E’ proprio vero che bisogna girare il mondo per conoscerlo a fondo e visionare storie, comunità, culture, riti, drammi e tanto altro.   A tal proposito, e fortemente educativa, è la mostra aperta al pubblico, visitabile fino al 6 settembre 2026, che si tiene al Museum Rietberg di Zurigo Quasi un paradiso. Fotografia dell’era coloniale nell’arte contemporanea, una mostra collettiva di artisti di fama internazionale provenienti o appartenenti alle diaspore di Africa, Americhe, Asia, Australia e Oceania che lavorano con materiale visivo dell’era coloniale per raccontare quali storie sono nascoste nelle fotografie storiche e in che modo gli artisti contemporanei le hanno portate alla luce. 

Artisti in mostra. Sammy Baloji, Raphaël Barontini, Mary Enoch Elizabeth Baxter, Daniel Boyd, Andrea Chung,Omar Victor Diop & Lee Shulman, Sasha Huber, Yuki Kihara, Cédric Kouamé, Dinh Q. Lê, Dimakatso Mathopa, Tuli Mekondjo, Tshepiso Moropa, Aline Motta, Frida Orupabo, Rosana Paulino, Wendy Red Star, David Shongo, Zenaéca Singh.

Le loro opere – poetiche, critiche, visionarie – indagano come tali immagini definiscano identità, storia, senso di appartenenza e come possano essere reinterpretate. Queste opere rivelano un potere di guarigione che trascende i contesti storici specifici e che può toccare ciascuno di noi.

Venti artisti rinomati esplorano lo stato attuale di questo patrimonio fotografico attraverso quattro sezioni tematiche, agendo come archivisti, come contro-sguardo al punto di vista coloniale, come forze protettive e come potenti narratori che danno spazio a storie nascoste. Composte da fotografie, tessuti, film e sculture, le loro opere espandono i confini del medium fotografico e intrecciano domande legate alla propria identità e alle memorie collettive. Ciò che le accomuna è un atteggiamento di speranza: la memoria rimane fluida e capace di resistere. Emerge così un cosmo visionario di immagini che sovverte le narrazioni familiari e mette in luce storie non raccontate. Cosa accadrebbe se questi mondi visivi diventassero reali? Possiamo ritrovare un tipo di paradiso quando la storia viene raccontata in polifonia? E quale potere esercitano le immagini che vediamo ogni giorno, prima ancora che iniziamo a interrogarle?

Ecco le quattro sezioni tematiche.

MUTAZIONI

Sono state scattate milioni di fotografie dall’invenzione del mezzo, ma questa eredità rimane distribuita in modo diseguale. In molti luoghi al di fuori dell’Europa, mancano fotografie che documentino il passato delle comunità, offrendo risposte sulle loro origini, memorie, appartenenze. Senza fotografie, una parte della loro storia rimane nascosta. Nella prima sezione della mostra, gli artisti reagiscono a questa assenza creando i propri archivi. Le loro opere rendono visibile ciò che è stato tramandato – e ciò che è andato perduto.

Artisti selezionati

Dinh Q. Lê (1968–2024, Vietnam). Cercando nei mercatini di Ho Chi Minh City le fotografie perdute della propria famiglia, ha scoperto migliaia di immagini appartenute a famiglie costrette alla fuga. In Crossing the Farther Shore, intreccia queste fotografie in grandi strutture cubiche che restituiscono un volto alle storie raramente raccontate della vita quotidiana nel Vietnam del Sud prima della guerra.

Rosana Paulino (nata 1967, Brasile) denuncia la mancanza di documentazione visiva delle persone nere nella memoria culturale brasiliana. La sua opera monumentale Parede da Memória (Muro della Memoria) ripete gli stessi undici ritratti 750 volte, rendendo impossibile ignorare le lacune della memoria collettiva.

Cédric Kouamé (nato 1992, Costa d’Avorio). Con The Gifted Mold Archive, esplora la materialità della fotografia. La mancanza di misure di conservazione in Costa d’Avorio ha fatto sì che molte fotografie si deteriorassero: questa decomposizione genera nuove composizioni e spazi inattesi per l’interpretazione.

CONFRONTO

La colonizzazione si è sviluppata parallelamente alla diffusione della fotografia in tutto il mondo. La macchina fotografica ha agito come uno strumento capace di rappresentare i popoli colonizzati come “altri”, come diversi. Queste immagini furono riprodotte in massa in riviste e cartoline, diventando parte integrante della nostra memoria visiva collettiva. Ma le immagini non si limitano a plasmare il modo in cui vediamo il mondo: stabiliscono anche ciò che crediamo di essere. Gli artisti presentati nella seconda sezione della mostra traggono forza e resistenza proprio da questi stereotipi coloniali. Cercano fotografie del passato, le decostruiscono e danno loro nuovi significati, reinterpretando ciò che era stato imposto come verità visiva.

