e la musica diventeranno ambasciatori di pace e di unione per tre giorni. Dal 28 al 30 agosto si terrà infatti la prima edizione di TERRAE: International Film Festival. Ecco il programma

Un evento imperdibile che celebra il connubio tra le varie discipline con una programmazione ricca, per tre giorni di emozioni e scoperte culturali tra le piccole stradine del borgo. L’obiettivo è quello di far convergere in un unico contenitore culturale tante piccole storie locali dal forte impatto globale. 

Proiezioni di film internazionali

Il festival presenterà una selezione di film internazionali presentati nelle rassegne più prestigiose, da Cannes a Toronto, mettendo in luce opere di registi emergenti e affermati in tutto il mondo. Ogni proiezione sarà un viaggio cinematografico che esplorerà diverse culture, tematiche sociali e artistiche, offrendo al pubblico un’esperienza unica e coinvolgente. Il festival verte infatti su una serie di tematiche globali che spaziano dall’ambiente e alla crisi climatica fino alla tutela dei diritti umani in ogni forma. 

Mostre di fotogiornalismo

In parallelo alle proiezioni, saranno allestite mostre dal mondo del fotogiornalismo che porteranno i visitatori in un percorso visivo attraverso storie dal forte impatto emotivo e che documentano la realtà nelle zone più critiche del pianeta, dall’Africa fino in Amazzonia.  Queste esposizioni offriranno uno sguardo profondo e autentico su temi attuali, immortalati dagli scatti di Marco Gualazzini, vincitore del World Press Photo 2019, attraverso il progetto Resilient, e Daniele Cagnazzo, fotogiornalista di Patù con il suo lavoro in Amazzonia. 

Installazioni artistiche

Gli spazi di Patù si trasformeranno in una galleria a cielo aperto grazie alle installazioni artistiche presenti durante il festival. Opere contemporanee interagiranno con l’architettura storica del luogo, creando un dialogo affascinante tra passato e presente, tradizione e innovazione. 

Dopo Festival – Live Music

Infine, le serate del Terrae Film Festival saranno animate da performance di musica live, che vedranno esibirsi artisti e band provenienti da diversi generi musicali. Questo mix di sonorità renderà ogni serata unica, creando un’atmosfera festosa e coinvolgente per tutti i partecipanti in quello che è già stato definito “il dopofestival”. 

Per saperne di più e scoprire il programma del festival, è possibile visitare i canali social ufficiali (IG @terraefilmfest – FB Terrae – international film festival). Il Festival è completamente gratuito e non prevede ticket d’ingresso.

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L’Inghilterra degli anni Settanta, il fumo di sigaretta nei locali dove si suona musica dal vivo; le sanguinose imboscate ai soldati dell’Armata rossa in Afghanistan al principio degli anni Ottanta; la Napoli criminale, il Libano della guerra civile, ma anche il Made in Italy, le tradizioni, l’Italia meno conosciuta. E poi gli assedi israeliani nella Striscia di Gaza; l’avanzata americana nel Kuwait invaso dalle truppe di Saddam Hussein; l’orrore nei Balcani dilaniati a metà anni Novanta. Una carriera poliedrica e ricca di avventura quella di Francesco Cito, napoletano classe 1949, fotografo insignito di alcuni tra i più importanti premi del settore, come il World Press Photo nel 1996 per le foto scattate durante il Palio di Siena. Una carriera che in quasi mezzo secolo è riuscita a toccare ambiti e situazioni apparentemente molto distanti tra loro, ma accomunate dall’essere state immortalate dal suo obiettivo.

Cito è uno dei protagonisti della settima edizione del Brescia Photo Festival, rassegna promossa da Comune di Brescia e Fondazione Brescia Musei, in collaborazione con il Ma.Co.f – Centro della Fotografia Italiana, con la curatela artistica di Renato Corsini, che da marzo porta nei luoghi espositivi più prestigiosi della città e della provincia un programma articolato di mostre con alcuni dei nomi più importanti e celebrati della fotografia italiana contemporanea.

Il titolo scelto per questa settima edizione è Testimoni, un termine che sottolinea la capacità dei fotografi di documentare il presente favorendo la lettura della storia attraverso il racconto che ne fanno le immagini. E con la sua mostra intitolata “Archive in progress – Editi e Inediti”, Francesco Cito dimostra di saper affrontare i temi sociali con la lucida consapevolezza di essere “testimone” di frammenti di Storia.

Una mostra che si prefigge di compiere vere e proprie incursioni nel lavoro di Cito, osservando dall’interno la cifra del suo pensiero creativo e offrendo ai visitatori la straordinaria opportunità di scoprirne l’evolversi.

