Hugo Pratt, nome d’arte di Ugo Eugenio Prat (1927-1995) è senza dubbio tra le maggiori icone del fumetto non solo in Italia, ma a livello globale. Viaggiatore instancabile, lettore vorace, narratore colto e irregolare, ha attraversato il Novecento riversando sulla carta le sue tante contraddizioni, gli eventi epocali, i suoi eroi e gli antieroi.

Le storie e i fumetti di Pratt sono popolate da avventurieri, soldati disillusi, donne enigmatiche e viandanti senza patria, in un universo narrativo dove il fumetto si è via via affermato sempre più come una nuova forma di letteratura disegnata, delineando uno spazio di libertà in grado di trasformare il tempo storico in immagine. A partire da questo immaginario nella seconda metà degli anni Sessanta è nato anche il personaggio più emblematico in assoluto di Pratt: Corto Maltese.

Un marinaio senza bandiera dallo sguardo vispo e ironico che attraversando mari e rivoluzioni, osserva il mondo senza mai immergervisi e appartenervi del tutto. La sua prima apparizione nel 1967 avvenne tra le pagine di Una ballata del mare salato, un racconto d’avventura pubblicato a episodi, dove i grandi romanzi di autori come Conrad, Melville, Lewis, ma anche Dumas, riecheggiano nelle peripezie di Corto Maltese legato su una zattera che va alla deriva.

Non a caso la prima copertina di Corto Maltese è considerata oggi non solo come un’opera d’arte, ma come un vero e proprio atto fondativo nella storia del fumetto. Corto, legato a una zattera, sospeso tra mare e cielo, entra in scena come una visione, prima ancora che come un eroe, creando un universo poetico che contiene tutto: avventura, ironia, malinconia e senso del destino.

A distanza di quasi sessant’anni quella primissima copertina continua a esercitare una forza magnetica rara, capace di parlare tanto agli appassionati di fumetto quanto ai collezionisti d’arte. Non sorprende quindi che venga oggi presentata come uno dei pezzi più significativi in ambito collezionistico legati all’opera di Hugo Pratt: non solo un documento storico, ma un’opera in grado di ridefinire il linguaggio del fumetto europeo, avvicinando definitivamente la letteratura alle arti visive.

L’occasione per rivederla dal vivo è offerta dall’asta di Finarte del prossimo 18 dicembre, dove la prima copertina di Una ballata del mare salato sarà esposta e proposta al pubblico a partire dalle ore 10.00, dove oltre ad Hugo Pratt, saranno presenti anche oltre 250 opere dei grandi maestri del fumetto del Novecento, tra cui Milo Manara, Guido Crepax, Sergio Zaniboni, Paolo Eleuteri Serpieri, Nick Guerra, Lucio Perrillo, Birago Balzano e molti altri. Un appuntamento che unisce arte e memoria, ponendo al centro una domanda sempre attuale: quando nasce davvero un mito? Forse proprio in quell’istante sospeso, quando un personaggio appare per la prima volta e sembra già destinato a non invecchiare mai.

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Quando si parla dell’arte di Hugo Pratt, c’è sempre un’aura di leggenda, a partire dalla nascita di Corto Maltese. L’iconico marinaio, oggi simbolo del fumetto italiano, prese forma nella seconda metà degli anni Sessanta del secolo scorso, tra il 1967 e il 1969, sulle pagine della rivista Sgt. Kirk con la storia Una ballata del mare salato, in un debutto destinato a segnare per sempre i fumetti d’avventura.

Barba e basette, capelli scomposti e il volto ispirato a quello dell’attore e regista statunitense Burt Lancaster, sono questi i tratti che nel tempo sedimenteranno il mito di Corto Maltese. Un’immagine liminale che oggi torna al centro dell’attenzione a Milano, dove il 18 dicembre Finarte propone un’esposizione inedita, cui seguirà un’asta interamente dedicata al fumetto e all’illustrazione, con oltre 250 opere. Al cuore dell’appuntamento una selezione di sei opere proprio di Hugo Pratt, tra cui la copertina in cui Corto Maltese apparve per la prima volta in assoluto: realizzata per l’edizione primigenia della Ballata, si tratta di un tassello fondamentale non solo della carriera del Maestro di Malamocco, ma dell’immaginario italiano del Novecento.

Oltre a Pratt, una vastissima collezione di opere di altri artisti: dalle seducenti eroine di Milo Manara, sospese tra teatro e desiderio, fino alla storica copertina di Druuna firmata da Paolo Eleuteri Serpieri; dalle scene dedicate alle tribù indiane di Sergio Tisselli, alle copertine di Carlo Jacono, presente con oltre quaranta tavole che riportano ai Gialli Mondadori e a Segretissimo. E poi ancora l’eleganza pulp di Sergio Zaniboni con tre dipinti che immortalano la coppia di Diabolik ed Eva Kant, Guido Crepax con la sua Valentina dal tratto inconfondibile e le figure magnetiche e notturne di Lucio Parrillo.

La geografia dell’asta si allarga anche oltre i confini italiani con l’argentino Enrique Breccia e una storica copertina a olio su tela; Jay Anacleto che rende omaggio alla Elektra di Frank Miller; Marc Silvestri che riporta in scena il suo periodo Image Comics e infine Enric Torres-Prat, presente con tre grandi dipinti a olio dal fascino cinematografico. Un intreccio di genealogie artistiche che restituisce la vitalità del linguaggio visivo.

