Hugo Pratt, nome d’arte di Ugo Eugenio Prat (1927-1995) è senza dubbio tra le maggiori icone del fumetto non solo in Italia, ma a livello globale. Viaggiatore instancabile, lettore vorace, narratore colto e irregolare, ha attraversato il Novecento riversando sulla carta le sue tante contraddizioni, gli eventi epocali, i suoi eroi e gli antieroi.

Le storie e i fumetti di Pratt sono popolate da avventurieri, soldati disillusi, donne enigmatiche e viandanti senza patria, in un universo narrativo dove il fumetto si è via via affermato sempre più come una nuova forma di letteratura disegnata, delineando uno spazio di libertà in grado di trasformare il tempo storico in immagine. A partire da questo immaginario nella seconda metà degli anni Sessanta è nato anche il personaggio più emblematico in assoluto di Pratt: Corto Maltese.

Un marinaio senza bandiera dallo sguardo vispo e ironico che attraversando mari e rivoluzioni, osserva il mondo senza mai immergervisi e appartenervi del tutto. La sua prima apparizione nel 1967 avvenne tra le pagine di Una ballata del mare salato, un racconto d’avventura pubblicato a episodi, dove i grandi romanzi di autori come Conrad, Melville, Lewis, ma anche Dumas, riecheggiano nelle peripezie di Corto Maltese legato su una zattera che va alla deriva.

Non a caso la prima copertina di Corto Maltese è considerata oggi non solo come un’opera d’arte, ma come un vero e proprio atto fondativo nella storia del fumetto. Corto, legato a una zattera, sospeso tra mare e cielo, entra in scena come una visione, prima ancora che come un eroe, creando un universo poetico che contiene tutto: avventura, ironia, malinconia e senso del destino.

A distanza di quasi sessant’anni quella primissima copertina continua a esercitare una forza magnetica rara, capace di parlare tanto agli appassionati di fumetto quanto ai collezionisti d’arte. Non sorprende quindi che venga oggi presentata come uno dei pezzi più significativi in ambito collezionistico legati all’opera di Hugo Pratt: non solo un documento storico, ma un’opera in grado di ridefinire il linguaggio del fumetto europeo, avvicinando definitivamente la letteratura alle arti visive.

L’occasione per rivederla dal vivo è offerta dall’asta di Finarte del prossimo 18 dicembre, dove la prima copertina di Una ballata del mare salato sarà esposta e proposta al pubblico a partire dalle ore 10.00, dove oltre ad Hugo Pratt, saranno presenti anche oltre 250 opere dei grandi maestri del fumetto del Novecento, tra cui Milo Manara, Guido Crepax, Sergio Zaniboni, Paolo Eleuteri Serpieri, Nick Guerra, Lucio Perrillo, Birago Balzano e molti altri. Un appuntamento che unisce arte e memoria, ponendo al centro una domanda sempre attuale: quando nasce davvero un mito? Forse proprio in quell’istante sospeso, quando un personaggio appare per la prima volta e sembra già destinato a non invecchiare mai.

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“Le bare, invece di essere distrutte dopo le procedure di esumazione delle salme, come vuole la procedura, venivano smontate e finivano nei forni a legna delle pizzerie della zona: girava anche voce che le pizze venissero più buone così“.
Prima di spiegarvi questa frase che ha un sapore gore, lasciatemi fare una premessa. Dovessi consigliare un solo posto da vedere al turista di passaggio a Napoli – lo dico da anni senza esagerare – è il suo cimitero. Non capita spesso di trovarsi di fronte a un luogo tanto caotico quanto risparmiato dalla gentrificazione di quello stesso caos. Il Cimitero monumentale di Poggioreale dovrebbe essere una specie di Père Lachaise napoletano: un museo a cielo aperto, pieno di cappelle ottocentesche, statue, iscrizioni memorabile, il Quadrilatero degli uomini illustri con Croce, De Sanctis, Gemito, Totò, Caruso. Un luogo in cui la città onora i suoi morti più celebri e racconta la propria storia.

E invece, Poggioreale ha conquistato le cronache fuori dai confini campani per una scena che sembra uscita da un film dell’orrore: file di loculi sventrati, casse di legno che sporgono nel vuoto, resti umani visibili a occhio nudo. È successo più volte, a partire dalla notte tra il 4 e il 5 gennaio 2022, quando due grandi congreghe sono crollate nella parte più antica del cimitero. Il Comune chiuse il cimitero, la procura aprì un’indagine, l’area fu sequestrata.

Quando, dopo nove mesi, Poggioreale riaprì parzialmente al pubblico, il sollievo durò poco: a ottobre 2022 un altro colombaio di quattro piani, vicino al nuovo crematorio, crollò lasciando di nuovo una decina di bare in bilico nel vuoto. Per giorni le famiglie dei defunti hanno guardato le operazioni di recupero con il binocolo, senza sapere se e quando i resti dei propri parenti sarebbero stati identificati. 

L’idea che ci si fa di Poggioreale leggendo le cronache è quella di un luogo fatiscente e pericoloso. Ma questo cimitero, progettato dai razionalismi dell’età napoleonica, poi inaugurato nel 1837 in piena Restaurazione e subito straboccante di salme oltre ogni capienza consentita, è anche un immenso labirinto, che si estende su una collina splendida dalla quale si vede il Vesuvio, il porto e la zona industriale.

È diviso in più sezioni: il Monumentale, il Cimitero della Pietà – nato per le classi meno abbienti – e il Cimitero Nuovissimo, costruito negli anni Trenta del Novecento e oggi usato soprattutto per le sepolture più recenti. L’ingresso del Monumentale è un piccolo tempio neoclassico con colonne doriche coperte dalla muffa: risalendo dalle viuzze ristrette laterali, un’impresa per gli anziani – il viale principale è chiuso per lavori -, ci si imbatte immediatamente in estranei che ti sussurrano gli incredibili accadimenti del luogo: a volte freschi di giornata, a volte risalenti a molti anni prima, ma trascinati dal passaparola nel tempo presente, in versioni sempre nuove e talvolta incongrui.

Così si viene a sapere di fiorai che s’improvvisano custodi del cimitero, con i veri custodi che firmano le presenze, ma non ci sono, e poi dell’immancabile aggiornamento sui marmi spaccati e trafugati, sulle cappelle saccheggiate per qualche targa in rame. A volte nel cimitero di Poggioreale scorrazzano motorini: in due e tre senza casco, entrati non si sa come. Ci sono addirittura auto parcheggiate in doppia fila. “A Napoli ‘o muort nun more mai…”, sospira qualcuno.