In esposizione dal 18 maggio scorso al prossimo 30 settembre, la mostra si divide in due momenti: una prima parte affronta i reportage su temi di grande attualità, anche se esplorati negli anni ’80 e ’90: Palestina, coloni israeliani, Islam e Russia;

la seconda parte, che sarà inaugurata a fine luglio, approfondirà il lavoro del fotografo su suolo nazionale, dai vigneti della Franciacorta ai vicoli di Napoli. La raccolta comprende circa 150 fotografie in bianco e nero, tra editi e inediti, di grande e medio formato.

L’archivio che da il titolo alla mostra è quello costruito in anni di lavoro, una straordinaria cassaforte di emozioni, esperienze, incontri, storie. Fotografie pubblicate perché necessarie, altre rimaste nel cassetto. In ogni caso, preziose testimonianze di un modo di fare fotografia in modo impegnato.

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Smart tv, frigoriferi, cellulari, forni a microonde, lavatrici, consolle. Quanti sono gli oggetti elettronici – smart o meno non fa differenza – che ci circondano? Se ci guardiamo intorno ne conteremmo senz’altro qualcuno. Ci accompagnano per periodi più o meno lunghi nella nostra quotidianità, poi, quando si rompono o non ci servono più, ce ne liberiamo. Ma ci siamo mai chiesti dove vadano a finire i loro giorni terreni nella forma in cui li abbiamo conosciuti? Dev’essere partito da questa domanda il fotografo Valentino Bellini, uno dei protagonisti del Festival internazionale di Fotogiornalismo che si sta tenendo a Padova, dove il suo progetto “BIT ROT Project” è in mostra presso Palazzo Moroni.

Il percorso dei rifiuti elettronici

Bit Rot è un termine colloquiale utilizzato nell’ambiente dei sistemi informativi computerizzati per indicare il progressivo decadimento nel corso del tempo dei dati archiviati su supporti di memorizzazione o software. In questo caso, il concetto viene trasposto da una realtà virtuale, fatta di bit e software, a una materiale, fatta di persone, cose e luoghi reali. Ed è proprio quest’ultima realtà l’oggetto di ricerca di BIT ROT Project. Attraverso la documentazione fotografica, il progetto segue i movimenti internazionali dei rifiuti elettronici, fornendo prove del commercio e smaltimento illegale, e racconta le storie di coloro che sono coinvolti, ma sottolinea anche alternative sostenibili che in molti paesi sono già state adottate.

Il lato oscuro del consumismo

Con questo lavoro, che Bellini porta avanti ormai da diversi anni, ci troviamo di fronte al lato oscuro del nostro stile di vita. Perché se è vero che la maggior parte degli oggetti elettronici viene prodotta in occidente, è altrettanto vero che, la maggior parte delle volte, questi prodotti, in forma di rifiuto, finiscono nelle aree più povere del mondo, dove uomini, donne, ma anche, anzi soprattutto, bambini smontano le componenti per poi rivenderle.

I rifiuti elettronici, chiamati anche e-waste, crescono più rapidamente di qualsiasi altro tipo di rifiuto, con un volume annuo compreso tra 40 e 50 tonnellate. Secondo un report del Parlamento europeo aggiornato a marzo 2024, che calcola il volume di rifiuti elettronici, anche chiamati RAEE, raccolti per ogni singolo abitante in chilogrammi, l’Italia si pone nella fascia più bassa, con un volume di 8.500 chili. Il paese che invece consuma più RAEE è l’Austria, con oltre 15 mila chili ad abitante.

Secondo il report, la quantità di  apparecchiature elettriche ed elettroniche immesse sul mercato nell’UE è aumentata da 7,6 milioni di tonnellate nel 2012 a 13,5 milioni di tonnellate nel 2021. Mentre il totale di apparecchiature elettriche ed elettroniche raccolte è salita da 3,0 milioni di tonnellate nel 2012 a 4,9 milioni di tonnellate nel 2021.

Un mercato ghiotto per la criminalità

I RAEE, inoltre, sono rifiuti pericolosi, contenenti molte sostanze pericolose per l’ambiente e per la salute. Smaltirli in modo sostenibili è difficile e i costi sono elevati, per questo si cerca molto spesso di aggirare l’ostacolo, spedendoli, la maggior parte delle volte in modo illegale, verso paesi africani, in India, Bangladesh e altri luoghi dove la manodopera è quasi gratis e i diritti umani sono un miraggio.

Le organizzazioni criminali sfruttano ovviamente il business, avvalendosi solitamente di navi cargo stipate di rifiuti che, come spesso accade, rischiano di inabissarsi generando veri e propri disastri ambientali di cui a volte non resta traccia. Tutto questo viene documentato nel progetto di Valentino Bellini, che venerdì 31 maggio, alle 18, terrà un talk nella Cattedrale ex macello, in via A. Cornaro.

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