Il 18 dicembre l’esposizione avrà inizio a partire dalle ore 10.00 presso la sede milanese di Finarte, in Via dei Bossi 2, cui seguirà l’asta dalle ore 15.00. Un appuntamento imperdibile per collezionisti e appassionati di attraversare mezzo secolo di fumetto e illustrazione. Un viaggio che partendo dal volto ruvido e ammiccante del primissimo Corto Maltese, arriva fino alle suggestioni più contemporanee, passando per tutte le metamorfosi che hanno reso il fumetto una lente privilegiata per raccontare il nostro immaginario.

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Paris Photo: esserci è un evento, sempre, ogni anno. La fiera di fotografia più conosciuta in Europa e credo la più famosa al mondo. Francesi, italiani e tanti, americani, giapponesi, neozelandesi, australiani, tedeschi, inglesi, sudamericani, africani, belgi, sudanesi. Paris Photo con un menu di fotografie delle gallerie, degli editori, dei premi, delle mostre, dei collezionisti da stordire chiunque anche il più preparato, colto, appassionato intenditore. Per il secondo anno Paris Photo ha esibito la sua lista nell’accogliente Grand Palais rinnovato dopo anni di febbrili lavori. Uno spazio ampio, bello, funzionale che merito alle organizzatrici, curatrici a tutti fa sentire bene anche quando i corridoi si riempiono di tanta gente. Tanta gente di tutti i tipi, di tante nazioni, di diverse età, vip e non, acquirenti, curiosi, fotografi, amatori, appassionati, amici di amici, genitori e figli, lettori e spettatori.

La direttrice Florence Bourgeois è orgogliosa di aver ben gestito i diversi settori – come quello di Voices, di Émergence, degli editori –  tra i due piani a disposizione ma soprattutto di aver coinvolto Devika Singh, storica dell’arte docente universitaria all’Institut Courtauld di Londra e Nadine Wietlisbach, direttrice del Fotomuseo Winterthur in Svizzera che hanno saputo portare delle proposte inusuali grazie anche a gallerie che non hanno mai partecipato a Paris Photo come alcune venute dal Cairo, da Nuova Delhi o ancora da Dubai.

Un ampio spazio è stato dedicato ad una mostra sull’America Latina, mai realizzata in una tale dimensione, della collezionista newyorchese Estrellita B. Brodsky – lei stessa originaria sud americana – intitolata “The last photo”. Una sessantina di opere dagli anni ’40 ai giorni nostri con autori di fama internazionale come Fernell Franco, Vik Muniz, Leo Matiz ma anche figure della nuova generazione. Florence Bourgeois sostiene che attraverso i progetti che scandiscono il percorso Principale delle gallerie l’intenzione è quella di mostrare che la fotografia non si limita alle edizioni. Più vivo che mai il media fotografico si rinnova costantemente prendendo forme diverse e sempre più sorprendenti: installazioni, video e opere ibride che mescolano diversi media.  Nell’incessante guardare, osservare, leggere didascalie alcuni nomi confortano la conoscenza come Joseph Koudelka, Gordon Parks, Saul Leiter, Julia Margaret Cameron,Helen Levitt, Ishiuchi Miyako, Erwin Olaf, Irving Penn, Robert Frank, Zanele Humoli, Bill Brandt, Edouard Boubat, Paul Graham, Man Ray. Sono nomi di autori e di progetti che creano un intervallo visivo e mentale poiché sedimentati nella nostra memoria.

©Zanele Muholi Mlingana V, District Six, Cape Town, 2025/Yancey Richardson Gallery

Poi al nostro sguardo si aprono immagini nuove. Alcune poetiche come quelle di Sayuri Ishida, Maria Aurelia Reise altre concettuali come quelle di Martha Le Parc o Marisa Gonzales, altre ancora sulla memoria come quelle di Sophie Ristelhueber o sull’identità di Baud Postma, di paesaggio di Mehdi-Georges Lahlou, Jorma Puranen, o quelle sulla famiglia di Nhu Xuan Hua o altre come Sabiha Cimen, Helen Chadwick e ancora di più.

Anna Planas, la direttrice artistica, conferma con i numeri la presenza di 59 nuove gallerie su 179 e 43 editori provenienti da 33 paesi. Le artiste a esporre sono il 39%. Da non dimenticare il progetto “Elles” per Paris Photo che è sostenuto dal 2018 dal Ministero della Cultura per mettere in evidenza le artiste, le donne. Progetto quest’anno affidato a Devrim Bayar, curatrice capo di Kanal-Centre Pompidou, un museo d’arte moderna che si aprirà a Bruxelles nel 2026. Come sostiene Anna Planas: “La presenza di numerosi esperti forgia la nostra identità e costituisce uno statement: affermiamo la nostra volontà di fare di Paris Photo uno spazio di riflessione e di sperimentazione attorno alla fotografia e all’immagine.” Un modello, quello di Paris Photo, nato dalla cultura radicata nella conoscenza – a partire dalla sua nascita – della fotografia, del suo linguaggio e sostenuta con convinzione dal pubblico e dal privato. La Francia è un esempio che conferma anche con i suoi festival di fotografia di saper fare all’interno di un panorama internazionale riuscendo però, sempre, a sostenere artiste, artisti, operatori culturali francesi. 

