Una sola parola: Anouonaueiiiii. Storpiatura dell’inglese I don’t want to wait, era la celebre sigla di un telefilm che sta ai millennial come un guanto: Dawson’s Creek. Lanciato in Italia nel 1998, raccontava la vita quotidiana di un gruppo di adolescenti cresciuti in un paesino della provincia americana, che si dividono tra scuola, amori, sogni, cuori infranti e genitori imperfetti. Un gruppo di personaggi che raccontava tutto lo spettro degli archetipi dell’adolescente del nuovo millennio, interpretati da un nugolo di attori che oggi calcano le scene di Hollywood e che su quel set si fecero le ossa.

Centro di gravità permanente dell’intero telefilm lui, il biondo Dawson Leery, educato, romantico, sempre tormentato tra l’indole di ultimo tra i romantici e le paturnie dell’adolescenza. E soprattutto, fan sfegatato di Spielberg con il sogno di fare il regista. A interpretarlo un ventenne James Van Der Beek che oggi, a nemmeno cinquant’anni ci lascia dilaniato dal cancro. È la fine di un’epoca perché con Van Der Beek se ne va anche l’amato e odiato Dawson. Ma assieme a lui anche la dolce Joey amore della sua vita, la sua nemesi e migliore amico Pacey che gliela portò via, la maliarda Jen che gli fece impazzire gli ormoni. Se ne sono andati tutti, costringendo noi Millennial ad ammettere che il tempo è trascorso.

Dawson’s Creek ha raccontato la provincia americana con una precisione rara perché non ha mai cercato di trasformarla in qualcosa di esotico o eccezionale. Ha fatto l’opposto: ha mostrato quanto sia un mondo completo, chiuso, regolato da codici sociali rigidissimi, spesso mostruosa. Capeside non è solo un’ambientazione narrativa, è una struttura culturale: un luogo dove tutto appare tranquillo e ordinato, ma dove la serenità è spesso solo superficie.

La prima cosa che la serie coglieva perfettamente è l’ambivalenza estetica e morale della small-town. Capeside è bella, quasi irreale, una cartolina di case curate, acqua calma, cieli puliti, il famoso molo. In un luogo così “armonioso” tutto deve restare al suo posto. La provincia non ti opprime con la violenza evidente, ti opprime con l’idea di normalità. Con la pressione implicita a non deviare, a non complicare troppo, a non rovinare l’immagine collettiva. In questo senso, la comunità non è semplicemente un insieme di persone: è un sistema di sorveglianza, una rete di sguardi. Ogni errore diventa pubblico, ogni scelta si trasforma in reputazione.

Dentro questa cornice si muove il mito americano, quello della possibilità infinita: puoi diventare chi vuoi, puoi costruirti da solo, puoi superare le tue origini. Dawson’s Creek però è intelligente perché mostra il lato oscuro di quel mito: se tutto è possibile, allora ogni fallimento è colpa tua. Tutto molto da Etica protestante e spirito del Capitalismo. E la provincia, che dovrebbe essere un luogo di radici e appartenenza, diventa una tappa da superare, quasi una prova da vincere. Non a caso la serie raccontò con lucidità feroce la corsa a ostacoli verso l’ammissione all’università dei protagonisti e i suoi relativi drammi: la cultura della performance, le rette troppo alte, l’overtesting. Stessi mali che affliggono l’America di oggi. I personaggi non vivono semplicemente l’adolescenza, vivono la sensazione costante di dover dimostrare di valere qualcosa prima che sia troppo tardi.

La scuola, infatti, non viene rappresentata come un semplice sfondo. È un microcosmo sociale totale, un luogo dove la provincia americana concentra le sue gerarchie e i suoi rituali. Lì si decidono status, appartenenze, identità pubbliche. Popolarità, sport, relazioni e pettegolezzi non sono dettagli adolescenziali, sono il linguaggio attraverso cui quella comunità definisce chi conta e chi no. In una cittadina piccola l’adolescenza non è solo una fase biologica: è una competizione sociale permanente. E il fatto che tutto sembri enorme, definitivo, quasi tragico non è melodramma: è realismo.

In questo contesto, la moralità bacchettona americana gioca un ruolo centrale. Dawson’s Creek racconta una provincia permeata da una morale non sempre dichiarata, ma sempre presente. È un moralismo sottile, quotidiano, fatto di aspettative e giudizi, più che di divieti espliciti. C’è un’idea implicita di ciò che è giusto, appropriato, rispettabile incarnato simbolicamente dall’austera nonna di Jen e dalle sue ossessioni bibliche. E chi si discosta da quella linea non viene punito soltanto per ciò che fa, ma per ciò che rappresenta. Non a caso alla sua bionda nipotina, dopo una serie infinita di drammi, gli autori riservarono prima un destino da sedotta e abbandonata con una figlia da crescere e poi, infine, la morte. Un triste presagio in quello spin-off che lasciò di stucco milioni di fan nel mondo.

Un altro dei tratti più realistici della serie è che gli adulti non sono comparse. Nella provincia americana la vita dei ragazzi non appartiene mai solo ai ragazzi, perché le generazioni convivono dentro la stessa rete sociale e si influenzano costantemente. Questo rende ogni scelta più pesante, perché non riguarda solo te ma l’immagine della casa da cui provieni. Il privato non è mai davvero privato, e la crescita personale avviene sempre sotto pressione. E agli intrecci degli adolescenti agitati si aggiungono quelli di genitori fedifraghi, narcisisti, abusanti, dilaniati dalle dipendenze e dalle psicosi, violenti, ma soprattutto incapaci di fari i genitori.

Sotto l’estetica elegante della serie, inoltre, affiora una lettura sociale molto americana: l’illusione che la provincia sia un luogo omogeneo e uguale per tutti, quando in realtà le differenze economiche e culturali esistono e segnano i destini. Joey vive la fatica concreta e la precarietà, Pace porta addosso lo stigma di chi viene percepito come “meno promettente”, Dawson incarna invece una sicurezza quasi naturale, quella di chi può permettersi di sognare senza pagare subito il prezzo del sogno.

Anche il linguaggio, spesso giudicato troppo maturo al limite del pippone da poeta crepuscolare intrappolato in una mensa scolastica. Quei dialoghi iper-analitici e quasi letterari non erano solo un vezzo televisivo: erano la caricatura di una generazione che vuole anticiparsi, che vuole essere adulta prima del tempo, perché sente che la vita è già una gara. Parlare bene, pensare troppo, razionalizzare ogni emozione. È una forma di ansia sociale travestita da intelligenza. E anche questo è provincia americana: la sensazione che se non ti costruisci un’identità brillante, il posto in cui sei nato rischia di diventare anche il posto in cui rimarrai.

E poi c’è la vita degli attori che si somma ai simbolismi della serie. A Van Der Beek era stato diagnosticato con cancro del colon-retto alla fine dell’estate 2023. Lui, una star, per far fronte ai costi del trattamento aveva collaborato con Propstore, affidando all’asta alcuni cimeli, tra i quali la celebre collana che Dawson dona a Joey oltre all’iconica camicia di flanella indossata dal personaggio. A settembre, parte del cast di Dawson’s Creek si era poi riunito per un evento benefico organizzato da Michelle Williams per raccogliere ulteriori fondi in suo sostegno. Una mobilitazione trasversale che ha evidenziato ancora una volta il dramma dei costi delle cure mediche negli Stati Uniti.