Una signora, tempo fa, si lamentò di una statua dedicata a un calciatore morto negli anni Trenta derubata della palla in ferro che giaceva ai suoi piedi, sostituita con un SuperSantos che marcì poco dopo. Per i vicoli del cimitero si insinuano impresari delle pompe funebri, spesso giovanotti dai modi cortesi appesantiti dalle beghe burocratiche e dalle liti con i familiari di fronte ai loculi. Nel tempo Poggioreale è anche diventato terreno di gioco per la criminalità organizzata: la camorra ha occupato loculi e cappelle, ha gestito in modo informale compravendite di tombe, e in alcuni casi vi ha nascosto armi.

La storia delle bare, quella che vi raccontavo all’inizio, si tramanda di generazione in generazione, pare suffragata da diverse indagini della Procura. E intanto, per chi pratica il cosiddetto “necroturismo”, ovvero la visita dei cimiteri come luoghi d’arte, insieme alle catacombe e al cimitero delle Fontanelle, Poggioreale è una tappa memorabile: una città nella città con viali, piazze, passaggi sotterranei, cunicoli che si diramano per chilometri, con un piccolo esercito di lavoratori ufficiali e informali che si muove nelle sue viscere, in un ecosistema che sembra uscito da un altro tempo. Non è raro che i visitatori si perdano davvero, tra cappelle disegnate nello stile più disparato, dal neogotico al neoclassico, dal liberty al neo-egizio kitsch.

Nel cuore di una piazzetta, oggi, c’è perfino un’area di stoccaggio temporaneo che ospita bare contenenti resti scheletrici recuperati dopo il crollo, due anni fa, di alcuni columbari a più piani. Una scena surreale, che racconta meglio di qualunque discorso lo stato di abbandono della zona.

Il cimitero monumentale appartiene al Comune di Napoli, che è responsabile della manutenzione generale, ma molte delle congreghe e dei columbari sono proprietà di confraternite religiose, come l’Arciconfraternita del SS. Rosario, o di soggetti privati. È una gestione a più mani che rende difficile stabilire responsabilità chiare su controlli, restauri e lavori strutturali.

I crolli hanno mostrato anche un’altra zona grigia: quella delle grandi opere infrastrutturali. Secondo le prime ricostruzioni della procura, il cedimento del 2022 sarebbe collegato allo scavo del tunnel della metropolitana sotto il cimitero.

Poggioreale è lo specchio di una Regione dalla capacità amministrativa ormai assottigliata: tombe svuotate e rivendute illegalmente, marmi trafugati, lavori improvvisati che diventano norma. Eppure, paradossalmente, proprio questa anarchia lo rende uno degli ultimi luoghi non turistificati e ancora autentici di Napoli. Un labirinto decadente dove, e non è una réclame da guida Lonely Planet, vale la pena perdersi davvero.

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Milano torna ad essere palcoscenico dell’eleganza e della creatività: il 22 settembre, nella sede di Finarte in via dei Bossi 2, andrà in scena un’asta che celebra il genio visionario di Cleto Munari. Designer poliedrico e instancabile sperimentatore, Munari ha saputo trasformare il gioiello in una creazione artistica, capace di intrecciare architettura, design e poesia.

Il catalogo, curato da Clara Arata e Filippo Maria Fiorini Rogai, raccoglie oltre cento lotti tra anelli, collane, bracciali ed earcuff, ciascuno concepito come una vera e propria opera d’arte in miniatura da indossare. Creazioni audaci e ironiche, nate negli anni Ottanta dalla collaborazione con grandi protagonisti del Novecento come Ettore Sottsass, Sandro Chia, Mimmo Paladino, Enzo Cucchi, Gio Ponti, Vico Magistretti e Achille Castiglioni.

Tra i pezzi più iconici spiccano l’Anello Pantheon, in oro e argento, che reinterpreta la maestosità dell’architettura classica; l’Anello Metafisico n.1, con la sua scacchiera sospesa tra onice e pasta di corallo; l’Anello Amore, in argento dorato, che compone la parola più universale con lettere di legno. Accanto a loro, la serie Fantasmini di Sandro Chia, capace di unire leggerezza e ironia, e il pendente Katherine di Tao Ho, piccola scultura moderna, dal segno grafico inconfondibile.

Un invito a riscoprire il valore simbolico e culturale del gioiello: appuntamento per il 22 settembre

L’asta diventa così un viaggio attraverso linguaggi e stili differenti, in cui ogni gioiello è un frammento di storia del design contemporaneo. Non è un caso che molte creazioni di Munari siano custodite nelle collezioni permanenti del MoMA e del Metropolitan Museum of Art di New York: opere che trascendono la funzione ornamentale per trasformarsi in segni di identità e libertà espressiva.

Per i collezionisti e gli appassionati, sarà l’occasione di aggiudicarsi pezzi irripetibili, a metà tra arte e design. Prima della vendita, prevista per lunedì 22 settembre alle ore 16.00, i gioielli saranno esposti dal 15 al 19 settembre nella sede milanese di Finarte, con orario continuato dalle 9 alle 13 e dalle 14 alle 19. Più che un’asta, un invito a riscoprire il valore simbolico e culturale del gioiello: piccole architetture da indossare, nate dalla visione di un artista che ha saputo fare della materia un racconto, e del design un atto poetico.

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L’estate, e in particolar modo il mese di agosto, è quel breve periodo dell’anno in cui le città sembrano spegnersi gradualmente: tutto rallenta, quasi fino ad arrestarsi, in una sorta di lenta modalità “a risparmio energetico”, perché la maggior parte delle persone migrano per raggiungere le destinazioni preferite delle vacanze. Che si tratti di passare l’estate nella quiete della città semi deserta, sotto l’ombrellone di un torrido lido mediterraneo, alle fresche pendici di una montagna o in una destinazione esotica, quale miglior momento per prendersi del tempo per sé e leggere?

L’occasione perfetta per recuperare quel romanzo che volevamo leggere da tanto tempo, ma durante l’anno non siamo mai riusciti; per approfondire un tema importante di cui sappiamo ancora troppo poco o, perché no, rileggere il nostro autore preferito. Ecco allora una piccola selezione di consigli di lettura, tra classici e contemporanei, nuove uscite e autori intramontabili e soprattutto, una prospettiva possibile per cercare di dare un senso ad alcune dinamiche difficili del passato e del futuro, partendo dal nostro presente.

Foa e Albanese, letture dolorose ma necessarie

Non è per niente facile trovare un modo per raccontare quello che sta accadendo in Palestina, e in particolar modo a Gaza, anche in questo momento. Non è per niente facile, del resto, accettare che sotto ai nostri occhi, anche per quelli che non lo vogliono vedere, sia in atto uno dei crimini più feroci della nostra storia recente: il genocidio della popolazione palestinese, perpetrato dalle forze armate israeliane.  Un tema difficile e doloroso, che tra tanti autori e autrici, studiosi e storici, in Italia è stato ben documentato da due donne: Anna Foa, scrittrice e storica di origine ebraica, vincitrice del Premio Strega saggistica 2025 con Il suicidio di Israele (Laterza) e Francesca Albanese, giurista, studiosa, relatrice speciale delle Nazioni Unite sulla situazione dei diritti umani nel territorio palestinese occupato con Quando il mondo dorme (Rizzoli).