La fotografia italiana è poco visibile e ahimè anche poco presente nelle collezioni straniere. Credo che non sia necessario dichiarare quali siano le ragioni: ministero della cultura miope, investimenti fragili, scarsa visione imprenditoriale verso l’arte, micro sistema controllato dai soliti nomi. Sono solamente alcune delle innumerevoli ragioni che rendono l’Italia per la cultura fotografica primitiva, provinciale, incapace.  

Fortunatamente si rientra in Italia con una memoria più piena, con piacevoli scambi grazie anche ad incontri imprevisti, con una valigia più pesante di libri e per chi riesce qualche fotografia in più a casa. Au revoir Paris Photo, à l’année prochaine !

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Milano torna ad essere palcoscenico dell’eleganza e della creatività: il 22 settembre, nella sede di Finarte in via dei Bossi 2, andrà in scena un’asta che celebra il genio visionario di Cleto Munari. Designer poliedrico e instancabile sperimentatore, Munari ha saputo trasformare il gioiello in una creazione artistica, capace di intrecciare architettura, design e poesia.

Il catalogo, curato da Clara Arata e Filippo Maria Fiorini Rogai, raccoglie oltre cento lotti tra anelli, collane, bracciali ed earcuff, ciascuno concepito come una vera e propria opera d’arte in miniatura da indossare. Creazioni audaci e ironiche, nate negli anni Ottanta dalla collaborazione con grandi protagonisti del Novecento come Ettore Sottsass, Sandro Chia, Mimmo Paladino, Enzo Cucchi, Gio Ponti, Vico Magistretti e Achille Castiglioni.

Tra i pezzi più iconici spiccano l’Anello Pantheon, in oro e argento, che reinterpreta la maestosità dell’architettura classica; l’Anello Metafisico n.1, con la sua scacchiera sospesa tra onice e pasta di corallo; l’Anello Amore, in argento dorato, che compone la parola più universale con lettere di legno. Accanto a loro, la serie Fantasmini di Sandro Chia, capace di unire leggerezza e ironia, e il pendente Katherine di Tao Ho, piccola scultura moderna, dal segno grafico inconfondibile.

Un invito a riscoprire il valore simbolico e culturale del gioiello: appuntamento per il 22 settembre

L’asta diventa così un viaggio attraverso linguaggi e stili differenti, in cui ogni gioiello è un frammento di storia del design contemporaneo. Non è un caso che molte creazioni di Munari siano custodite nelle collezioni permanenti del MoMA e del Metropolitan Museum of Art di New York: opere che trascendono la funzione ornamentale per trasformarsi in segni di identità e libertà espressiva.

Per i collezionisti e gli appassionati, sarà l’occasione di aggiudicarsi pezzi irripetibili, a metà tra arte e design. Prima della vendita, prevista per lunedì 22 settembre alle ore 16.00, i gioielli saranno esposti dal 15 al 19 settembre nella sede milanese di Finarte, con orario continuato dalle 9 alle 13 e dalle 14 alle 19. Più che un’asta, un invito a riscoprire il valore simbolico e culturale del gioiello: piccole architetture da indossare, nate dalla visione di un artista che ha saputo fare della materia un racconto, e del design un atto poetico.

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“La fotografia e il cinema, conferiscono una specie di immortalità” scrisse una volta il sociologo e filosofo canadese Herbert Marshall McLuhan. La fotografia ha infatti quell’unica e incredibile capacità di catturare gli attimi della vita, di cristallizzarli e renderli eterni, come particelle di un evento, dilatato nel tempo e nella storia. Eppure, se pensiamo ai grandi maestri della fotografia degli ultimi cent’anni, la fotografia italiana non è ancora del tutto nota al grande pubblico sulla scena artistica internazionale.

Proprio per questo motivo Finarte ha deciso di dedicare un intero evento alla scoperta dei maestri della fotografia italiana, dalla fine del XIX secolo ad oggi, con 100 opere di 50 artisti. È questa la cornice attorno a cui si sviluppa la prestigiosa asta “Fotografia: Icone italiane” a Milano, che raccoglie gli scatti che hanno fatto la nostra storia, immortalando attimi di vita quotidiana, grandi cambiamenti storici e trapassi nelle varie epoche, con un focus particolare sui maestri del Novecento, che hanno lasciato significative tracce nel panorama artistico non solo italiano, ma internazionale.

Milano, Piazza del Duomo (1985) scatto di Virgilio Carnisio

Pier Paolo Pasolini (1975) scatto di Dino Pedriali

“Icone italiane” avrà inizio a partire dal 16 giugno, con l’esposizione delle 100 opere, per concludersi il 18 giugno con l’asta finale alle ore 16. Tuttavia, non si tratta di una semplice asta, quanto di un progetto artistico vero e proprio di ampio respiro, curato dal Dipartimento di Fotografia di Finarte con testi critici e biografi del professor Roberto Mutti che sono disposti non in un canonico ordine cronologico e gerarchico, ma bensì in ordine alfabetico, affiancando opere di stili, epoche e quotazioni differenti.