Restano ora i colleghi, privi del loro capoclasse, ore ed ore di puntate e quella sigla che oggi fa sorridere un po’ meno. Ma soprattutto una strisciante, dolorosa, amara presa di coscienza. Accorgersi che siamo cresciuti, che da quegli anni…di anni ne sono passati quasi 30 e che anche noi, che ragazzini urlavamo Anouonaueiiiii, abbiamo cominciato a lasciare questo mondo troppo presto.

Buon viaggio, Dawson.

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A Capodanno qualcuno canterà ancora Brigitte Bardot Bardot, come ogni fine anno, con i bicchieri alzati e la voce un po’ storta. La canteremo per gioco, per abitudine, per folklore. Solo che stavolta lei non ci sarà più. In quel ritornello leggero, ballabile, apparentemente innocuo, si aprirà un vuoto improvviso. Brigitte Bardot non è mai stata solo un nome da canzone: era un corpo che ha cambiato il modo di stare al mondo, un’immagine che ha spostato confini, un’epoca che da oggi diventa definitivamente passato.

Ci saranno generazioni che non sapranno davvero chi è stata Brigitte Bardot. Per molti resterà una citazione, un nome pronunciato con ironia, una reference pop svuotata di contesto. Pochi sapranno cosa abbia significato apparire come lei apparve negli anni Cinquanta, in un’Europa ancora rigida, morale, ferita dal dopoguerra. Bardot arrivò come una crepa. Non spiegava, non giustificava, non chiedeva permesso. Esisteva. E questo bastò a scandalizzare, affascinare, disorientare. La sua sensualità non era mai rassicurante: era un’affermazione di libertà che metteva in crisi lo sguardo maschile e il giudizio sociale allo stesso tempo.

Brigitte Anne-Marie Bardot nasce a Parigi nel 1934, cresce in una famiglia borghese severa, educata alla disciplina e al controllo. Studia danza classica, sogna una carriera all’Opéra, ma la sua traiettoria cambia quando viene fotografata giovanissima per una rivista di moda. Il cinema arriva presto, all’inizio in ruoli secondari, quasi decorativi, ma già attraversati da una presenza diversa. Bardot non recita mai davvero l’innocenza: anche quando interpreta personaggi ingenui, il suo corpo racconta altro, un’energia che sfugge alle categorie tradizionali.

Il 1956 segna una frattura irreversibile. E Dio… creò la donna non è soltanto il film che la rende famosa: è il film che cambia il modo di guardare una donna sullo schermo. Il personaggio di Juliette vive il desiderio senza colpa, si muove liberamente tra gli uomini, non è punita moralmente per la sua indipendenza. Il film viene censurato, criticato, discusso ovunque, ma Bardot diventa immediatamente un simbolo globale. Per la prima volta la sensualità non è più filtrata dall’eleganza distante delle dive classiche, ma è carnale, solare, inquieta.

Negli anni successivi Bardot lavora senza sosta. Il cinema francese e quello internazionale la vogliono, ma lei non si lascia mai ingabbiare in un solo registro. In La vérité di Henri-Georges Clouzot interpreta una donna accusata di omicidio, fragile e contraddittoria, mostrando una profondità drammatica che sorprende chi la considera solo un’icona erotica. In Il disprezzo di Jean-Luc Godard il suo corpo diventa oggetto e soggetto di riflessione: Godard lo espone, lo frammenta, lo mette in discussione, trasformando Bardot in un simbolo del cinema stesso, della mercificazione dello sguardo e della crisi dell’amore. In Viva Maria! di Louis Malle, accanto a Jeanne Moreau, gioca invece con l’avventura e l’ironia, dimostrando un talento leggero e autoironico spesso sottovalutato.

Parallelamente Bardot diventa un fenomeno culturale che va oltre il cinema. Il suo stile influenza la moda, il costume, il linguaggio visivo. I capelli sciolti, il trucco naturale, le ballerine, il bikini. Tutto in lei viene copiato, riprodotto, trasformato in tendenza. È una delle prime star globali dell’era mediatica moderna. Ma mentre il mito cresce, la donna si ritrae. La sua vita privata diventa un territorio violato. I matrimoni, le relazioni, la maternità vissuta con dolore, la volontà di abortire, i tentativi di suicidio, la pressione costante dei fotografi. Bardot soffre profondamente l’essere ridotta a immagine. Non si riconosce nel desiderio che suscita, non si sente padrona del proprio corpo pubblico. La fama, per lei, non è mai un privilegio, ma una gabbia.

Nel 1973, a 39 anni, quando potrebbe continuare a essere protagonista ancora a lungo, Bardot sceglie di fermarsi. Abbandona definitivamente il cinema, rifiuta ogni proposta di ritorno, anche le più prestigiose. È una scelta definitiva, senza nostalgia. Chiude con lo spettacolo perché non vuole più essere guardata in quel modo. È un gesto radicale, coerente, che la distingue da molte altre icone del suo tempo.

Da quel momento inizia una seconda vita, forse ancora più aspra della prima. Bardot si dedica completamente alla difesa degli animali, trasformando una sensibilità personale in un impegno politico concreto. Nel 1986 mette su la sua Fondazione, che diventa uno dei principali organismi internazionali per la protezione animale. Le sue campagne contro la caccia alle foche fanno il giro del mondo, le sue denunce contro gli allevamenti intensivi e la vivisezione scuotono governi e opinione pubblica. Bardot non parla da testimonial: parla da militante.

Il suo linguaggio è diretto, spesso brutale. Non media, non addolcisce, non cerca consenso. Questo la porta inevitabilmente allo scontro. Negli anni le sue dichiarazioni su immigrazione, religione e identità nazionale generano polemiche durissime e la conducono a condanne giudiziarie per incitamento all’odio. Bardot diventa una figura sempre più divisiva, difficile da difendere e impossibile da ignorare. Lei non arretra. Non chiede scusa, non riscrive il proprio passato, non separa l’icona dall’attivista.

Negli ultimi anni sceglie una vita ritirata, lontana dai riflettori, nella sua casa nel sud della Francia. Vive circondata dagli animali, rifiuta interviste patinate, rifiuta la retorica della nostalgia. Non si sottopone alla chirurgia estetica, non nasconde il tempo. Le rughe diventano una dichiarazione di libertà, una forma di resistenza a un mondo che pretende dalle donne un’eterna giovinezza. Bardot non diventa mai una “bella del passato” addomesticata dal ricordo. Rimane ruvida, scomoda, contraddittoria.

Brigitte Bardot muore così com’è vissuta: senza chiedere di essere capita, senza farsi perdonare. Se ne va una donna che ha cambiato il cinema, l’immaginario e il costume, ma che ha anche rifiutato di diventare un monumento rassicurante. Brigitte Bardot lascia un’eredità impossibile. Impossibile da gestire, da pacificare, da consegnare intatta a chi viene dopo. Non è un’eredità fatta di modelli da imitare o di frasi da incorniciare, ma di fratture. Ha cambiato il modo in cui una donna poteva occupare lo spazio pubblico senza mai offrire una soluzione definitiva.

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“E non è perché mi sento solo, e non è perché è la notte di Capodanno. Sono venuto stasera perché quando ti accorgi che vuoi passare il resto della vita con qualcuno, vuoi che il resto della vita cominci il più presto possibile”.