Artisti selezionati

Wendy Red Star (1981, USA). Nella serie Four Seasons, prende di mira con ironia e precisione le fotografie storiche dei nativi nordamericani. I suoi autoritratti messi in scena deridono l’idea romantica secondo cui gli indigeni vivessero in perfetta armonia con la natura: lo fa utilizzando paesaggi artificiali, fiori di plastica, erba sintetica e animali gonfiabili.

Omar Victor Diop (1980, Senegal). Nel progetto Being There (in collaborazione con Lee Shulman, 1973, Regno Unito), si inserisce retroattivamente in scene della vita quotidiana della popolazione bianca degli Stati Uniti degli anni ’50 e ’60. Con naturale sicurezza, appare in situazioni da cui, come uomo nero, sarebbe stato escluso a causa della segregazione razziale.

Yuki Kihara (1975, Samoa). Nel video First Impressions: Paul Gauguin, crea una satira in stile talk show. I partecipanti discutono in modo irriverente i dipinti tahitiani di Paul Gauguin, affrontando le sue rappresentazioni stereotipate del genere e sviluppando letture queer che ribaltano l’iconografia del pittore.

CURA

Nel corso del tempo, le fotografie storiche hanno spesso mostrato ingiustizie. In tutto il mondo, la macchina fotografica ha documentato lo sfruttamento dei corpi e della terra. Gli artisti della terza sezione reagiscono a queste immagini storiche con una forma di empatia radicale. Intervengono nelle fotografie, cercando di proteggere coloro che hanno subito ingiustizie davanti – e oltre – l’obiettivo. Queste opere ci ricordano che il passato non è davvero passato: le sue eco sono ancora avvertibili nel presente.

Artisti selezionati

Sasha Huber (1975, Svizzera). Mostra come le fotografie storiche possano essere “rammendate” nella serie Tailoring Freedom. Con un gesto di cura furiosa, utilizza una graffettatrice per intervenire sulle immagini realizzate dal naturalista svizzero-americano Louis Agassiz, che nel 1850 fece fotografare persone schiavizzate nude nel tentativo di sostenere la sua teoria della “gerarchia delle razze”. Le graffette perforano l’immagine, creando un’armatura che protegge i soggetti rappresentati, sottraendoli allo sguardo colonialista.

Nel 1882, il pittore e fotografo statunitense Thomas Eakins realizzò fotografie di una bambina nera nuda. Oggi, queste immagini rivelano quanto i corpi dei bambini neri fossero sessualizzati e oggettificati. Mary Enoch Elizabeth Baxter (1981, USA). Interviene in quel momento fotografico, utilizzando il proprio corpo come uno scudo protettivo per la bambina.

Zenaéca Singh (2000, Sudafrica). I suoi antenati furono condotti dall’India alla colonia di Natal (attuale Sudafrica) come lavoratori a contratto nelle piantagioni di zucchero. Per Singh, lo zucchero non è solo un soggetto artistico: è una materia viva della memoria familiare. Incorpora le fotografie della sua famiglia nel vetro di zucchero, creando immagini fragili e luminose che invitano a uno sguardo intimo sulla propria storia.

IN THE PHOTO FANTASTIC

Le lacune nella storia scritta, le fratture nella propria biografia o le informazioni mancanti sulle persone raffigurate costituiscono il punto di partenza della sezione finale della mostra. Qui, gli artisti si basano sui metodi della critical fabulation sviluppati da Saidiya Hartman, in cui i vuoti della storia vengono colmati attraverso modalità immaginative. Gli artisti si dedicano a questa pratica visiva speculativa, che si costruisce a partire da frammenti storici, dando origine a scene in cui memoria e fantasia si intrecciano. Le figure rappresentate assumono nuovi ruoli, voci e identità. Gli artisti riescono così a liberare tali figure e a condurle in uno spazio ricco di possibilità, dove passato, presente e futuro si mescolano e dove, per un momento, il paradiso sembra a portata di mano.

Artisti selezionati

Raphaël Barontini (1984, Francia). La sua arte è popolata da eroine che la storia ha ignorato. La sua ultima opera è basata su Nobosudru, una donna proveniente dall’attuale Repubblica Democratica del Congo, il cui ritratto fu scattato durante un viaggio in Africa organizzato da Citroën nel 1924–25. In Europa, la sua immagine divenne un simbolo della figura della “donna africana”. Barontini immagina quell’incontro dal punto di vista di Nobosudru, invertendo lo sguardo coloniale. Non più soggetto passivo della rappresentazione, ma autrice della propria storia.