Una preziosa collezione dal sapore vintage, che racchiude atti così diversi e lontani, se paragonati alla frenetica realtà di oggi e del nuovo XXI secolo, tra momenti di quotidiana spensieratezza, ma anche icone chic, eventi storici e personaggi che hanno caratterizzato il Secolo breve.

Tra le macrosezioni tematiche presenti nella collezione alcune fotografie storiche di Federico Fellini e Sofia Loren ad opera di Tazio Secchiaroli; Pier Paolo Pasolini immortalato da Dino Pedriali e Lucio Fontana e Marcel Duchamp negli scatti di Ugo Mulas. Un’altra sezione iconica è poi quella degli scatti di moda, dove spiccano alcuni immagini del grande Oliviero Toscani, scomparso lo scorso anno, oltre a campagne di Dior e Dolce & Gabbana, immortalate rispettivamente da Giovanni Gastel e Ferdinando Scianna, che nella Capitale italiana della moda, non possono mai mancare.

Infine, ampio spazio è stato dedicato anche a vedute rurali, paesaggi naturali e monumenti delle città italiane, tra Milano, Napoli, Palermo e Venezia, con scatti di Mimmo Jodice, Virgilio Carnisio, Carlo Naya, oltre alla punta di diamante dell’asta con l’opera “Negresco mare” di Massimo Vitali, stimata ad un valore di 20-30mila euro. Un’occasione per conoscere i grandi maestri della fotografia italiana, che raccontano di un’Italia sospesa in un malinconico e affascinante passato.

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Nella giornata di domani, venerdì 11 aprile, la sala espositiva della Libreria Claudiana di Milano, in via Francesco Sforza, vedrà l’inizio de “L’approdo – 10 anni di minimalismo spirituale”, la mostra personale di Kuturi che sarà visitabile fino alla giornata di giovedì 24 aprile ed è organizzata in collaborazione con il Centro Culturale Protestante.

L’artista napoletano classe 1960 esporrà 13 icone e 4 tele che rappresentano la summa di dieci anni di elaborazione concettuale e isprazione, suggellato dal richiamo costante al tema della ricerca spirituale, vissuta come viaggio edificante in sé per raggiungere nuovi lidi artistici e concettuali.

L’esposizione è presentata da Artezara, l’atellier dell’Isola fondato dallo stesso Kuturi, al secolo Salvatore Cuturi, nel 2006 e mira a presentare allo spettatore l’impatto di un’esperienza immersiva di contatto con il divino, pienamente personale e indipendente, ponendolo nell’ottica di osservare dal piccolo specchio del proprio osservatorio la complessità del creato che si schiude davanti a sé.

L’arte di Kuturi diventa base per un’elevazione umana e spirituale, promossa attraverso la ricerca stessa del divino. “Sono credente perché ricerco Dio”, ha detto Kuturi in un dialogo con la Chiesa Evangelica Battista di Milano Pinamonte, aggiungendo che “sono convinto che Dio esiste, del resto nessun ricercatore si mette a cercare qualcosa che pensi non esista” e a suo avviso “l’arte è bellezza e sono convinto che la bellezza senza limiti sia una delle strade che possono portare a Dio”. In sostanza, nota Kuturi, “è la bellezza la mia via per trovare Dio”.

Metafora dell’azione creatrice di Kuturi è l’uso degli acidi per creare le cosiddette icone sacre ossidate propria della capacità dell’artista. Un’operazione che ha un fine tanto creativo quanto spirituale perché, ha detto Kuturi, “la ricerca di Dio non è tutta nelle nostre mani, soprattutto non può essere razionale e richiede tempo”, e dunque la creazione delle opere si evolve col tempo, sotto gli occhi stessi dell’artista.

La mostra sarà visitabile a partire dalle 17.30 di domani, quando sarà inaugurata. Proseguirà fino al 24 aprile seguendo gli orari della Libreria Claudiana: lunedì dalle 15 alle 19, da martedì a sabato dalle 9 alle 13 e dalle 15 alle 19. In questa occasione sarà possibile immergersi nell’opera di Kuturi e seguire, passo dopo paso, l’artista in una ricerca che, da processo individuale, diventa emozione collettiva.

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La cantautrice australiana Iyah May ha recentemente attirato l’attenzione dei media per una vicenda legata al suo brano, Karmageddon, uscito a novembre 2024. Il focus non è però la sua musica, quanto la sua decisione di restare fedele ai propri principi.

La sua nuova canzone affronta temi di libertà artistica, censura, conflitti geopolitici e diritto internazionale, e la polemica è stata scatenata in particolare dalla definizione degli eventi in corso a Gaza come genocidio.

Questo, ma anche l’essersi rifiutata di apportare le modifiche richieste al testo, ha portato allo scioglimento del suo contratto con il management musicale che la rappresentava.

Il testo e il suo grido di giustizia

La canzone, descritta dalla stessa artista come “un inno per tutti voi e per chiunque voglia un mondo migliore, un mondo pacifico e che tutte queste orrende e disgustose ingiustizie finiscano”, non è solo una denuncia della violenza a Gaza, ma un manifesto contro l’indifferenza globale.