Rivedere Harry ti presento Sally… nei giorni che precedono il Natale significa fare esperienza di un tempo che il cinema contemporaneo sembra aver dimenticato. Un tempo sospeso, fatto di bilanci silenziosi, in cui le storie chiedevano meno attenzione all’intreccio e più ascolto al cambiamento. Il film non chiedeva allo spettatore di restare agganciato a una trama, bensì di accompagnare due persone mentre cambiavano idea su se stesse. Era una differenza sottile ma decisiva. Rob Reiner non aveva costruito una storia d’amore: costruiva una relazione con il tempo, e solo in secondo luogo con il sentimento.

Il film si muove su una linea quasi invisibile, fatta di conversazioni, di incontri che non producono svolte immediate, di ritorni che non coincidono mai con un vero progresso. Harry e Sally si conoscono, si allontanano, si ritrovano, ma soprattutto si osservano. E in questa osservazione lenta, a tratti irritata, a tratti affettuosa, si consuma il vero racconto. Reiner sembra dirci che l’amore non nasce quando due persone si desiderano, ma quando smettono di interpretarsi.

La regia accompagna questa idea con una discrezione che oggi appare quasi radicale. Non ci sono virtuosismi, non c’è volontà di stupire. Ogni scelta sembra orientata a non interrompere il flusso naturale delle parole, a non tradire la fragilità dei personaggi con un eccesso di forma. È un cinema che si fidava del dialogo, delle pause, persino dell’imbarazzo. Un cinema che accettava l’idea che ciò che conta non sia sempre visibile.

Harry ti presento Sally… è spesso ricordato come una commedia romantica brillante, ma in realtà è un film profondamente critico nei confronti del romanticismo stesso. Smonta, con gentilezza ma con fermezza, l’idea che l’amore sia una rivelazione improvvisa, un riconoscimento immediato. Al contrario, suggerisce che l’amore adulto è il risultato di una serie di rinunce: alla propria immagine ideale, alle teorie rassicuranti, alla pretesa di avere sempre ragione. Harry e Sally arrivano l’uno all’altra quando sono meno brillanti, meno sicuri, meno difesi. È una conquista che passa attraverso una perdita.

Questa visione non è un’eccezione nella filmografia di Reiner, ma ne rappresenta la sintesi più chiara. Anche altrove, nei suoi film più diversi per tono e genere, ritorna la stessa fiducia nella crescita lenta, nell’idea che le persone non si rivelino mai tutte insieme. Reiner ha sempre guardato i suoi personaggi come esseri incompleti, costretti a fare i conti con il tempo più che con il destino. Non li ha mai giudicati, e non li ha mai assolti. Li ha lasciati vivere.

In Stand by Me l’incompletezza era quella dell’infanzia, osservata non come età mitica ma come tempo fragile, già segnato dalla perdita. In The Princess Bride, sotto la leggerezza fiabesca, l’amore funzionava solo perché veniva sottoposto all’ironia, come se anche il mito avesse bisogno di essere messo alla prova per resistere. In Misery non deve morire, il tempo diventava addirittura una forma di prigionia, e il cambiamento non arrivava per rivelazione ma per logoramento. In Codice d’onore, infine, la verità emergeva non come gesto eroico, ma come responsabilità assunta lentamente, quasi controvoglia. In tutti questi casi, Reiner sembrava meno interessato alla svolta che al percorso, meno al destino che all’usura.

In Harry ti presento Sally… il film non promette felicità, promette continuità. Non garantisce che l’amore funzioni, ma che possa essere abitato. È una differenza sottile, ma fondamentale. Il lieto fine non è una chiusura, è un’apertura: il momento in cui la storia potrebbe finalmente cominciare, proprio perché il film si ferma.

Per questo, col passare degli anni, ha continuato a guadagnare un senso iconico invece di perderlo. Non è invecchiato perché non parlava al presente, ma al tempo. E quando un’opera lavora sul tempo, finisce inevitabilmente per dialogare anche con ciò che viene dopo, con ciò che non era previsto.

È a questo punto che la riflessione critica comincia a incrinarsi, quasi impercettibilmente, e a lasciare spazio a qualcos’altro. Perché sapere che Rob Reiner non c’è più, e che la sua morte è stata improvvisa e violenta, produce uno scarto difficile da colmare. Non tanto per l’effetto mediatico della notizia, quanto per la sua dissonanza rispetto all’idea di cinema che ha rappresentato.

Eppure, proprio in questo contrasto, il senso del suo lavoro si fa più netto. Reiner non ha mai raccontato la vita come un luogo sicuro, ma come un processo fragile che vale la pena attraversare con attenzione. Il suo cinema non proteggeva dal dolore, ma insegnava a non semplificarlo. A non ridurlo a evento, a non trasformarlo in spettacolo. Coppia nella vita ma anche sul set, Rob Reiner e sua moglie Michele Singer, morta assieme a lui in circostanze ancora da chiarire, avevano lavorato più volte insieme. Singer, per 30 anni al fianco del grande regista, è stata produttrice di successo oltre che attrice e fotografa.

Michele aveva conosciuto Bob proprio sul set dell’iconica pellicola, ed è a lei che si deve il lieto fine. La sceneggiatura originaria, infatti, prevedeva che Harry-Billy Cristal e Sally-Meg Ryan si separassero. Reiner era un single incallito da anni e più propenso all’epilogo amaro. Ma poi, la svolta. Barry Sonnenfeld, direttore della fotografia, gli presentò Michele e fu amore a prima vista.

Restano migliaia di persone che, la notte dell’ultimo dell’anno, riguarderanno con gioia, dolore o speranza questa intramontabile favola moderna sui sentimenti.

Che la terra sia lieve a entrambi.

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Non è soltanto un film realizzato in Cina, ma un dramma storico che ripercorre gli orrori di uno dei capitoli meno conosciuti della Seconda Guerra Mondiale. Si intitola 731 perché racconta le atrocità commesse in Cina dalla controversa Unità 731.

Non un’unità qualsiasi, ma la forza speciale giapponese incaricata di sviluppare armi batteriologiche per conto dell’Impero nipponico. Una divisione che ancora oggi lascia dietro di sé numerose zone d’ombra, e che è stata accusata di aver effettuato terribili esperimenti, anche sugli esseri umani, nei territori all’epoca conquistati dal Giappone.

Diretta dal regista Zhao Linshan e interpretata da noti attori della Cina continentale, tra cui Jiang Wu e Wang Zhiwen, questa pellicola ha acceso i riflettori sulle ambigue attività condotte dall’Unità 731 nella Cina nordorientale durante la guerra sino-giapponese e la Seconda Guerra Mondiale.

La trama del film

La trama del film 731 ruota attorno alla tragica vicenda di Wang Yongzhang, un venditore ambulante cinese che, durante l’occupazione giapponese della Manciuria, viene attirato con l’inganno all’interno del centro gestito dall’Unità 731.

Convinto di partecipare a semplici controlli sanitari e ricerche mediche per la prevenzione delle malattie, Wang accetta l’offerta attratto dalla promessa di una possibile libertà. Tuttavia, una volta all’interno della struttura, l’uomo si ritroverà prigioniero, vittima di un orrore scientifico che supera ogni immaginazione.