Due letture complesse ma proprio per questo necessarie, al fine di comprendere le ragioni storiche dietro alle tante e assurde dinamiche quotidiane, le privazioni e le occupazioni a cui è sottoposta la popolazione palestinese, a partire non dal 7 ottobre 2023, ma già dal secolo scorso, ovvero dalla creazione di Israele e dalle frizioni della prima guerra arabo-israeliana.

Anna Foa, che su queste pagine abbiamo anche intervistato, con Il suicidio di Israele ripercorre la storia dello Stato Ebraico e i drammatici passi e deviazioni che hanno portato allo strappo di oggi, in cui è sempre più difficile immaginare una soluzione pacifica, senza sradicare quel seme di odio piantato già dalla costituzione di Israele e da alcuni dei fondatori del pensiero sionista. Francesca Albanese, invece, in Quando il mondo dorme racconta la difficoltà della vita in Palestina, a partire dalla sua esperienza come relatrice speciale in contatto con decine di sfollati, madri, bambini, ma anche artisti e giornalisti, con le loro drammatiche storie che testimoniano quel che sta accadendo in Medio Oriente.

“È quando il mondo dorme che si generano i mostri. Di mostri ne abbiamo già parecchi, tra noi. Prima di tutto, la nostra indifferenza.” Quando il mondo dorme (Rizzoli), Francesca Albanese

Kurkov: nonostante la guerra, la vita può ricominciare

Andrei Kurkov è considerato, a pieno titolo, uno dei più brillanti autori ucraini contemporanei. Tra i suoi numerosi scritti sul dramma della guerra in Ucraina, un romanzo in particolare spicca sopra agli altri, per l’incredibile capacità di raccontare un evento tanto drammatico con una narrazione sorprendentemente delicata e toccante. Api grigie (Keller) è un romanzo duro, ma allo stesso tempo meravigliosamente dolce; malinconico ma anche in grado di ridare speranza, addolcendo la sensazione quotidiana, rumorosa e persistente, della guerra in Ucraina al suo confine più orientale. I boati che rimbombano, i vetri rotti per le esplosioni delle granate, il dolore per i morti, i feriti, le casupole coi giardini abbandonate nei villaggi – villaggi che esistono per davvero – vengono messi a tacere, coperti, dimenticati, seppur per un istante, dal tenue ronzio delle api. I piccoli insetti simbolo della vita, nella loro operosa semplicità. Api grigie è un romanzo molto intenso che lascia una lunga scia dietro di sé: c’è ancora umanità nei terreni della “zona grigia”, quella tra l’Ucraina e i separatisti filorussi?

Leggendo Api grigie la sorpresa è duplice: da una parte si ha la sensazione di star leggendo un romanzo di altri tempi, quasi un classico, che narra di una vita lenta e dimenticata in un passato lontano, salvo poi avere un’altra impressione, quella di star leggendo invece la cronaca del conflitto attuale, che dai paragrafi dei giornali e dei report di guerra si trasferisce nel piccolo villaggio di Malaja Starogradovka, per poi andare a Melitopol’, Svetloe, Veseloe, verso ovest, fino tornare indietro a est, in un villaggio tataro della Crimea, immersi nella vita del povero apicoltore Sergej Sergeic, con la sua solitudine, le sue arnie curative, la flebile luce delle sue candele in mancanza di elettricità e l’inesorabile abbandono, alla morte, ma soprattutto alla vita.

“D’estate godeva del ronzio delle api, d’inverno del silenzio e della calma, dei campi imbiancati dalla neve e dell’immobilità del cielo grigio. Avrebbe potuto continuare così per tutta la vita, ma il destino aveva deciso diversamente. Qualcosa si era rotto nel Paese, a Kiev, dove c’era sempre una cosa o un’altra che non andava. Si era trattato di una rottura tale che il Paese intero, al pari di un vetro infranto, si era riempito di dolorose crepe da cui scorreva il sangue. Era scoppiata una guerra, il cui senso, a tre anni di distanza, restava per Sergeič ancora nebuloso.” Api Grigie (Keller) Andrei Kurkov

Miljenko Jergovic: fine di un’infanzia e di un mondo

Pubblicato per la prima volta nel 1994, Le Marlboro di Sarajevo (Bottega Errante) è il canto corale di Miljenko Jergovic, brillante autore contemporaneo bosniaco, che racconta in una maniera estremamente umana e personale uno degli eventi storici che ha cambiato per sempre, e irrimediabilmente, la storia dei Balcani: le guerre che hanno portato alla dissoluzione della Jugoslavia, nel corso degli anni Novanta. Una serie di brevi racconti che passano dai momenti spensierati di un’infanzia, la giovinezza e i suoi primi amori, ai presagi che portano alla fine di un mondo. Ogni ricordo cerca di dare un senso a quel gioioso passato, che si è scontrato con la brutale insensatezza della guerra, modificando per sempre il destino di migliaia di persone.

“Pensavo a un miracolo guardando la mia casa e la mia macchina illese dopo quel giorno e quella notte allucinanti. Ma col tempo capii che in realtà nulla era salvo, semplicemente non era ancora giunta l’ora del commiato. Quella sarebbe giunta piano, avrei dovuto sentirla in ogni piega per poi capire che in questa città, oltre alla gente trucidata e scannata, oltre alle case distrutte e all’infanzia dimenticata, non ci resta più niente, salvo, forse, un sacco di carne viva che si nutre del dolore per le piccole cose perdute, e che, dinanzi alle cose grandi della vita, trema, come il motore prima di spegnersi.” Le Marlboro di Sarajevo (Bottega Errante), Miljenko Jergovic

Harvey: la fascinazione per lo spazio e gli astri

Orbital (Enne Enne Editore) di Samantha Harvey è un romanzo breve, costellato però da centinaia di riferimenti storici, scientifici, letterari, che è una vera e propria carezza all’anima. Vincitore del Booker Prize 2024, cattura da subito l’attenzione per la sua cornice sci-fi: sei astronauti provenienti da America, Russia, Italia, Gran Bretagna e Giappone intraprendono un’importante missione cosmica per studiare le delicate dinamiche ed equilibri terresti da fuori, osservando la Terra da una stazione spaziale ruotante.