Si tratta della prima canzone socialmente impegnata dell’artista che in passato ha utilizzato l’R&B per affrontare temi più personali e relazionali. Karmageddon è invece un brano diverso. Sulle note di una canzone pop apparentemente serena, le parole utilizzate dall’artista sono piuttosto affilate. Il testo inizia rappresentando una realtà comune a qualsiasi persona che sui social scrolla reel barcamenandosi tra tragiche notizie e soddisfacente superficialità. “Forse è così che diventa la vita quando le persone sono meno importanti di una linea di profitto”, intona la seconda strofa.

Il ritornello, invece, con un riferimento alla pandemia dice “virus creati dall’uomo, guardate come muoiono milioni di persone. Il più grande profitto della loro vita. Ecco l’inflazione, questo è il vostro premio. Questo è il Karmageddon”. Un messaggio piuttosto chiaro e inequivocabile, con un esplicito rimando alla “cancel culture“.

Il riferimento al genocidio a Gaza arriva quando recita “mentre ci vengono propinate tutte queste distrazioni, i bambini vengono uccisi dalle azioni di Israele”. E poi, in modo più esplicito, “più che una guerra è un genocidio”. Proprio l’uso del termine ha innescato la controversia. Questo termine, fortemente controverso e carico di implicazioni, ha diviso profondamente l’opinione pubblica: c’è chi l’ha lodata per il suo coraggio e chi l’ha criticata per aver utilizzato una retorica considerata divisiva e politicizzata.

Il manager musicale le aveva chiesto esplicitamente di modificare il testo della canzone, definendolo un rischio per la sua carriera. Al suo rifiuto, è seguita la recessione del contratto. Ma come lei stessa ha detto a inizio dicembre in un post su Instagram, ora la canzone è virale, sedicesima canzone più ascoltata nel mondo su iTunes, e i suoi messaggi sono liberi di circolare.

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L’annuncio della cantautrice ha suscitato reazioni contrastanti. Da una parte, molti artisti e attivisti hanno espresso solidarietà, lodando la sua determinazione e il coraggio di affrontare temi così complessi. Alcuni tra i sostenitori hanno anche sottolineato come la sua esperienza metta in luce le difficoltà di coniugare arte e attivismo in un’industria musicale sempre più commerciale e sensibile alle pressioni politiche.

Dall’altra parte, però, non sono mancate le critiche. Alcuni l’hanno accusata di sfruttare un linguaggio incendiario che rischia di polarizzare ulteriormente un conflitto già estremamente complesso. Altri, vicini alle posizioni filoisraeliane, respingono categoricamente la definizione di genocidio, ritenendola inappropriata ma anche offensiva.

Il termine “genocidio” è centrale nella controversia. Secondo il diritto internazionale, un genocidio implica l’intento deliberato di distruggere, in tutto o in parte, un gruppo etnico, religioso o nazionale. La scelta di Iyah May di utilizzare questa parola ha inevitabilmente caricato il suo brano di una valenza politica che va ben oltre l’ambito artistico.

E la libertà artistica?

Non è la prima volta che il mondo della musica e dell’arte si scontra con temi legati al conflitto israelo-palestinese. Artisti, scrittori e musicisti si sono spesso trovati sotto pressione per le loro posizioni, ma il caso di Iyah May si distingue per il modo in cui un’artista indipendente ha deciso di sfidare apertamente le convenzioni e i limiti imposti dall’industria musicale. Senza dubbio, questa mossa le è valsa un discreto successo al momento.

La vicenda solleva una domanda più ampia: fino a che punto un artista può esprimersi liberamente in un contesto sempre più globalizzato e politicamente sensibile? In un settore in cui le case discografiche e i management spesso operano in base a logiche commerciali e politiche, la libertà creativa rischia di diventare un lusso.

Ora che il suo contratto è stato risolto, Iyah May sembra determinata a proseguire come artista indipendente. La cantante ha annunciato che continuerà a lavorare a nuovi progetti musicali, senza rinunciare alla sua voce e al suo messaggio. Il un altro post su Instagram ha ringraziato il suo pubblico con queste parole: “Dire la verità anche quando le forze si rivoltano contro di te è molto più gratificante che mettere a tacere la tua integrità.”.

L’ intera vicenda evidenzia la necessità di un dibattito più ampio su come l’industria musicale affronti le questioni politiche e sociali. Se l’arte deve avere un ruolo nel promuovere il cambiamento, allora deve essere libera di affrontare anche i temi più scomodi, sapere che c’è qualcuno che ancora combatte per i propri ideali invece di soffocarli in nome del successo non può che essere motivo di speranza.

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Abbiamo da poco festeggiato (15 aprile-15 maggio) i 150 anni dalla nascita degli Impressionisti, quel movimento pittorico nato in Francia nella seconda metà dell’Ottocento e che ebbe la sua prima esposizione autogestita nel 1874, al 35 Boulevard des Capucines a Parigi, presso lo studio del fotografo Nadar. 165 furono le opere esposte e 31 gli artisti, tra i quali gli ormai famosissimi Monet, Cézanne, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley e Morisot; grande escluso Manet che, invece, preferì continuare a esporre negli istituzionali Salons, per lui vero «campo di battaglia». Ma la prima mostra della Société Anonyme des Artistes, Peintres, Sculpteurs, Graveurs – come si facevano inizialmente chiamare questi artisti – non ebbe di certo successo: gli spettatori furono circa 3000, la stampa ne parlò poco e, per lo più, in maniera sfavorevole, moltissimi i quadri rimasti invenduti, al punto che ogni artista dovette versare a Nadar una somma per coprire le perdite subite.