Sottoposto a crudeli esperimenti, Wang viene usato come cavia umana. Test di congelamento degli arti, esposizione a gas tossici e persino vivisezioni senza anestesia fanno parte dell’inferno quotidiano inflitto dalle forze di occupazione giapponesi. Questo film ricostruisce, dunque, secondo il punto di vista cinese e con un forte impatto emotivo, uno dei capitoli più oscuri della storia del XX secolo.

La controversa Unità 731

Ma quanto in 731 è finzione e quanto realtà? L’Unità 731, base di ricerca segreta per le armi chimiche e biologiche, fu istituita dall’esercito giapponese ad Harbin, capoluogo della provincia dell’Heilongjiang, nella Cina nordorientale. Durante la Seconda Guerra Mondiale, il sito servì da centro nevralgico per la guerra biologica giapponese in Cina e nel Sud Est Asiatico.

Per garantire l’accuratezza storica il regista Zhao ha rivelato di aver studiato oltre 8.000 pagine di documenti d’archivio e 423 ore di filmati storici. “Seguo una dottrina rigorosa secondo cui ogni inquadratura e ogni dettaglio narrativo devono avere una base storica documentata”, ha spiegato in occasione 20a edizione degli Huabiao Film Awards di aprile.

I media cinesi insistono su un aspetto: il progetto dell’Unità 731 sarebbe stato sostenuto da tutto lo Stato giapponese in carica all’epoca dei fatti. Dal canto suo, il Giappone ha riconosciuto con riluttanza l’esistenza dell’unità alla fine degli anni Novanta, ma si è rifiutato di parlarne.

I resoconti delle attività dell’unità sono stati costruiti sulla base di testimonianze di ex membri, fotografie e prove documentali. E ancora oggi suscitano accesi dibattiti a livello internazionale, tra accuse di propaganda ed esagerazioni.

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Tra le attività culturali e artistiche più interessanti dell’estate nell’Europa centro-orientale, anche quest’anno il mese di agosto è stato animato dal Festival del cinema di Sarajevo. Un festival che non solo racchiude ed elogia la cinematografia dei Paesi dell’area balcanica, ma diventa anche un luogo d’incontro tra Oriente e Occidente e un’occasione di cooperazione, unione e scoperta. Avviato a partire dal 1995, proprio quando Sarajevo era sotto assedio durante la guerra di Bosnia, dopo la dissoluzione della ex Jugoslavia, quest’anno è giunto alla sua 31esima edizione, ospitando pellicole di oltre venti Paesi europei e non.

Tantissimi i film le premiere internazionali, così come i grandi volti del cinema, gli artisti e i cineasti ospiti nell’edizione di quest’anno. Tra gli altri, presenti nella sfilata sul red carpet ospiti dal calibro di Willem Dafoe, Ray Winstone, ma anche il regista ucraino Sergei Losnitsa, così come Paolo Sorrentino che si è aggiudicato il Cuore onorario di Sarajevo. Un evento unico che ogni anno anima la capitale bosniaca con decine di eventi, feste a tema, ma che soprattutto dedica molto spazio alle tematiche sociali e alla memoria visto che proprio qui, a Sarajevo, come nel resto della Bosnia Erzegovina, gli anni Novanta, non poi così distanti, sono stati segnanti da una dolorosa e sanguinaria guerra.

Proprio quest’anno è stato infatti commemorato il trentennale del genocidio di Srebrenica, accaduto l’11 luglio del 1995, quando le truppe dell’esercito serbo, guidate dal generale Ratko Mladić, entrarono nella piccola cittadina di confine, tra Bosnia e Serbia, nonostante fosse stata dichiarata safe area dalla comunità internazionale, uccidendo oltre 8.000 persone di etnia bosniacca. Per questo, l’eredità di quel doloroso passato è stata testimoniata e raccontata anche nel corso del Festival, cercando di lanciare un messaggio di monito per il presente. Un presente che è tristemente segnato, come trent’anni fa, da due sanguinose guerre, in Ucraina e in Medio Oriente, dove si sta consumando un altro genocidio. Nonostante la difficoltà di affrontare sullo schermo un tema complesso come la guerra, il Sarajevo Film Festival è riuscito a creare spazi di dialogo e confronto, dando un senso di consapevolezza collettiva e invitando gli ospiti e gli spettatori ad accettare l’eredità del passato, come un segnale per il presente. Noi, presenti al festival, vi raccontiamo la nostra esperienza e le nostre impressioni.

 “The Srebrenica Tape” di Chiara Sambuchi

Numerose sono state le pellicole selezionate, dedicate proprio alla guerra in Bosnia e a Srebrenica, cercando di ricostruire la memoria collettiva attraverso un mosaico di testimonianze. Tra i film selezionati, anche il documentario della regista italiana Chiara Sambuchi: The Srebrenica Tape. From Dad to Alisa (2025), presentato in anteprima, nel mese di settembre è in arrivo sugli schermi anche in Italia. Il tema, come preannunciato, è la guerra, raccontata però da una prospettiva inedita: quella dell’amore di un padre per una figlia.

“Mia madre era serba, mio padre bosniaco. Non ce n’è mai importato nulla fino a che la Jugoslavia non è crollata”, racconta Alisa, vero nome della protagonista. Oggi 39enne, vissuta tra Italia e Stati Uniti, per un inaspettato caso del destino Alisa si ritrova ad avere tra le mani una vecchia videocassetta VHS recapitata da chissà chi al nonno, in cui il padre Sejfo, un uomo bosniaco e musulmano, si è filmato ripetutamente nei suoi ultimi mesi di vita, cercando di lasciare una traccia di sé, della casa di famiglia, dell’infanzia, dei giochi e della spensieratezza della vita a Srebrenica, fino alla consapevolezza che da quella guerra non uscirà più vivo. Non una fiction, dunque, ma una storia massimamente reale, dove la regista, attraverso i preziosi filmati e le testimonianze di alcuni sopravvissuti al 1995 che Alisa incontra, presenta un quadro inaspettatamente vivo di quei momenti terribili tra il 1992 e il 1995, che svela però anche l’umanità dei civili, che per senso d’identità e amor di patria non hanno mai voluto lasciare le proprie case a Srebrenica, andando incontro alla morte.

Una testimonianza lacerante e malinconica, in cui appaiono anche molti dei bambini bosniaci di Srebrenica, che privati di ogni cosa, dei vestiti, ma anche dei giochi e dei dolci, si affidano ai giovani e inesperti soldati olandesi dell’Onu, i cosiddetti “caschi blu”, che chiamano “Mister Bombona” (“Mister Candy”) dato che sono gli unici a dare loro i pochi dolciumi disponibili. Il padre di Alisa, intanto, in un gesto disperato rassicura, consapevole del suo destino: “Non preoccuparti, ci vediamo presto… Non dimenticare tuo padre. Ricorda che hai un padre, che ti vuole bene. Sei forte e ce la farai da sola”. Un documentario articolato in trent’anni di vita, che riesce a ricostruire una famiglia spezzata, ma che soprattutto umanizza un evento come il genocidio di Srebrenica, che per questo non sarà mai dimenticato. In uscita ufficiale a settembre, sarà visibile in diverse sale a Milano e non solo.