Tuttavia, Orbital è molto più di un semplice racconto fantascientifico, dato che via via che il viaggio attorno al “pianeta blu” prosegue, si dispiegano tante piccole storie di fragilità personali, di familiari che si trovano lontano, di vite che si spezzano, ma anche la fragilità del nostro stesso pianeta, così insignificante nella prospettiva di vita quotidiana, ma così importante quando viene invece osservato dall’esterno, testimonianza del miracolo della vita e della natura, che devono essere protette a tutti i costi. Un piccolo romanzo scritto e pensato in lingua inglese, preceduto da alcuni approfonditi studi scientifici che l’autrice ha compiuto per cercare di raccontare al meglio le reali dinamiche della vita di un cosmonauta, che nella traduzione italiana a cura di Gioia Guerzoni è reso così bene, da far dubitare che non sia stato pensato in lingua italiana, con un linguaggio che, pur restando in prosa, accarezza note intime come fosse un testo poetico. Una lettura adatta a chi vuole riscoprirsi un po’ sognatore, e per capire quanto il nostro pianeta sia fondamentale, per tutti noi.

“Nel giro di poco tempo, si fa strada in tutti loro un desiderio. È il desiderio, o meglio il bisogno (alimentato dal fervore) di proteggere questa Terra enorme e minuscola. Quest’adorabile sfera, bizzarra e miracolosa. Che data la scarsità di alternative, è inconfondibilmente casa. Un luogo senza limiti, un gioiello sospeso, così sorprendentemente luminoso. Non potremmo vivere in pace gli uni con gli altri? E con la Terra? Non è un desiderio ardente, ma una supplica disperata. Non possiamo smettere di tiranneggiare, distruggere, saccheggiare e sperperare quest’unica cosa da cui dipende la nostra vita?” Orbitai (Enne Enne Editore), Samantha Harvey

Nori: la bellezza della lingua e della poesia

Di Chiudo la porta e urlo (Mondadori) si è parlato molto negli ultimi mesi, anche dato che si è classificato al quarto posto del Premio Strega 2025. Un libro che è in primis una dedica alla poesia di Raffaello Baldini, che riesce però a essere molto più di una semplice biografia letteraria, trasformandosi in un divertente e malinconico inno alla Letteratura, nel senso più ampio del termine, creando una serie di inedite connessioni tra Milano, Parma e Sant’Arcangelo di Romagna, con San Pietroburgo e le grandi voci della letteratura russa a cui Paolo Nori ci ha ormai abituati da tempo. Così oltre alla poesia in dialetto di Baldini, riecheggiano anche Dante, Manzoni, ma anche l’Achmatova e persino l’amorevole njanja di Aleksandr Puskin, una semplice serva della gleba che gli ha insegnato un po’ di quella magica lingua che ha reso grande la letteratura russa nel mondo. Il tutto alternato a frammenti di vita intima di Paolo, come l’amata casa d’infanzia dei Nori che è come “una scatola di bottoni”, e l’affetto per la nonna Carmela il cui dialetto diventa un linguaggio universale che fa da filo conduttore per riuscire a comprendere i libri, la vita, il mondo.

“Ero disperato, ero così messo male, ero così con le spalle al muro che ho trovato il coraggio di provare a vedere se riuscivo a far diventare la mia passione, la letteratura, il mio mestiere.” Chiudo la porta e urlo (Mondadori), Paolo Nori

Gospodinov: fare i conti con la perdita di un padre

Tra le voci del panorama letterario est europeo, Georgi Gospodinov è senz’altro tra gli autori più peculiari e interessanti, e tra i pochissimi autori bulgari a essere stati tradotti in Italia. Dopo i successi dei romanzi Fisica della malinconia e Cronorifugio, per cui Gospodinov si è aggiudicato il primo posto al Premio Strega europeo 2021, nel 2025 è uscito il suo ultimo romanzo: Il giardiniere e la morte (Voland). Un libro che lo stesso autore ha definito come conclusivo, e una sorta di “terzo capitolo” dei due libri precedenti, creando un’inedita trilogia che riflette diverse fasi e aspetti della vita umana: i sogni dell’infanzia di Fisica della malinconia, il ricordo del passato e lo scorrere del tempo durante la vecchiaia di Cronorifugio e la morte dell’ultimo libro.

Il giardiniere e la morte racconta in un modo sorprendentemente leggero e malinconico quanto sia difficile accettare la morte del proprio padre. Un padre amorevole, una volta forte, presente, apprensivo, che via via che la vita prosegue, si spegne nel suo profumato giardino, consumato da un male incurabile. Un romanzo insolito, duro, ma anche sorprendentemente dolce, che spazia tra il memoir, il diario con forti cenni autobiografici, sul cui sfondo, però, si sente anche riecheggiare la storia della Bulgaria, dal passato socialista di un tempo, ai giorni nostri.

“È facile ammazzare il proprio padre, ma è difficile capirlo.” Il giardiniere e la morte (Voland), Georgi Gospodinov

Recuperare i classici, da Dostoevskij a Dovlatov

Nel bene e nel male, negli ultimi anni la fascinazione per l’est è aumentata notevolmente, complici anche i drammatici eventi come la guerra in Ucraina, o i tristi anniversari come il trentennale del genocidio di Srebrenica l’11 luglio 2025. Ma per fortuna, l’”Est” in senso ampio, non ha solo eventi drammatici da raccontare e tramandare, ma anche libri e storie meravigliose da (ri)scoprire. Tra i tanti classici che è possibile recuperare in vacanza, ecco allora due consigli tipicamente estivi: Le notti bianche del grande Fedor Dostoevskij e La valigia di Sergej Dovlatov.

Disponibile in moltissime edizioni differenti in lingua italiana, Le notti bianche è il è forse il più romantico e sognante tra i romanzi di Dostoevskij, che racconta la bellezza degli amori impossibili. Le notti bianche ci immerge nei bagliori estivi di San Pietroburgo, dove, lungo la Neva, la Fontanka e gli altri fiumi e canali della città, il sole non tramonta mai, nemmeno durante la notte, in una meravigliosa atmosfera dai toni rosa, viola e blu. Tra interminabili passeggiate notturne e chiacchere, il protagonista s’innamora, senza speranza, della giovane Nasten’ka, il cui cuore appartiene però a un altro.

Infine, una lettura per chi sa ridere delle proprie disgrazie: La valigia (Sellerio), di Sergej Dovlatov, brillante autore sovietico, di origine ebrea e armena, tra i più interessanti nel panorama letterario russo del secondo Novecento. Cosa metteremmo nella nostra valigia estiva, se sapessimo di non tornare mai più indietro nella nostra patria?