Andrea Chung (1978, USA). Rielabora il mito afrofuturista di Drexciya, secondo cui le donne africane incinte, gettate in mare dalle navi negriere, avrebbero dato alla luce bambini capaci di vivere sott’acqua. Questi bambini avrebbero fondato un regno sottomarino paradisiaco, dove il trauma della schiavitù si trasforma in una storia di sopravvivenza, resistenza e futurismo nero. Chung immagina un museo per gli abitanti di Drexciya. Nelle sue opere compaiono i volti di donne nere tratti da fotografie storiche della collezione del Museo Rietberg, restituendo loro nuova visibilità.

FOTOGRAFIE STORICHE

Il Museum Rietberg custodisce una vasta collezione di fotografie scattate in Africa e in Asia tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Tra queste vi sono documentazioni visive etnografiche e coloniali, nonché fotografie di studio realizzate da fotografi africani e asiatici. Queste fotografie costituiscono un sottile filo conduttore che attraversa tutte le sezioni della mostra e, nelle loro nuove opere, gli artisti vi hanno attinto per rendere visibili i messaggi nascosti in queste immagini.

Un film prodotto per una parte della mostra presenta le domande sollevate, le prospettive aperte e le interpretazioni offerte da questa collezione. Cattura momenti chiave di un workshop tenutosi presso il Museum Rietberg alla fine di marzo 2025, durante il quale artisti, ricercatori e curatori hanno studiato e lavorato insieme sulla collezione fotografica del museo.

In questo spazio, i visitatori sono inoltre invitati a riflettere sulle proprie fotografie. Che cosa possono dirci le immagini sulla nostra storia e sui nostri ricordi? In che modo la nostra capacità di ricordare è influenzata dall’osservazione delle fotografie? Cittadini di Zurigo ci hanno permesso di dare uno sguardo ai loro album fotografici personali, condividendo con noi le loro storie. Questi archivi visivi personali crescono nel corso della mostra, creando un nuovo spazio di polifonia visiva.

Rietberg Museum

Il Museo Rietberg di Zurigo è uno dei più grandi musei d’arte della Svizzera. È dedicato all’arte delle culture tradizionali e contemporanee di Asia, Africa, America e Oceania. Le collezioni del museo comprendono 32.600 oggetti e 49.000 fotografie. Gli oggetti sono in gran parte accessibili nelle sale del museo e nel deposito aperto al pubblico. Le attività del Museo Rietberg sono caratterizzate da un alto livello di professionalità, inclusione e diversità e si rivolgono a un pubblico locale e internazionale. Il museo testimonia il legame della città di Zurigo con le culture del mondo e sensibilizza i singoli risultati artistici e la diversità religiosa e sociale. In questo modo, svolge un’importante missione culturale in un mondo sempre più globalizzato.

Le collezioni di fama internazionale costituiscono la base di tutte le attività del museo e ne determinano la reputazione. Le opere richiedono una ricerca scientifica continua, compresa la ricerca sulla provenienza, rispetto alla quale il museo mantiene un approccio trasparente: i risultati della ricerca, sono ampiamente accessibili online e i curatori a disposizione per ogni domanda o chiarimento. Il Museo Rietberg è connesso a una rete di esperti nei vari settori culturali e a istituzioni culturali e collezionisti, sia a livello locale che internazionale. Nel dialogo con i Paesi d’origine, si concentra su collaborazioni a lungo termine, ad esempio, in Camerun, Perù, India e Pakistan. Il museo organizza due o tre grandi mostre temporanee all’anno, integrate da tre o quattro mostre più piccole che attingono alle sue collezioni interne. Le mostre temporanee sono prodotte talvolta all’interno del Museo e in altre occasioni sono il frutto di collaborazioni internazionali con musei e istituzioni dei Paesi d’origine e vogliono promuovere le culture extraeuropee e l’idea di tolleranza, dando così un esempio del cosmopolitismo della città di Zurigo.

Il programma di edutainment del museo offre un’ampia gamma di attività ludiche ed educative con visite guidate, conferenze e laboratori, per il pubblico in generale, per i più piccoli come pure per gruppi, per professionisti, studenti o insegnanti. Uno dei compiti del museo è la conservazione e la manutenzione del complesso storico del Rietberg – una combinazione unica di arte extraeuropea (mostre e attività museali), storia locale (Villa Wesendonck, Park-Villa Rieter, Villa Schönberg), architettura contemporanea (lo Smaragd degli architetti Krischanitz/Grazioli e il padiglione estivo di Shigeru Ban) e la natura del parco da preservare.