In memoria di Fatma Hassona, uccisa a Gaza

Tra le pellicole più dure, ma proprio per questo necessarie, presentate in grande anteprima al Sarajevo Film Festival, anche Put Your Soul on Your Hand and Walk, anche in questo caso, in uscita ufficiale a settembre 2025 in Francia e poi nel resto del mondo. Un documentario della regista iraniana Sepideh Farsi che racconta la tragica storia di vita, arte e morte di Fatma Hassona. Il nome potrebbe non essere immediatamente riconoscibile, ma vedendo i filmati, il volto sorridente di Fatma, con il suo hijab color verde menta, è diventato – tristemente – un rimando immediato. Fatma era infatti una giovane repoter, artista, fotografa, autrice di poesie, appena 25enne di Gaza, che dall’inizio dell’assedio dell’Idf dal 7 ottobre 2023, ha raccontato con coraggio la brutale quotidianità del massacro in Palestina.

Fatma era sempre rimasta in prima linea, con la sua fotocamera e, caricabatterie permettendo, il suo telefono, nel raccontare la vita a Gaza, con la penuria di cibo e di acqua, la mancanza di elettricità, la sensazione costante di avere bombe che esplodo sopra la testa, ma anche la forza di andare avanti, nonostante tutto, sperando in un futuro migliore, come qualsiasi altra ragazza di 25 anni: “Hanno ucciso 2-3 persone ieri. Qui è la normalità. Ci siamo abituati”, sorride in un frammento, sognando di visitare l’eterna Roma.

Nel progetto iniziale di Sepideh Farsi, dissidente iraniana che ha lasciato il suo Paese a causa della guerra oltre tre decenni fa, vi era la “semplice” idea di raccontare Gaza con gli occhi di Fatima, attraverso le sue video testimonianze: videochiamate, fotografie, riprese, raccolte in oltre un anno, che avevano valso al progetto una selezione al prestigioso Festival del Cinema di Cannes 2025, tanto da far sognare a Fatma di poter partecipare, assieme a suo padre, alla premiere sul red carpet. Purtroppo, il suo destino è andato diversamente: il 16 aprile scorso le forze armate israeliane hanno bombardato la casa di Fatma, uccidendola assieme ad altri dieci membri della sua famiglia, rompendo per sempre quel sogno.

Così, il documentario di Sepideh Farsi è diventato la sua ultima traccia in vita, a onorare la sua memoria e il suo coraggioso lavoro, fatto di sacrifici continui e privazioni, ma sempre e comunque grande dedizione. “Resto a Gaza perché il mio tutto è qui. La mia casa, la mia famiglia, i miei cari, i miei amici, le mie cose. Non ho altro, non voglio andarmene. Spero che un giorno tutto questo finisca”. Una pellicola straziante, che lacera e rende inerme lo spettatore, ma che proprio per il suo profondo significato è in grado di scuotere dal generale intorpidimento collettivo, facendo realizzare quanto alcuni eventi che sembrano tanti distanti da noi, sono in realtà incredibilmente vicini.

Il volto quotidiano della resistenza ucraina

Al centro della cornice del Sarajevo Film Festival emerge poi Militantropos (uscito nel maggio 2025 e distribuito in Europa in questi mesi), pellicola indipendente del collettivo ucraino Tabor (Yelizaveta Smith, Alina Gorlova e Simon Mozgovyi), presentato anche a Cannes 2025. Il titolo fonde etimologicamente le radici “milit” (“militare, soldato” in latino) e “anthropos” (“umano” in greco), per evocare la figura di un essere umano profondamente segnato dalla guerra. In questo contesto, la guerra in Ucraina non viene analizzata e vista solo come un evento storico o politico, ma diventa parte dell’esistenza stessa dei protagonisti.

Militantropos non privilegia i toni patriottici o una narrazione “convenzionale”, ma adotta piuttosto un approccio poetico e riflessivo: attraverso immagini evocative e silenzi carichi di tensione, il film ricostruisce la vita quotidiana in tempo di guerra. I bambini giocano tra i fiori e le trincee, gli agricoltori arano accanto ai campi di battaglia, i carri militari distrutti vengono trasformati in superfici artistiche. La cinepresa non narra di fantasmagorici eroismi, ma di una piccola resilienza quotidiana. Un racconto visivamente raffinato, che rompe la distanza tra tragedia e vita ordinaria, dipingendo la guerra attraverso i volti, i luoghi e i gesti che la attraversano.

In un’epoca segnata da conflitti che si ripetono e memorie che rischiano di essere dimenticate o manipolate, il Sarajevo Film Festival si conferma non solo come vetrina di cinema d’autore, ma come un prezioso spazio di testimonianza e resistenza. Attraverso storie intime e collettive, le voci che arrivano dai Balcani, ma anche da Gaza e dall’Ucraina, ci ricordano che il cinema può ancora essere uno strumento potente di memoria, empatia e verità.

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Ma come? Non si è sempre detto che un film si giudica e valuta dopo averlo visto? Vero: e lo confermiamo. Quello che state per leggere non ha alcuna pretesa di essere un giudizio su di un film che non è nemmeno uscito. Al contrario, non sarà né più né meno di quanto leggete nel titolo: una raccolta di motivi per evitarne accuratamente le proiezioni.

Matt Damon (il prescelto per il ruolo di Odisseo) e altri personaggi emersi dai fotogrammi indossano elmi greci dell’epoca classica – quando sappiamo che Omero (o i poeti che questa figura semileggendaria ha assorbito) compone nel c.d. “Medioevo Ellenico” e ambienta le sue opere nel precedente periodo Miceneo (XVII – XII secolo a.C.), il che indica una certa noncuranza per la Storia.

Clitemnestra regina di Tebe è interpretata da una attrice nera, Lupita Nyong’o (in un’epoca in cui i contatti con l’Africa subsahariana erano sì presenti, ma complessi, remoti, sporadici), il che indica una certa noncuranza per la mitologia e le fonti greche. Circe, per compensare, non è interpretata da un’avvenente signora dai tratti mediterranei ma dalla Theron, un’attrice sudafricana boera. Non basta: per interpretare Atena Nolan sceglie Zendaya Coleman, classe 1996 (29 anni): Atena, che non è dea della bellezza o della gioventù, ma la matura, forte e indipendente dea della saggezza (dagli occhi cerulei, peraltro: i greci DESCRIVONO i loro personaggi nelle fonti): perché scegliere un’attrice così giovane per interpretare un personaggio che con lei non c’entra nulla? Sembrerebbe una lista di peccati veniali, nell’epoca del Napoleone di Scott (pellicola nella quale mancavano solo i dischi volanti). Il punto è che, come disse il Principe De Curtis, “la somma fa il totale”. Non saremo così banali da partire con le solite accuse di wokismo: a Nolan del woke frega zero.

Avrebbe un role model femminista ante litteram, la dea eponima di Atene, e invece di valorizzarla mette a interpretarla una ragazza: questo film non va visto perché non è l’Odissea, perché quella sommatoria di peccati veniali diventa un unico peccato mortale. Questo film non va visto perché ignora cosa sia l’Odissea, cosa sia la grecità: a Nolan non importa nulla di Omero, nulla dei greci, nulla del woke, nulla di nulla. A Nolan importa di Nolan, e se per celebrare il proprio ego deve passare come un carrarmato su un testo chiave della civiltà occidentale, ebbene il sommo lo fa, e ride pure alle nostre spalle. L’ego non banale del regista si era già intravisto in Tenet, un film cerebrale e caotico dove il nostro prova a inserire in salsa videogioco la riflessione sul tempo che pure ci strabiliò nel capolavoro (capolavoro, diciamolo!) Memento. Il medesimo ego è quindi strabordato nel polpettone Oppenheimer, un film lungo, pesante, senza dubbio epico e con interpreti divini ma pennellato di quel moralismo hollywoodiano concepito apposta per strappare statuette. Lì Nolan ha finito di montarsi semplicemente la testa ed ha iniziato a credere di essere il nuovo Kubrik: e quindi vi beccate non Omero, non l’Odissea, ma Nolanero e la Nolanissea. E ringraziate pure. E invece nossignore, Dottor Nolan: questo film non va visto.