Se siete in partenza, o già partiti, e la valigia l’avete necessariamente con voi, avrete minuziosamente selezionato gli oggetti da portare: spazzolino e dentifricio, calzini, caricabatterie, eccetera eccetera. Ecco che il pretesto di questo libro è lo stesso: Sergej Dovlatov parte, nella finzione letteraria, ma anche nella realtà, per andare a vivere negli Stati Uniti, come tanti altri emigranti russi e sovietici. Nel suo caso non si tratta però da una fuga dalle persecuzioni e dalla censura, come fu per molti altri suoi contemporanei, ma piuttosto di una scelta maturata proprio perché era e si sentiva “diverso”. Ecco, quindi, che nei racconti de La valigia ogni oggetto ritrovato proprio sul fondo di una vecchia valigia, gli ricorda della sua così diversa vita sovietica, che lui rammenta; e noi, lettori curiosi scopriamo invece, com’era: una vita bizzarra, fatta di compromessi, ma anche di comiche assurdità, nella sua semplice e faticosa quotidianità.

“Osservai la valigia vuota. Sul fondo Marx. In cima Brodskij. E tra loro la mia unica, inestimabile, irripetibile esistenza…” La valigia (Sellerio), Sergej Dovlatov

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Mentre il massacro della popolazione palestinese ad opera delle forze armate israeliane prosegue senza sosta, dopo mesi di apparente indifferenza e di informazioni fallaci da Gaza, il mondo sta lentamente prendendo consapevolezza della gravità della situazione nella Striscia: non sono più “solo” i continui bombardamenti dell’Idf a uccidere decine di persone, ogni giorno, perfino quando si trovano in fila per le distribuzioni di aiuti alimentari, ma a Gaza si muore anche di fame e di sete, di malattie non curate, di infezioni, e a morire non sono solo i civili, ma anche moltissimi tra reporter e giornalisti.

Così nell’ultima settimana, tra tante iniziative, anche il mondo culturale – o almeno, parte di esso – ha deciso di prendere una posizione chiara e definitiva: i Massive Attack, che già in passato e più volte nel corso dei propri concerti hanno sollevato la questione del genocidio in corso a Gaza, hanno annunciato pubblicamente, attraverso alcuni post sui social, la creazione di una nuova associazione a difesa dei musicisti e degli artisti che sostengono la Palestina. Oltre alla storica band di Bristol, si sono uniti all’iniziativa anche i Fontaines D.C., i Kneecap e persino Brian Eno, creando un vero e proprio sindacato chiamato Ethical Syndicate Palestine.

Dopo il caso Bob Vylan, il mondo della musica risponde alla UK Lawyers for Israel

L’idea di questa nuova associazione è nata come risposta al progetto UK Lawyers for Israel che poche settimane fa aveva avviato una campagna mediatica denigratoria contro il duo punk Bob Vylan. I filmati del concerto di Glastonbury dei Bob Vylan avevano fatto il giro del mondo dopo che la band aveva pubblicamente insultato l’Idf e le loro azioni criminali contro la popolazione palestinese, a seguito di cui era stata accusata proprio dalla UK Lawyers for Israel association, oltre che da molti media mainstream britannici, di sostenere il terrorismo.

Tuttavia, i Bob Vylan, che hanno subito una campagna diffamatoria e un vero e proprio boicottaggio, non sono gli unici artisti ad essere stati intimidi per aver voluto sostenere pubblicamente la Palestina: un altro evento che ha fatto moltissimo discutere solo lo scorso weekend è stato lo spettacolo teatrale Il trovatore di Giuseppe Verdi, in scena alla Royal Opera House di Londra sabato 19 luglio, durante cui uno degli artisti in scena ha “osato” esibire una bandiera palestinese, al che, in risposta, il direttore del prestigioso teatro ha reagito cercando di strappare la bandiera, sotto gli occhi degli spettatori increduli e scioccati. Un evento grottesco e imbarazzante, ripreso anche da alcuni smarphone, che è diventato virale sul web.

“Basta complicità con il genocidio e l’apartheid di Israele”

Proprio per questo i Massive Attack hanno voluto dare una risposta pubblica e collettiva: “Le scene a Gaza sono andate oltre ogni descrizione. Scriviamo come artisti che hanno scelto di usare le piattaforme pubbliche per denunciare il genocidio in atto e il ruolo del governo britannico nel facilitarlo” hanno scritto in un lungo post su Instagram, chiedendo al governo britannico di “smettere di essere complice con il genocidio e l’apartheid di Israele”. Un messaggio condiviso via Instagram anche da Brian Eno.

Dopo il recente concerto “Non in mio nome” di Roma dello scorso 28 giugno, in cui Mannarino, Gemitaiz, assieme a Moni Ovadia, Sigfrido Ranucci, Rula Jebreal e molti altri musicisti, giornalisti e personaggi del mondo dello spettacolo hanno dichiarato il proprio sostegno alla Palestina in Italia, un’importante presa di coscienza e un atto di solidarietà e lotta anche a livello internazionale: la musica, l’arte e la cultura non sono indifferenti.

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Chi non conosce Spotify? L’app di streaming per musica e podcast più scaricata e utilizzata al mondo, con 678 milioni di utenti e un fatturato di oltre 15 miliardi di dollari nel solo 2024. Un’app che in pochi anni ha spazzato via la concorrenza, diventando la piattaforma di diffusione musicale principale per migliaia di artisti, cantanti e musicisti.  Cosa succede però se Spotify si trasforma – anche grazie alla musica – in un’azienda che finanzia l’industria bellica?

Alcuni giorni fa il fondatore di Spotify ha annunciato, in modo del tutto inaspettato, il suo nuovo investimento, dal valore di ben 694 milioni di dollari, in una startup che costruisce droni militari. “L’Europa deve difendersi”, ha infatti dichiarato Daniel Ek, svedese, 42 anni, che da questo momento è diventato uno dei principali azionisti dell’azienda Helsing, con sede a Monaco, una tra le più avanzate nello sviluppo della tecnologia per uso militare in tutta Europa, con una valutazione patrimoniale di 12 miliardi.

“Non in mio nome”: artisti e musicisti contro Spotify

Una notizia che ha da subito scosso il mondo della musica e soprattutto i diretti interessati: i musicisti, la cui arte, al pari di un “prodotto”, si è trasformata in uno strumento che finanzia – seppur indirettamente – le armi, che verranno vendute e utilizzate nei conflitti in corso, destinate forse all’Ucraina, o chissà, al Medio Oriente e all’arsenale israeliano. Tra i primi a ribellarsi a questa nuova scelta dell’Ad di Spotify, la band indie rock americana Deerhoof che ha annunciato che toglierà la propria musica dalla piattaforma:

“Stiamo togliendo [la musica dei] Deerhoof da Spotify. Daniel Ek usa 700$ milioni del suo patrimonio Spotify per diventare il presidente di una compagnia hi-tech militare” hanno scritto gli artisti sul loro profilo Instagram, aggiungendo “Non vogliamo che la nostra musica uccida le persone.” Una presa di posizione chiara e netta per distanziarsi dall’inusuale scelta di Daniel Ek, a cui nelle ultime ore si sono aggiunti anche diversi artisti italiani. Si sono infatti espressi in modo critico anche Piero Pelù, Auroro Borealo e Mannarino.