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In occasione della dodicesima edizione di gARTen, il Parco di Villa Rovere a Correggio (RE) ospita I Nascosti, video-installazione di Valentina Tamborra. L’autrice, più volte premiata per il suo lavoro di ricerca, presenta una nuova declinazione del progetto I Nascosti utilizzando la videoinstallazione per comporre un racconto corale: un viaggio fotografico e narrativo nel cuore dell’Artico, che racconta il legame profondo tra il popolo Sami – ultimo popolo indigeno d’Europa – e la natura artica.

Realizzata in collaborazione con l’artista visuale e musicista Diego Ronzio, l’opera trova spazio all’interno della storica ghiacciaia, sita al centro del bosco di noccioli, riconvertita a luogo d’arte e cultura. Attraverso volti, testimonianze e paesaggi del Finnmark, la video-installazione accompagna il visitatore lungo il confine più settentrionale della Norvegia, da Tromsø a Capo Nord, restituendo la relazione profonda che lega il popolo Sami al territorio artico.

Le voci raccolte nel corso del viaggio si fondono agli joik, l’antica forma di canto tradizionale Sami, e ai suoni del tamburo sciamanico: elementi spirituali e identitari che per secoli sono stati repressi dai processi di cristianizzazione e di assimilazione culturale imposti dallo Stato norvegese. E proprio da una riflessione sul periodo della cristianizzazione parte il racconto: è la voce della nota attrice Federica Fracassi a leggere la Genesi secondo i sami, all’inizio dell’opera.

Tra immagini, suoni, luce e silenzi, I Nascosti costruisce così una riflessione sul rapporto tra appartenenza, paesaggio e memoria collettiva. «Sono arrivata oltre il Circolo polare artico, nel Finnmark, per ascoltare la storia di chi per troppo tempo non ha avuto voce. Oggi provo a restituirla attraverso volti, parole, immagini, e non so se riuscirò a farlo nel modo migliore perché parlare delle storie altrui è complesso, ci si sente sempre in qualche modo inadeguati. C’è qualcosa però che mi fa sentire di poterci provare: vengo da un confine io stessa, ho imparato ben presto cosa significa stare ai margini», dichiara Valentina Tamborra.

Il progetto editoriale I Nascosti di Valentina Tamborra (Minimum Fax, 2024, con un testo di William T. Vollmann), vincitore del Premio Amato Lamberti per la Responsabilità Sociale 2025, nella categoria Diritti Umani, e finalista al Premio Editoriale Mariæ Nivis 1567, è parte di un percorso di incontro e conoscenza delle popolazioni che vivono l’Artico e che è partito dalle Isole Svalbard, con il progetto “Mi Tular – io sono il confine”, seguito da “Skrei il viaggio”, alle Lofoten e infine fra i Sami, nel Finnmark 

La Ghiacciaia di Villa Rovere è visitabile liberamente il 6 e 7 giugno con orario 11:00 o nell’ambito delle visite guidate organizzate alla Villa e al giardino. Per informazioni: info.ideedigomma@gmail.com

Valentina Tamborra è nata a Milano, dove vive e lavora. Fotografa e giornalista, si occupa di reportage e di ritratto e nel suo lavoro unisce scrittura e immagine. Insegna all’Istituto Italiano di Fotografia a e tiene lezioni presso lo IED, la Naba, Scuola Holden. Ha collaborato e collabora con realtà umanitarie come AMREF, Medici Senza Frontiere, Emergenza Sorrisi e Croce Rossa Italiana. I suoi progetti sono stati oggetto di mostre a Milano, Roma, Venezia e Napoli. Nel 2018, ha vinto il Premio AIF Nuova Fotografia. I Nascosti è il terzo capitolo di una trilogia sull’Artico della quale fa parte il progetto Skrei: il viaggio (Silvana Editoriale 2020) e “Mi Tular – io sono il confine”. Per approfondimenti: www.valentinatamborra.com, dove è possibile iscriversi alla sua newsletter (sezione contatti)

La dodicesima edizione di gARTen,per il secondo anno nella versione di “spazi in divenire”, si terrà il 6 e il 7 giugno 2026 nel parco di Villa Rovere (Via San Martino 3, Correggio) con orario 11.00-00:00 (ultimi ingressi 23:30) Nel suo nuovo formato, il festival si accompagna per due giorni a bazART handmade market organizzato dalla stessa associazione idee di gomma. Oltre al selezionato bouquet di artigiani che espongono, il parco si animerà di corsi creativi, momenti di riflessione, visite guidate storico-artistiche e botaniche, letture e atelier fotografici. Per informazioni: https://infoideedigomma.wixsite.com/idg-web/copia-di-bazart-garten-2025.