L’arte non può tradire così sé stessa, non può essere pura autocelebrazione. Quando un regista si cimenta con un’opera letteraria architrave di intere civiltà, o è fedele al testo, o esercita sommamente la propria libertà ispirandosi e distaccandosi, elaborando alcuni concetti invece di altri, criticando persino. Non può, invece, usare un testo per dire il contrario di quello che l’autore intendeva, o strumentalizzarlo per celebrarsi. Questo film non va visto perché in questa epoca in cui il cinema è in stanca di film così, fatti dai registi solo per parlarsi addosso, ne abbiamo fin troppi. Nolan ormai ha una sola cosa in testa: fare “il film di Nolan”: per definizione un capolavoro, no? Questo film non va visto perché ci sono andato, al cinema, a sorbirmi Megalopolis: esteticamente nulla di dire, attorialmente nulla da dire, visivamente a tratti incantevole. Sono però uscito dalla sala con una domanda: perché? Perché un film così privo di senso, fatto solo per sé stesso, per Coppola (come se uno dei maestri eterni del cinema ne avesse bisogno!). Questo film non va visto perché ci sono andato, al cinema, a vedere Parthenope.

Sorrentino ha fatto “il film di Sorrentino”: iperestetizzante, silenzi e rumore, fotografia e colori, tutto all’estremo, Napoli e ancora Napoli, c’è condanna dell’oleografia ma con un la giusta retorica nel discorso dell’attrice e ci sono secchiate di oleografia nella scena dell’accoppiamento regale con sottofondo musicale, tutto a breve distanza. Solo per ottenere un film che non avrà mai la sublime drammaticità de “è stata la Mano di Dio” né la profondità etica ed estetica de “la Grande Bellezza”: resterà “il terzo film” dopo quei due. Con una differenza: Sorrentino, che è italiano (uno dei maggiori registi italiani di sempre) lo ha capito, e infatti ha annunciato che si prenderà una pausa di riposo e riflessione artistica. Oltreoceano a Nolan nessuno dirà mai di fermarsi – non certo le major che lo alimentano. Tutto questo non fa bene al cinema, non fa bene, come si dice in gergo calcistico, “al movimento”, in una fase storica in cui la crisi creativa è evidente: per il monopolio delle major e delle piattaforme, per i rigori del politicamente corretto, per lo scadimento del gusto di un pubblico che consuma solo serie TV precotte imbastite da chissà quale algoritmo, per la ripetitività, la noia, la mancanza creativa di coraggio di osare. Di film come “The Whale” ormai se ne sfornano pochi: qualcuno ricorda una notte degli Oscar più insulsa dell’ultima? Rischiamo sia quella dell’anno prossimo. Noi pubblico però, abbiamo un voto: andare al cinema per vedere altro.

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Nessuno si aspettava che l’industria cinematografica cinese potesse essere risollevata da Harry Potter. Proprio lui: il mago con gli occhiali protagonista dei sette romanzi scritti da J.K. Rowling, pubblicati tra il 1997 e il 2007, e portati sul grande schermo con otto film di successo usciti nelle sale tra il 2001 e il 2011.

Sono ormai passati 13 anni dall’uscita dell’ultima pellicola della serie, la seconda parte di Harry Potter e i doni della morte, eppure in Cina è riscoppiata la mania di Hogwarts. A fine settembre Warner Bros. Pictures, lo studio dietro il franchise, ha infatti annunciato la riproposizione dei film dell’intera saga in circa 3.400 cinema di 295 città cinesi. “Questa uscita segna una pietra miliare per la serie di Harry Potter, perché è la prima volta in assoluto che tutti gli otto film saranno disponibili consecutivamente su così larga scala”, ha spiegato lo studio, specificando che i titoli sarebbero stati disponibili nelle versioni 2D standard e in numerosi formati premium, tra cui CINITY/IMAX/Dolby Cinema. Musica per i consumatori cinesi che hanno subito risposto presente all’appello. Iniziando a rianimare un’industria, quella cinematografica, finita in stato di quasi ipotermia.

Il ritorno di Harry Potter in Cina

Il calendario delle uscite di Harry Potter è già disponibile. Anzi: il primo episodio, Harry Potter e la pietra filosofale, è stato proiettato dai cinema cinesi lo scorso 11 ottobre riscuotendo un successo clamoroso. Milioni e milioni di fan della serie si sono presentati in massa nelle sale cinematografiche, molti dei quali addirittura vestiti da mago, mentre i social media hanno assistito a un tripudio di foto a tema Harry Potter. Il risultato di un simile entusiasmo si è concretizzato con un exploit della saga al botteghino: nella settimana in cui è stato (ri)proposto sul grande schermo – 11-17 ottobre – Harry Potter e la pietra filosofale ha incassato 58 milioni di yuan (oltre 8,1 milioni di dollari).

Nel lasso di tempo preso in esame è stato il secondo film con il maggior incasso del Paese, piazzandosi dietro al patriottico The Volunteers ma davanti a molte recenti uscite di Hollywood, comprese Bad Boys: Ride or Die e Twister. Per fare un altro confronto, Joker: Folie à Deux ha incassato solo 17 milioni di yuan dalla sua première all’inizio della settimana appena trascorsa.

In un momento in cui le ultime uscite occidentali faticano a guadagnare terreno in Cina, Harry Potter è un raro esempio di franchise made in West diventato un vero e proprio punto di riferimento culturale anche oltre la Muraglia (a differenza di Disney che ha invece spesso fatto i conti con non poche criticità).

I film della serie erano stati precedentemente ripubblicati all’ombra della Città Proibita alla fine del 2020, poco dopo la pandemia di Covid-19, quando cioè i cinema stavano cercando di riprendersi dalla prima ondata di lockdown. Questa terza maxi maratona arriva in un altro momento delicato per l’industria cinematografica cinese.

La crisi delle sale

Quest’anno il botteghino cinematografico cinese ha fatto registrare quasi il 22% di incassi in meno rispetto al 2023. I blockbuster made in China sono stati autentici buchi nell’acqua, mentre i titoli di Hollywood e le grandi produzioni occidentali (la loro quota di mercato si attesta intorno al 15%) non sono riuscite a scaldare il pubblico. La rivista Sixth Tone ha scritto che nell’estate appena trascorsa i ricavi al botteghino sono crollati addirittura di quasi il 50% su base annua. La festa nazionale di inizio ottobre ha inoltre portato ben poco sollievo, visto che gli incassi totali si sono fermati solo a 2,1 miliardi di yuan (380 milioni di dollari), in calo rispetto ai 2,7 miliardi di yuan del 2023.

Né le uscite cinesi, né quelle straniere sono riuscite ad attrarre un vaso pubblico, al punto che Chris Fenton, un ex produttore di Hollywood con una vasta esperienza in Cina, ha parlato di una “tempesta perfetta”. L’industria cinematografica cinese ha provato di tutto per tornare a riempire le sale: ha riproiettato successi nazionali come The Wandering Earth 2, mostrato più documentari e persino organizzato proiezioni in diretta  delle Olimpiadi di Parigi.