“Il multi-mega miliardario della Musica investirà i suoi soldi nella costruzione di droni iper tecnologici per fare la guerra e ammazzare altre persone. Lo schifo che sto avendo per certe frange del genere umano non trova mai un limite perché ogni limite viene abbattuto ogni giorno per farci cadere sempre più in basso”, ha scritto Piero Pelù sul suo profilo Instagram, in un lungo sfogo.

Mannarino, invece, ha dichiarato il proprio sdegno verso Daniel Ek durante l’esibizione sul palco di “Non in mio nome” – l’evento dedicato al sostengo della popolazione palestinese tenutosi a Roma il 28 giugno: “C’è sto capo, sto cogli*ne che ha Spotify che investirà 600 milioni in droni militari coi proventi della nostra musica (…) una negazione della coscienza umana, dell’umanità (…)”. Una situazione davvero surreale in cui, in una fase storica complessa e instabile come questa, dove parlare di armi e guerra è ormai all’ordine del giorno, anche l’arte e la musica rischiano di essere contaminate da interessi politici privati, creando uno scenario degno di una puntata di Black Mirror.

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Non era facile piacere a Goffredo Fofi. Ho ricordato più volte il nostro primo incontro, ormai quasi vent’anni fa, in una calda giornata romana. Mi accolse nella sua casa angusta e ombrosa, tra colonne di libri e un basilico sul davanzale. Dopo pochi minuti mi diede dell’egocentrico e mi apostrofò tre volte come “testa di cazzo”. Un disastro, ma anche un’iniziazione: così spesso cominciava il rapporto tra scrittori e uno dei più importanti critici italiani, odiati ma anche venerati per la loro schiettezza.

Nato nel 1937 a Gubbio, Fofi era soprattutto un’attivista. Anche quando faceva cultura “da pochi a pochi”, come amava dire lui. Fondatore di riviste, scopritore di talenti, recensore prolifico e spietato, è stato sulle palle a tantissimi intellettuali e musicisti ma anche un talent scout che sapeva fiutare i palloni gonfiati, e una figura morale che rifuggiva il potere e gli onori dei festival progressisti. Dalla Sicilia con Danilo Dolci negli anni Cinquanta agli scioperi a Torino nei Sessanta, dalla Mensa per i bambini proletari a Napoli a Linea d’Ombra, dai Quaderni piacentini a Lo Straniero, Fofi ha incarnato una “vocazione minoritaria”, sempre in opposizione alle mode culturali e al conformismo.

Eppure la sua intransigenza, la sua critica al narcisismo e alle “marchette” del sistema culturale italiano, il suo rifiuto della mediocrità non hanno mai impedito agli autori di cercare la sua benedizione. Col suo bastone e la sua lingua caustica, Fofi è rimasto per decenni un punto di riferimento: l’uomo che metteva in guardia contro la corruzione etica del centro e invitava a stare “ai margini”, dove si rischia la solitudine ma si resta liberi.

Una figura carismatica non esente da contraddizioni. Più di un collaboratore gli ha rimproverato di essere paternalista, narcisista a sua volta, e di aver spesso promosso opere mediocri per tattica o per mantenere la sua posizione di pedagogo delle minoranze. Tiziano Scarpa, che gli era legato, gli rimproverava di non farsi scrupolo a promuovere o condannare qualsiasi cosa spuntasse sotto il cielo, sulla base della sua “autorità assertiva”. Lo accusava di autoritarismo culturale. Altri hanno notato come le sue riviste, da Lo Straniero in poi, siano diventate sempre più “d’autore” e meno collettive, meno radicali e più compromesse col sistema.

Una figura divisiva

Nonostante le belle parole che lo accompagneranno da morto, Fofi resterà una figura divisiva. Per alcuni, le sue bastonate erano indispensabili per smascherare il servilismo culturale italiano. Per altri, Fofi non ha saputo aggiornare la sua critica al narcisismo alla “cultura-oppio”, continuando a recitare il ruolo del pedagogo in un’epoca in cui le riviste culturali hanno perso la loro funzione di avanguardia e si sono ridotte a clan e brand.

Non c’è dubbio che Fofi, pur avendo incarnato la lotta contro la corruzione della cultura di massa e la finta militanza, abbia finito col diventare un guardiano delle soglie che pretendeva deferenza, che giudicava e co-optava, che accusava gli altri di narcisismo senza guardare al proprio. La sua ansia di restare rilevante l’avrebbe spinto, secondo i critici, a promuovere figure discutibili, a mantenere il suo ruolo più per rappresentazione che per sostanza. Eppure, è difficile liquidarlo: pochi hanno saputo come lui creare reti, scoprire talenti, tessere comunità, anche quando queste non erano più politicamente vitali.

Forse la chiave per capire il suo attivismo sta nella sua ambiguità: un pedagogo che ha smascherato gli inganni della cultura e al tempo stesso li ha abitati; un militante che ha sfidato il sistema ma non ha mai voluto uscirne del tutto; un critico che ha dato voce a chi non l’aveva e che, per farlo, ha accettato di giocare anche lui la commedia dell’impegno. In un mondo culturale istituzionale, mainstream dove la critica negativa è pressoché scomparsa e si vive di bolle amichettiste, un personaggio così è difficile anche solo da immaginare.

Il vero dissenso, in fondo, è anche questo: godere della propria posizione minoritaria, anche quando è diventata un ruolo. E se, come scrisse una volta, “ogni 25 anni bisognerebbe cambiare nome e identità”, forse gli eredi di Fofi abitano non più il mondo delle riviste e dei giornali, ma quello di Instagram e TikTok.

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Tra la fine degli anni Trenta e l’inizio degli anni Quaranta del secolo scorso, nel cuore dell’Unione Sovietica, Michail Bulgakov scrisse uno dei più grandi capolavori della letteratura russa moderna: Il Maestro e Margherita. Un romanzo storico, satirico, politico, ma anche magico e soprattutto “la più grande storia d’amore di tutti i tempi”, come lo ha definito il professor Alessandro Barbero.

Un’opera dagli intrecci complicati, ambientato nella Mosca sovietica in pieno stalinismo, con l’imperversare della censura, ma anche inedite suggestioni epiche, bibliche e persino diaboliche dal gusto faustiano. Un libro “maledetto” che il suo autore, il grande Bulgakov, non riuscì mai a vedere pubblicato finché rimase in vita, dato che fu vittima di una pesante censura, diffuso solo in clandestinità (ovvero in samizdat letteralmente “pubblicarsi da sé”), creando un triste parallelismo tra il destino del protagonista – il Maestro – e il suo autore. Il Maestro e Margherita uscì infatti in edizione integrale in Unione Sovietica solo nel 1989, all’alba della caduta del Muro di Berlino.