In particolare Louis Leroy, critico di Le Charivari, intitolò la sua satirica recensione all’evento “Esposizione degli impressionisti”, nel voler fare il verso al dipinto di Monet Impression: soleil levant (“Impressione: levar del sole”,1872), riuscì invece inconsapevolmente a definire l’identità della Società – ancora – anonima.

Sulla tela, immerso in una foschia azzurra in cui si distinguono a fatica navi attraccate, ciminiere e piccoli pescherecci, il sole albeggia sopra al porto di Le Havre. Quello che è rappresentato è solo un accenno, un’impressione: la superficie della tela si colora di macchie e tocchi, le pennellate sono libere e guizzanti, attente a rendere gli elementi atmosferici e luminosi. Osserverà Kandinsky di fronte ai covoni di fieno di Monet: «Per la prima volta vedevo un quadro. Sentivo confusamente che l’oggetto mancava al quadro. E notavo con stupore e turbamento che il quadro non solo vi prendeva per mano, ma in più imprimeva alla coscienza un marchio indelebile, e che nei momenti sempre più inattesi, lo si vedeva, nei suoi minimi dettagli, ondeggiare di fronte agli occhi».

Una stagione, uno stile si inaugurano quando si crea una nuova prospettiva, un nuovo modo di vedere, un’“operazione oculistica” per adottare una metafora proustiana: «Il mondo, che non è stato creato una volta sola, ma lo è tante volte quante arriva un artista originale, ci appare così diverso dal vecchio». E non c’è dubbio che gli impressionisti seppero offrire alla società moderna uno sguardo totalmente nuovo, rendendo visibile ciò che non avevamo mai visto prima. Nessuno di loro elaborò mai teorie artistiche o manifesti poetici, ma ciascuno mantenne intatta la propria individualità.

Il sodalizio tra questi artisti consisteva in una novità non tanto sui soggetti, quanto sulle loro modalità di rappresentazione. Per cui, in accordo con i contemporanei realisti, anche gli impressionisti erano interessati alla resa del vero: non esiste un soggetto più degno di un altro, anzi, è proprio nella vita quotidiana che troviamo la realtà delle cose. La vita moderna parigina viene rappresentata in tutte le sue contraddizioni, attraverso aspetti più ludici, come nel Ballo al Moulin de la Galette di Renoir, ma anche in quelli più degradanti, quali alcol e povertà, come testimoniano i bevitori di assenzio di Degas.

Dalla pittura impressionista, così naturalistica e antiaccademica, nacquero anche numerosi studi sul movimento, sulla luce naturale e sul colore – seguendo l’insegnamento dei maestri italiani e spagnoli, Giorgione e Tiziano, Velàzquez e Goya; ma anche sui quali si basarono gli esperimenti delle avanguardie artistiche del primo Novecento.

Secondo una consuetudine appresa dalla scuola di Barbizon (in questa località francese si sviluppò infatti una corrente paesaggista del realismo), gli impressionisti ebbero una spiccata propensione per la pittura en plein air, all’aperto, che consentiva loro di osservare il mondo così com’è, provando quindi a fissare le variazioni della luce con i suoi riverberi, nonché i relativi cambiamenti cromatici.

Annotava lo scrittore Guy de Maupassant nel 1886: «Ho seguito in più occasioni Claude Monet alla ricerca di impressioni. In verità non è più un pittore, ma un cacciatore. Se ne andava seguito da dei ragazzi che portavano le sue tele, cinque o sei tele che avevano lo stesso soggetto a delle ore diverse e con degli effetti differenti. Lui le riprendeva e le lasciava a turno, seguendo i cambiamenti del cielo. E l’artista di fronte al soggetto aspettava, spiava il sole e le ombre, coglieva con qualche colpo di pennello il raggio di sole che cade o la nuvola che passa e, sdegnando il falso e il convenzionale, li stendeva sulla tela con destrezza».

Nel titanico tentativo di fermare la vita nel suo divenire, le oltre cinquanta Cattedrali di Monet dovrebbero essere considerate una sola opera, tant’è che nell’esposizione del 1895 presso la Galleria Durand-Ruel di Parigi (per molti anni l’unica che si occupò degli impressionisti) l’artista vietò di mettere in vendita i singoli esemplari. E non fu da meno Pissarro, con i suoi dipinti dei vari boulevards fotografati nei differenti momenti della giornata.

Ma a irrompere tra queste immagini di paesaggi naturali c’è la modernità che, inarrestabile, fa il suo capolino: così il nostro Monet non può fare a meno di rappresentare la stazione di Saint-Lazare con l’innovativa struttura in vetro e ghisa, immersa in una densa atmosfera di fumo. Siamo al momento della partenza e, pittoricamente, se ne avverte quasi il rumore: lo sferragliamento del treno, il vociare dei viaggiatori, piccolissimi rispetto alla banchina, mentre sul fondo si ergono gli eleganti palazzi parigini.