Niente ha funzionato come il ritorno di Harry Potter, uscito per la prima volta in Cina nel primo decennio del Duemila, in un periodo in cui qui i multisala erano una novità. “Per molti spettatori cinesi sono stati i primi film fantasy-drammatici occidentali visti in comode e moderne condizioni di proiezione. C’è un’intera generazione di pubblico cinese, tuttavia, che non ha avuto la possibilità di godersi i film di Harry Potter al cinema”, ha affermato Kurt Rieder, responsabile della distribuzione cinematografica nell’Asia-Pacifico di Warner Bros. Discovery.

Potrebbe dunque toccare a Harry Potter l’incombenza di scuotere la sua bacchetta magica per rianimare l’industria cinematografica cinese…

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L’abbiamo vista in ogni genere di personaggio, dall’ingenua ragazza di provincia all’amara matrona partenopea, dalla femmina sfacciata alla madre disperata, passando per conturbanti mambo, pizze fritte e due occhi inconfondibili marcati dal kajal. Oggi, Sophia Loren, nata Sofia Costanza Brigida Villani Scicolone, meravigliosa ragazza di Pozzuoli, compie novant’anni, di cui almeno settanta passati davanti alla macchina da presa a raccontare donne sempre diverse, diretta dai mostri sacri del cinema italiano e internazionale.

Gli esordi della giovane Sofia, quando ancora non aveva acquisito il sofisticato “ph” del nome, sanno di favola italiana del Dopoguerra. Una giovane mamma sedotta e abbandonata (la sua), la guerra, le ristrettezze economiche, sempre all’ombra di quella Parthenŏpe matrigna e mammarella allo stesso tempo. E poi il sogno romano, quello di sfilare assieme alle “sorridenti miss del Dopoguerra”, vincendo nel 1950 la fascia di Miss Eleganza, quando le partecipanti ai concorsi di bellezza erano fiere di cosce e petto, ancora non volevano la pace nel mondo e potevano esibire ascelle nature.

Quello che accadde dopo fu da capogiro. Soprattutto l’incontro con il suo amore e pigmalione Carlo Ponti nel 1951: Sofia ha appena 16 anni e uno dei più grandi produttori italiani è pronto a mettere sul tavolo per lei un contratto di sette anni. Fu allora che Sofia divenne la Sophia che tutti conosciamo e che il mondo avrebbe imparato ad amare assieme a un’ Italia che viaggiava ammaccata ma fiduciosa verso il futuro.

Fu subito Cleopatra, L’oro di Napoli, Miseria e nobiltà, Il segno di Venere, Pane, amore e…, La donna del fiume, La fortuna di essere donna. Di quella giovane attrice portentosa, che sembrava nemmeno sforzarsi troppo per dover recitare, si accorge il mondo intero, che la invidia al Bel Paese incoronandola regina del cinema italiano sulla copertina di Life del 1955. Dall’Italia al Mondo il passo fu davvero breve: alla fine degli anni Cinquanta sbarca a Hollywood con Un marito per Cinzia, Orgoglio e passione, La chiave, Il diavolo in calzoncini rosa, Quel tipo di donna… E se in patria aveva già incrociato sul set mostri sacri come Alberto Sordi, Totò, Marcello Mastroianni, Vittorio de Sica, al di là dell’Oceano ci saranno ad attenderla Frank Sinatra, Cary Grant, John Wayne, Anthony Quinn. Mai accanto agli uomini, ma dividendo sempre la scena perfettamente a metà, se non rubandola interamente di rapina.

Ma sono gli anni Sessanta, assieme all’effervescenza che portarono con sé, che consacrano un’attrice che ormai può dirsi internazionale. Ed è proprio nel 1960, che aprì quel decennio irripetibile, che “la Loren” -come la chiamiamo noi comuni mortali-fornisce al mondo la più grande prova sul set de La ciociara, in cui interpreta quella Cesira che in un primo momento era stata offerta ad Anna Magnani. Tratto dall’omonimo romanzo di Alberto Moravia, regia di Vittorio De Sica: il film torna indietro sulle ferite della Guerra, portando a galla il dramma degli stupri da parte dei soldati su donne sole e inermi. La sequenza di Cesira che prende a sassate una camionetta di militari dopo essere stata stuprata assieme alla figlia restano ancora oggi una pietra miliare del cinema mondiale, che valse alla Loren il Premio Oscar, la Palma d’oro a Cannes, il BAFTA, il David di Donatello e il Nastro d’argento.

Ma il successo non s’arresta nemmeno dopo una vetta così impossibile da raggiungere. Verranno ancora Ieri, oggi, domani in cui Sophia si fa in tre: la verace contrabbandiera di sigarette, la ricca moglie fedifraga e la prostituta d’alto bordo il cui strip-tease fece ammattire Mastroianni. E ancora Matrimonio all’Italiana-tratto da Filomena Marturano di Eduardo de Filippo- e Una giornata particolare.

E poi un grande amore, quello con Carlo Ponti – che l’aveva conosciuta a sedici anni – e che l’Italia bigotta di quegli anni non perdonò subito. Ponti, all’epoca trentottenne, era sposato con Giuliana Fiastri, dalla quale aveva avuto due figli. Degne della trama di un film le peripezie che la coppia dovette affrontare per poter difendere la propria unione. Nel 1956 Ponti si recò in Messico, dove ottenne il divorzio dalla Fiastri e il 17 settembre 1957 sposò la sua Sophia per procura. Dopo il matrimonio, Ponti non rientrò in Italia per evitare l’accusa di bigamia che comunque piombò sulla sua testa nel 1960. Solo nel 1965 il produttore ottenne il divorzio dalla precedente moglie in Francia e sposò quindi la Loren il 9 aprile 1966 a Sèvres. Con tanto di riconoscimento della cittadinanza francese grazie all’intervento di Georges Pompidou. E arrivò anche il “perdono” di un Paese che non conosceva ancora il divorzio.

Sebbene dopo siano venute soprattutto produzioni televisive, la ragazza di Pozzuoli non ha mai smesso di ammaliare il mondo. Titoli minori, forse, ma comunque consoni a una signora del cinema che non era più – viva Dio – la ventenne dagli occhi da gatta, ma che comunque testimoniano un’energia e un talento senza tempo. Lo ha dimostrato una storia semplice semplice ma struggente come Qualcosa di biondo nel 1984 oppure l’esilarante commedia That’s Amore con Jack Lemmon e Walter Matthau del 1995. Non ultimo quel La vita davanti a sé del 2020 tratto dal best seller di Romain Gary.

Forse ultima diva tra le dive, in un mondo di influencer scosciate che sfilano immeritatamente sui red carpet. Sul Pianeta Terra non c’è persona, di qualsiasi età, cinefila o meno, che non sappia chi è o chi sia stata Sophia Loren. Perfino quel genio e cerbero di Bob Dylan la celebrò nei suoi versi di I shall be free: Well, my telephone rang it would not stop/ It’s President Kennedy callin’ me up
He said, My friend, Bob, what do we need to make the country row? / I said my friend, John, Brigitte Bardot, Anita Ekberg, Sophia Loren /Country’ll grow.