Oggi il capolavoro di Bulgakov rivive sullo schermo nella nuova pellicola di Michael Lockshin. Un film ambizioso, prodotto in Russia e uscito al cinema in Italia a partire dal 19 giugno, presente in oltre 90 sale, grazie alla distribuzione di Be Water Film. La pellicola, tuttavia, sin dal suo principio, non ha avuto uno sviluppo facile, rischiando di non vedere mai la luce.

Il caso del film in Russia: fra successo e boicottaggio

Ideata a partire dal 2019, è stata completata da Michael Lockshin solo alla fine del 2023, uscendo al cinema in Russia nel gennaio del 2024. Una produzione inizialmente sovvenzionata anche da fondi pubblici russi, con un cast eccezionalmente internazionale, che però, con il cambiamento degli equilibri geopolitici, si è scontrata con numerosi problemi. Michael Lockshin si è infatti sin da subito confrontato con le difficoltà tecniche di rendere un romanzo così articolato sullo schermo, ma soprattutto, con la critica politica della stampa e dell’intellighenzia russa più vicina al Cremlino.

Uscito al cinema in Russia nel 2024, a due anni dall’invasione russa dell’Ucraina del 2022, il film del Maestro e Margherita era stato in un primo momento promosso in patria, attraverso una gigantesca campagna di marketing, salvo poi essere accusato di essere “antirusso” e “anti sovietico” e rischiare la censura, in una bizzarra sovrapposizione storica con il destino del romanzo. Questo perché Michael Lockshin si è sin da subito espresso in maniera molto critica verso la guerra della Russia in Ucraina – la cosiddetta “operazione militare speciale” – suscitando l’ira della destra russa più nazionalista che ha avviato una vera e propria campagna diffamatoria contro il regista, invitando il pubblico a boicottare la visione del film. Non a caso, il regista ha lasciato da tempo la Russia, anche a causa dell’accusa di essere un “agente straniero” e un estremista.

D’altra parte, proprio a causa della guerra in Ucraina, con le numerose sanzioni occidentali, e la rottura di ogni tipo di rapporto politico, diplomatico, ma anche culturale tra Russia e Occidente, era impensabile che un film russo potesse giungere al cinema da noi, in Europa e in Italia, in un clima di piena ostilità. Eppure, ogni tanto, nonostante tutto, avvengono anche dei piccoli “miracoli”: situazioni in cui la cultura riesce ancora ad avere la meglio sulla politica, abbattendo la coltre di giudizi e pregiudizi, le barriere ideologiche, geografiche e storiche.

Il Maestro e Margherita: una critica storica di respiro internazionale

Il Maestro e Margherita è un film eccezionalmente articolato della durata di 157 minuti, che riesce nell’ardua impresa di condensare un romanzo dalla trama così complessa, sviluppatta su tre filoni tematici, aggiungendo però anche un’originale prospettiva che sovrappone la triste vita di Michail Bulgakov a quella del suo protagonista, lo scrittore chiamato “il Maestro”, interpretato dall’attore russo Evgeniy Tsiganov. Lo spettacolo del Maestro su Ponzio Pilato – a cui nel film dà volto l’attore danese Claes Bang – diventa infatti un’opera “impubblicabile”, che condanna il suo autore alla solitudine e alla miseria.

Un destino che nella realtà si abbatté, per anni, proprio su Michail Bulgakov, censurato e deriso al punto da arrivare a scrivere una lettera disperata alle autorità sovietiche e in particolare al PC dell’Urss, chiedendo il permesso di poter lasciare il Paese, non vedendo prospettive per il suo lavoro di scrittore. Un destino che vediamo espresso anche nell’originale adattamento di Michael Lockshin in cui tra le iconiche citazioni del romanzo, ci sono anche messaggi inediti che provano a ridare speranza nel clima di generale oscurantismo: “se un vero scrittore tace, muore”.

La pellicola, oltre a riportare magistralmente l’ambientazione storica dell’Unione Sovietica del primo Novecento, è anche di respiro internazionale: il temibile mago Woland, ovvero il diavolo che si abbatte sopra Mosca per mettere alla prova il nuovo “uomo sovietico” slegato dai bisogni materiali, è interpretato dall’affascinante attore tedesco di fama internazionale August Diehl, e i dialoghi durante tutto il film passano rapidamente dal russo al tedesco, dall’ebraico al latino, fino al francese, tra le ambientazioni di Mosca, la Galilea di Ponzio Pilato e Yeshua Hanozri e le oscurità infernali delle scene del “Ballo di Satana”. Dialoghi che è possibile ascoltare in lingua originale, con sottotitoli in italiano, in alcuni cinema.

La protagonista femminile è invece la magnetica Julia Snigir’, ovvero Margherita: eroina coraggiosa, orgogliosa e dallo sguardo malinconico, è disposta a tutto pur di riavere l’amore del suo amante, il Maestro, persino a un patto con il diavolo.

Una pellicola magica, ultramoderna, ricca di effetti speciali che interpreta il classico di Bulgakov in maniera rinnovata ed eclettica, immergendo lo spettatore in una riconoscibile atmosfera moscovita e sovietica, tra poster comunisti, busti di Lenin, gli Stagni del Patriarca dei primissimi capitoli del romanzo, a cui si aggiunge anche una netta critica verso la censura sovietica dell’epoca e verso i peccati di cui tutti gli uomini – sovietici e non – si sono macchiati dall’alba dei tempi: superbia, avarizia, lussuria, inividia.

Una pellicola densa, sofisticata ed emozionante, che soddisfa in pieno le aspettative di lettori e appassionati, affermando il potere della letteratura sopra a ogni cosa, anche la frattura della guerra: perché, come scrisse anche Michail Bulgakov, “I manoscritti non bruciano”.

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“La fotografia e il cinema, conferiscono una specie di immortalità” scrisse una volta il sociologo e filosofo canadese Herbert Marshall McLuhan. La fotografia ha infatti quell’unica e incredibile capacità di catturare gli attimi della vita, di cristallizzarli e renderli eterni, come particelle di un evento, dilatato nel tempo e nella storia. Eppure, se pensiamo ai grandi maestri della fotografia degli ultimi cent’anni, la fotografia italiana non è ancora del tutto nota al grande pubblico sulla scena artistica internazionale.

Proprio per questo motivo Finarte ha deciso di dedicare un intero evento alla scoperta dei maestri della fotografia italiana, dalla fine del XIX secolo ad oggi, con 100 opere di 50 artisti. È questa la cornice attorno a cui si sviluppa la prestigiosa asta “Fotografia: Icone italiane” a Milano, che raccoglie gli scatti che hanno fatto la nostra storia, immortalando attimi di vita quotidiana, grandi cambiamenti storici e trapassi nelle varie epoche, con un focus particolare sui maestri del Novecento, che hanno lasciato significative tracce nel panorama artistico non solo italiano, ma internazionale.