In occasione dell’importante anniversario sono stati numerosissimi i musei che hanno voluto rendere omaggio agli impressionisti, sviluppando ognuno un aspetto diverso di questo variegato gruppo. Tra le numerose esposizioni che si sono susseguite in Francia, la più importante è stata sicuramente quella del Museo d’Orsay di Parigi – dove peraltro sono conservate la maggior parte delle opere impressioniste –: Paris 1874, inventer l’impressionnisme (Parigi 1874. Inventare l’Impressionismo) dal 26 marzo al 14 luglio 2024, in cui, tra le 130 esposte, i visitatori hanno riscoperto una selezione di opere presenti nella mostra pionieristica del 1874 e hanno ripercorso il racconto dalle origini del movimento. L’esposizione si è tenuta in collaborazione con il Musée de l’Orangerie e la National Gallery di Washington.

Simile il percorso proposto dal Museo Storico della Fanteria di Roma (30 marzo-28 luglio 2024) e organizzato con il supporto del comitato scientifico diretto da Vittorio Sgarbi. L’esposizione aveva già animato Mastio della Cittadella a Torino nella primavera del 2023, ripercorrendo la storia del movimento impressionista con dipinti, acquarelli, sculture e ceramiche. Ma ciò che ha reso particolare la mostra capitolina sono stati i bozzetti e le litografie che hanno posto l’attenzione sulle tecniche sperimentali adottate da questi artisti nel campo di disegno, stampa e incisione.

New York, invece, ha reso omaggio al movimento nelle sale del Met Museum (24 settembre 2023-7 gennaio 2024), con una mostra dal titolo Manet/Degas, esaminando in più di 160 dipinti uno dei dialoghi artistici maggiormente significativi: quello tra Édouard Manet (1832-1883) ed Edgar Degas (1834-1917). Le loro opere sono state presentate al pubblico una in confronto all’altra, sottolineando la differenza e l’originalità con cui i due hanno trattato le stesse materie.

Claude Monet (1840-1926), invece, è stato protagonista fino al 4 agosto 2024 di una mostra a Padova, presso il Centro Culturale Altinate San Gaetano. Il padre dell’impressionismo è stato raccontato in oltre 50 opere tra cui le famose Ninfee, gli Iris e i Paesaggi londinesi.

Mentre, Milano, nelle sale di Palazzo Reale (19 marzo-30 giugno 2024) ha presentato la mostra Cézanne/Renoir. Capolavori dal Musée de l’Orangerie e dal Musée d’Orsay, incentrata sul rapporto tra Paul Cézanne (1839-1906) e Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

È stata inaugurata il 1^ settembre e rimarrà in mostra fino al 15 dicembre 2024 alla Fondazione Magnani-Rocca di Mamiano di Traversetolo (Parma) il dipinto La Promenade (1870) di Renoir, un prestito del J. Paul Getty Museum di Los Angeles. Una prima assoluta in Italia per uno dei quadri più affascinanti dell’artista francese, e che anticipa la rivoluzione impressionista. L’opera sarà affiancata da altre due dello stesso Renoir e da dipinti di Cezanne e Monet.

Rimaniamo in attesa della mostra programmata dal 22 novembre 2024 al 4 maggio 2025 presso il Museo degli Innocenti di Firenze: Impressionisti in Normandia. Monet, Bonnard, Corot, Courbet, che promette di raccontare come per questi artisti la natura normanna incarnò la gioia di dipingere all’aria aperta, sperimentando nuove armonie di luce e colore. Oltre che un tour tra gli incantevoli paesaggi della regione, l’esposizione – organizzata da Arthemisia – rifletterà sulla trama di scambi, confronti e collaborazioni che ne fecero uno dei luoghi chiave per la storia dell’impressionismo.

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Sarà nel cuore pulsante del Salento, a Patù, in provincia di Lecce, che il cinema, il fotogiornalismo, l’arte e la musica diventeranno ambasciatori di pace e di unione per tre giorni. Dal 28 al 30 agosto si terrà infatti la prima edizione di TERRAE: International Film Festival. Ecco il programma

Un evento imperdibile che celebra il connubio tra le varie discipline con una programmazione ricca, per tre giorni di emozioni e scoperte culturali tra le piccole stradine del borgo. L’obiettivo è quello di far convergere in un unico contenitore culturale tante piccole storie locali dal forte impatto globale. 

Proiezioni di film internazionali

Il festival presenterà una selezione di film internazionali presentati nelle rassegne più prestigiose, da Cannes a Toronto, mettendo in luce opere di registi emergenti e affermati in tutto il mondo. Ogni proiezione sarà un viaggio cinematografico che esplorerà diverse culture, tematiche sociali e artistiche, offrendo al pubblico un’esperienza unica e coinvolgente. Il festival verte infatti su una serie di tematiche globali che spaziano dall’ambiente e alla crisi climatica fino alla tutela dei diritti umani in ogni forma. 

Mostre di fotogiornalismo

In parallelo alle proiezioni, saranno allestite mostre dal mondo del fotogiornalismo che porteranno i visitatori in un percorso visivo attraverso storie dal forte impatto emotivo e che documentano la realtà nelle zone più critiche del pianeta, dall’Africa fino in Amazzonia.  Queste esposizioni offriranno uno sguardo profondo e autentico su temi attuali, immortalati dagli scatti di Marco Gualazzini, vincitore del World Press Photo 2019, attraverso il progetto Resilient, e Daniele Cagnazzo, fotogiornalista di Patù con il suo lavoro in Amazzonia. 