Aveva ragione Dylan, con Sophia Loren il “Paese – il nostro s’intende – sarebbe cresciuto”. E allora, buon compleanno Sophia!

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Manca ormai poco all’inizio della prima edizione di TERRAE: International Film Festival, che si terrà dal 28 al 30 agosto a Patù, nel Salento. Un evento che celebra il connubio tra le varie discipline con una programmazione ricca, per tre giorni di emozioni e scoperte culturali tra le piccole stradine del borgo. L’obiettivo è quello di far convergere in un unico contenitore culturale tante piccole storie locali dal forte impatto globale. 

In occasione dell’avvio di questo progetto pilota, abbiamo scambiato qualche parola con Daniele Cagnazzo, l’ideatore e direttore artistico del Festival: “L’idea del Festival – ci ha spiegato – nasce dalla voglia di creare un contenitore culturale che potesse in qualche modo racchiudere diversi stili e linguaggi. L’idea di partenza era intrattenere, siamo partiti dal cinema, con delle proiezioni internazionali per cercare di raccogliere storie da diverse parti del mondo”.

Il festival, infatti, presenterà una selezione di film internazionali presentati nelle rassegne più prestigiose, da Cannes a Toronto, mettendo in luce opere di registi emergenti e affermati in tutto il mondo. Ogni proiezione sarà un viaggio cinematografico che esplorerà diverse culture, tematiche sociali e artistiche, offrendo al pubblico un’esperienza unica e coinvolgente. Il festival verte infatti su una serie di tematiche globali che spaziano dall’ambiente e alla crisi climatica fino alla tutela dei diritti umani in ogni forma. 

Uno dei temi cardine di TERRAE è anche quello dell’Overtourism, ovvero il turismo fuori controllo, quello che si riversa in massa in territori non strutturati per sostenerlo adeguatamente. Un tema molto sentito in Salento: “In questo caso, il film di riferimento sarà Magaluf Ghost Town, dello spagnolo Miguel Angel Blanca, dove si parla di questa cittadina delle isole Baleari che durante l’inverno conta poche migliaia di abitanti, mentre d’estate diventa un vero e proprio carnaio”.

Magaluf, tanto per intenderci, è il luogo dove è nata la discussa “disciplina” del balconing, ovvero il saltare da un balcone all’altro o da un balcone dentro una piscina, con tutte le conseguenze – legali e fisiche – del caso. Movida sfrenata, dunque, a discapito di luoghi e persone. Un parallelismo con il Salento, dove nel corso della stagione estiva i piccoli borghi vengono presi d’assalto.

Come dice il nome, TERRAE: International Film Festival parte dal cinema come traino principale, ma affronta altri temi importanti anche con il fotogiornalismo. Saranno allestite mostre dal mondo che porteranno i visitatori in un percorso visivo attraverso storie dal forte impatto emotivo e che documentano la realtà nelle zone più critiche del pianeta, dall’Africa fino in Amazzonia. Queste esposizioni offriranno uno sguardo profondo e autentico su temi attuali, immortalati dagli scatti di Marco Gualazzini, vincitore del World Press Photo 2019, attraverso il progetto Resilient, e di Daniele Cagnazzo stesso, con il progetto Amazonas: “Un mio lavoro a lungo termine dove si parla di resilienza delle comunità indigene verso i soprusi dei Narcos e dei taglialegna, dove si raccontano microstorie per poi sviscerare quello che accade lì con il relativo impatto internazionale che ha quella singola azione”.

Spazio anche alle istallazioni artistiche, con cui artisti locali e nazionali cercheranno di tradurre questi temi in forma concettuale: “Per fare un esempio, un allestimento prevede la sistemazione in un angolo di alcune sedie vuote. Apparentemente non significa nulla, ma in realtà c’è una ragione profonda: La sedia messa fuori d’estate era sinonimo di convivialità, comunione. Ora invece la sedia vuota rappresenta lo spopolamento. Passate le vecchie generazioni, c’è un vuoto demografico e culturale, di tradizioni che si dissolvono”.

Un progetto pilota, questo, che ha visto la partecipazione, oltre a Daniele Cagnazzo, di Jannik Spidboel, Federico Picci, Silvia De Nuccio, Salvatore Coppola, Sandra Sammai e Valentina Picci, reso possibile dal supporto del comune di Patù e alcuni sponsor locali. Un evento che sta generando fermento e che promette di attirare un buon numero di pubblico, sia di residenti, sia di turisti.

“Oltre all’aspetto culturale – conclude Cagnazzo – c’è anche l’intrattenimento, il “dopo festival”: ogni sera un live per creare una situazione di networking, far incontrare i protagonisti del festival con le persone. Concerti di gruppi locali e gastronomia, un’offerta completa per passare una serata all’insegna dell’inclusione”.

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Sarà nel cuore pulsante del Salento, a Patù, in provincia di Lecce, che il cinema, il fotogiornalismo, l’arte e la musica diventeranno ambasciatori di pace e di unione per tre giorni. Dal 28 al 30 agosto si terrà infatti la prima edizione di TERRAE: International Film Festival. Ecco il programma

Un evento imperdibile che celebra il connubio tra le varie discipline con una programmazione ricca, per tre giorni di emozioni e scoperte culturali tra le piccole stradine del borgo. L’obiettivo è quello di far convergere in un unico contenitore culturale tante piccole storie locali dal forte impatto globale. 

Proiezioni di film internazionali

Il festival presenterà una selezione di film internazionali presentati nelle rassegne più prestigiose, da Cannes a Toronto, mettendo in luce opere di registi emergenti e affermati in tutto il mondo. Ogni proiezione sarà un viaggio cinematografico che esplorerà diverse culture, tematiche sociali e artistiche, offrendo al pubblico un’esperienza unica e coinvolgente. Il festival verte infatti su una serie di tematiche globali che spaziano dall’ambiente e alla crisi climatica fino alla tutela dei diritti umani in ogni forma. 

Mostre di fotogiornalismo

In parallelo alle proiezioni, saranno allestite mostre dal mondo del fotogiornalismo che porteranno i visitatori in un percorso visivo attraverso storie dal forte impatto emotivo e che documentano la realtà nelle zone più critiche del pianeta, dall’Africa fino in Amazzonia.  Queste esposizioni offriranno uno sguardo profondo e autentico su temi attuali, immortalati dagli scatti di Marco Gualazzini, vincitore del World Press Photo 2019, attraverso il progetto Resilient, e Daniele Cagnazzo, fotogiornalista di Patù con il suo lavoro in Amazzonia. 

Installazioni artistiche

Gli spazi di Patù si trasformeranno in una galleria a cielo aperto grazie alle installazioni artistiche presenti durante il festival. Opere contemporanee interagiranno con l’architettura storica del luogo, creando un dialogo affascinante tra passato e presente, tradizione e innovazione. 

Dopo Festival – Live Music

Infine, le serate del Terrae Film Festival saranno animate da performance di musica live, che vedranno esibirsi artisti e band provenienti da diversi generi musicali. Questo mix di sonorità renderà ogni serata unica, creando un’atmosfera festosa e coinvolgente per tutti i partecipanti in quello che è già stato definito “il dopofestival”. 

Per saperne di più e scoprire il programma del festival, è possibile visitare i canali social ufficiali (IG @terraefilmfest – FB Terrae – international film festival). Il Festival è completamente gratuito e non prevede ticket d’ingresso.

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