Milano, Piazza del Duomo (1985) scatto di Virgilio Carnisio

Pier Paolo Pasolini (1975) scatto di Dino Pedriali

“Icone italiane” avrà inizio a partire dal 16 giugno, con l’esposizione delle 100 opere, per concludersi il 18 giugno con l’asta finale alle ore 16. Tuttavia, non si tratta di una semplice asta, quanto di un progetto artistico vero e proprio di ampio respiro, curato dal Dipartimento di Fotografia di Finarte con testi critici e biografi del professor Roberto Mutti che sono disposti non in un canonico ordine cronologico e gerarchico, ma bensì in ordine alfabetico, affiancando opere di stili, epoche e quotazioni differenti.

Una preziosa collezione dal sapore vintage, che racchiude atti così diversi e lontani, se paragonati alla frenetica realtà di oggi e del nuovo XXI secolo, tra momenti di quotidiana spensieratezza, ma anche icone chic, eventi storici e personaggi che hanno caratterizzato il Secolo breve.

Tra le macrosezioni tematiche presenti nella collezione alcune fotografie storiche di Federico Fellini e Sofia Loren ad opera di Tazio Secchiaroli; Pier Paolo Pasolini immortalato da Dino Pedriali e Lucio Fontana e Marcel Duchamp negli scatti di Ugo Mulas. Un’altra sezione iconica è poi quella degli scatti di moda, dove spiccano alcuni immagini del grande Oliviero Toscani, scomparso lo scorso anno, oltre a campagne di Dior e Dolce & Gabbana, immortalate rispettivamente da Giovanni Gastel e Ferdinando Scianna, che nella Capitale italiana della moda, non possono mai mancare.

Infine, ampio spazio è stato dedicato anche a vedute rurali, paesaggi naturali e monumenti delle città italiane, tra Milano, Napoli, Palermo e Venezia, con scatti di Mimmo Jodice, Virgilio Carnisio, Carlo Naya, oltre alla punta di diamante dell’asta con l’opera “Negresco mare” di Massimo Vitali, stimata ad un valore di 20-30mila euro. Un’occasione per conoscere i grandi maestri della fotografia italiana, che raccontano di un’Italia sospesa in un malinconico e affascinante passato.

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Dopo il Giappone e la Corea del Sud c’è un nuovo Paese in Asia che intende sfruttare massicce dosi di soft power. Stiamo parlando della Thailandia, 71,6 milioni di abitanti, seconda economia del Sud est asiatico e già calamita di un crescente numero di turisti internazionali (35,5 milioni nel 2024), desiderosa di generare un’ondata culturale thai per rafforzare ulteriormente sia la propria economia che il prestigio nazionale.

In che modo? Bangkok, che può già vantare l’etichetta di “città più visitata del pianeta”, si affida in primis al cosiddetto programma delle 5F. Si tratta di un piano lanciato dal governo thailandese nel 2023 e incentrato su cinque attrazioni chiave, ovvero cibo, cinema, moda, combattimenti e festival (food, film, fashion, fighting e festival), che dovranno promuovere la Thailandia a livello internazionale.

Il fine ultimo? Semplice: valorizzare l’importanza culturale del Paese per attrarre turisti e investimenti stranieri. Non a caso si susseguono festival annuali dedicati alla gastronomia thailandese, al muay thai, alla cinematografia, mentre si moltiplicano band pop autoctone e serie televisive prodotte all’ombra dello scintillante skyline di Bangkok. L’economia creativa, dunque, sarà la nuova benzina che alimenterà il motore di uno Stato che sogna in grande. O meglio: che spera di replicare il successo degli ormai famosissimi K-Pop e J-Pop.

Il soft power della Thailandia

Nel 2023 l’allora primo ministro Settha Thavisin aveva posto la massima attenzione al rafforzamento della competitività globale del Paese e all’accelerazione dell’economia creativa. Riconoscendo il potenziale della Thailandia di diffondere la propria influenza attraverso la cultura, i valori e la politica estera, il governo thailandese aveva creato, per esempio, il Comitato strategico nazionale per il soft power (composto da importanti agenzie governative, rappresentanti del settore privato ed esperti) con il compito di guidare iniziative in undici settori cruciali nell’ambito del soft power: cibo, giochi, festival, musica, cinema, letteratura, arte, design, sport, moda e turismo.

Tra le altre politiche attuate merita menzione la One Family One Soft Power (OFOS), attraverso la quale le autorità sperano di migliorare le competenze di 20 milioni di thailandesi, trasformandoli in lavoratori altamente competenti e creativi. Rilevante anche la convergenza tra soft power e istruzione, principalmente in ambito accademico e istituzionale, processo del quale si occuperà un’altra agenzia governativa, la Thailand Creative Content Agency (THACCA).

In campo musicale, invece, da menzionare l’ascesa del T-Pop, e cioè della musica pop thailandese. Artisti come Jeff Satur, 4Eve, Bus e Pixxie stanno guidando questa Thai Music Wave catturando l’attenzione del pubblico globale.

T-Wave

Ricapitolando: le industrie culturali della Thailandia hanno compiuto passi da gigante e sono sempre più popolari oltre i confini nazionali. Il fenomeno della T-Wave, nel suo complesso, promette di migliorare la crescita di varie industrie creative thailandesi, nonché di rafforzare il soft power di Bangkok nella scacchiera geopolitica.

Tra l’altro, lo sprint culturale della Thailandia ha una sorprendente somiglianza con l’esperienza della Corea del Sud, che è stata a sua volta plasmata dalla Korean Wave in seguito al grave impatto della crisi finanziaria asiatica del 1997. Da questo punto di vista, il rallentamento economico dell’economia thailandese del 2024 ha reso evidente la possibilità del Paese di concentrarsi sulle industrie creative e sui prodotti culturali.

L’amministrazione di Srettha si era posta l’obiettivo di creare 20 milioni di posti di lavoro e raggiungere un fatturato annuo di circa 4 trilioni di baht (109 miliardi di dollari) entro il 2028 sfruttando proprio il soft power made in Thailand. Non solo: il suo governo aveva proposto di stanziare 5,1 miliardi di baht (139 milioni di dollari) per rafforzare i suddetti 11 settori culturali chiave del potere morbido.

Certo, da qui a dire che Bangkok ripeterà le fortunate (e ricchissime) esperienze di Tokyo e Seoul, la strada è ancora lunghissima. Se non altro, e in attesa di capire quali saranno le intenzioni del nuovo esecutivo guidato dalla signora Paetongtarn Shinawatra, la Thailandia ha innescato la propria “onda cultural”e. Toccherà adesso alle autorità saperla alimentare e ai protagonisti dell’economia creativa surfarla al meglio.

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