Installazioni artistiche

Gli spazi di Patù si trasformeranno in una galleria a cielo aperto grazie alle installazioni artistiche presenti durante il festival. Opere contemporanee interagiranno con l’architettura storica del luogo, creando un dialogo affascinante tra passato e presente, tradizione e innovazione. 

Dopo Festival – Live Music

Infine, le serate del Terrae Film Festival saranno animate da performance di musica live, che vedranno esibirsi artisti e band provenienti da diversi generi musicali. Questo mix di sonorità renderà ogni serata unica, creando un’atmosfera festosa e coinvolgente per tutti i partecipanti in quello che è già stato definito “il dopofestival”. 

Per saperne di più e scoprire il programma del festival, è possibile visitare i canali social ufficiali (IG @terraefilmfest – FB Terrae – international film festival). Il Festival è completamente gratuito e non prevede ticket d’ingresso.

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L’arte asiatica contemporanea, la stessa che negli anni Novanta non riusciva ad emergere, schiacciata com’era da ben altre tendenze provenienti da Occidente, oggi si trova sulla cresta dell’onda. I collezionisti e i musei di tutto il mondo fanno a gara per accaparrarsi opere e pezzi fino a poco fa letteralmente ignorati. Cinesi, giapponesi, coreani, indiani, indonesiani e tanti altri artisti dell’Asia emergente: i loro lavori, la stragrande maggioranza dei quali ignorata alle nostre latitudini, stanno raggiungendo prezzi elevatissimi a causa di una domanda in continua crescita.

Non è un caso che nell’ultimo ventennio il valore delle vendite all’asta di questo tipo di arte sia aumentata di 25 volte, arrivando a toccare i 2,3 miliardi di dollari (al giugno 2023). Un esempio? Un dipinto satirico dell’artista cinese Fang Lijun, acquistata nel 1996 per 89mila dollari dal Museo d’Arte Asiatica di Fukuoka, in Giappone, viene adesso valutato poco meno di 7 milioni di dollari. L’opera, che rappresenta le facce di decine di uomini stilizzati con sorrisi simili e che simboleggia la situazione sociale della Cina, è un potente riflesso dei tempi, nonché testimonianza della completa affermazione dell’arte contemporanea asiatica.

L’arte contemporanea rinasce in Asia

Ad alimentare questo mercato dorato troviamo una combinazione formata da giovani artisti asiatici di talento e altrettanto giovani collezionisti e mecenati figli del miracolo economico della nuova Asia. La dinamica che ha consentito questo particolare fenomeno non è difficile da spiegare. Innanzitutto i collezionisti e i mecenati, ovvero coloro che indirizzano la domanda e alimentano i prezzi attraverso gli acquisti, hanno dirottato l’attenzione verso una gamma più diversificata di artisti e soggetti. Risultato: i tradizionali valori artistici occidentali sono stati così affiancati a tendenze made in Asia.

Di pari passo, le economie dei Paesi asiatici si sono sviluppate, consentendo a molte persone – artisti compresi – di studiare all’estero e incorporare mode, stili e avanguardie. In Asia hanno così preso forma, da un lato, gruppi di ricchi rampolli desiderosi di investire ovunque – mondo artistico compreso – dall’altro schiere giovani artisti ben felici di esprimere le proprie sensibilità, fondendo i loro background culturali con quanto appreso durante i soggiorni lontani da casa.

Insomma, mentre i mecenati asiatici 2.0, per lo più millennials e appartenenti alla Generazione Z, stanno dominando la scena artistica globale spendendo fiumi di denaro e rimodellando il tipo di arte collezionata, nuovi artisti occupano il centro della scena. Sono loro a dettare le “regole” del mercato.

Mecenatismo 2.0

Secondo l’Art Basel & UBS Survey of Global Collecting 2023, la spesa media per l’arte e l’antiquariato dei millennial high-net-worth in Asia è stata di 59.785 dollari, mentre gli appartenenti alla citata Generazione Z hanno speso circa 56mila dollari, in questi stessi settori, soltanto nella prima metà del 2023. Entrambe le categorie stanno diversificando i rispettivi portafogli, allontanandosi dalle preferenze più classiche. I Millennials, per esempio, sono attratti da sculture, installazioni, fotografia e arte cinematografica o video; i “Gen Zers” mostrano invece una forte inclinazione verso l’arte digitale e le stampe.

In mezzo a questi cambiamenti, le società d’asta mirano a catturare la domanda da tutta l’Asia. Non è un caso che Sotheby’s si trasferirà ed espanderà le sue attività a Hong Kong entro settembre 2024. A livello di singolo Paese, la Cina ha rappresentato il 32% delle vendite all’asta globali fino allo scorso giugno, avvicinandosi agli Stati Uniti, il più grande mercato per l’arte contemporanea. Il Giappone rappresenta meno del 2% del mercato dell’arte contemporanea, ma il suo potenziale è innegabile. Il fatturato dell’asta d’arte giapponese SBI ha raggiunto i 5,2 miliardi di yen nel 2023, più che decuplicando rispetto a un decennio prima, con il 60% degli offerenti di età pari o inferiore ai 40 anni. Intanto, dal Vietnam all’Indonesia, altri Paesi asiatici sono pronti a farsi avanti.  

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