VALENTINA TAMBORRA. I Nascosti

Video-istallazione realizzata in collaborazione con Diego Ronzio

Con la partecipazione di Federica Fracassi

Parco di Villa Rovere, Ghiacciaia

Via San Martino 3, Correggio (RE)

6-7 giugno 2026

Orari: 11.00-23:30

Visite guidate storico-artistiche e botaniche su prenotazione: https://infoideedigomma.wixsite.com/idg-web/copia-di-bazart-garten-2025

Ingresso gratuito – offerta libera

INFORMAZIONI:

Associazione culturale idee di gomma

Mail info.ideedigomma@gmail.com

Sito  https://infoideedigomma.wixsite.com/idg-web

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Fondata nel 1959 dal milanese Gian Marco Manusardi e oggi attiva tra Milano, Roma e Sarzana, Finarte è una delle realtà storiche più rilevanti del mercato dell’arte italiano. Nata con l’obiettivo di accompagnare collezionisti e operatori nell’acquisto e nella vendita di opere d’arte e oggetti preziosi, nel tempo si è affermata come punto di riferimento anche per coloro che guardano all’arte non solo come oggetto di prestigio, ma come esperienza culturale vera e propria.

Antiquariato, arte moderna, gioielli, ma anche design, fotografia, libri, stampe e grafiche, sono solo alcune delle aree in cui Finarte opera oggi. Eppure, osservando da vicino dietro al sipario di vendite e cataloghi emerge con chiarezza un altro dato significativo ma forse poco evidenziato: gran parte del team e della struttura portante dell’azienda è segnata dalla componente femminile. Tuttavia, non si tratta di una scelta programmatica, quanto piuttosto di un’evoluzione naturale: competenze, studio, visione e capacità relazionale hanno costruito una squadra in cui oggi, molte delle posizioni chiave sono occupate da donne.

Una presenza significativa, che non sminuisce le posizioni maschili o ridefinisce gerarchie, ma contribuisce a renderle più articolate. Non un manifesto, né una presa di posizione di genere, ma piuttosto il risultato di un processo che segue una logica semplice, ma anche rigorosa: quella della qualità. Un valore è determinato dalla capacità di operare in un mercato complesso e altamente specializzato come quello dell’arte. È proprio questo equilibrio a definire oggi l’identità di Finarte. All’interno di questa struttura articolata, alcune figure offrono uno sguardo particolarmente significativo sulla varietà di ruoli e competenze della società.

A Roma Adele Coggiola, Senior Specialist di dipinti e disegni antichi, e responsabile di antiquariato (Roma) guida il dipartimento assieme a Sara Milone, che invece opera, da omologa, a Milano. Laureata in Storia dell’Arte, banditrice d’asta dal 2020, Adele Coggiola rappresenta una figura simbolica in un ruolo – quello sul rostro – tradizionalmente maschile. Salire sul podio, racconta, è come “dirigere un’orchestra”: clienti in sala, al telefono e online, oltre ai colleghi, tutti tenuti insieme in una “sinfonia” che dura pochi minuti ma decide il destino di un’opera. Non solo grazie alla competenza storico-artistica, ma a un sottile equilibrio tra cultura e mercato, dove fondamentale è l’empatia, in grado di legare gli elementi e far funzionare le cose.

Sempre a Roma, Georgia Bava è invece a capo del dipartimento di arte moderna e contemporanea. La sua esperienza presso Finarte testimonia intuizione, pragmatismo e coraggio: nel 2009, in piena crisi finanziaria mondiale, fu proprio lei a contribuire alla conquista dell’asta della collezione Alitalia. Un’operazione che portò Finarte al centro dell’attenzione mediatica. Come lei stessa ha dichiarato, il suo ruolo si avvicina a quello di una “talent scout”: per garantire il successo di un’esposizione e un’asta è cruciale saper individuare opere d’arte e artisti prima che il mercato li consacri.

A Milano Marina Sala, Responsabile della sede, coordina le attività operative. Dopo una formazione storico-artistica e un’esperienza consolidata nel settore delle aste, ha sviluppato una visione a 360 gradi dei processi, fondamentale per gestire priorità, persone e dinamiche quotidiane. Il suo ruolo si colloca in un punto di equilibrio tra organizzazione e operatività, dove capacità di adattamento e attenzione ai dettagli diventano strumenti essenziali per garantire il funzionamento della sede.

Un’altra componente significativa di Finarte è poi il comparto gioielli, articolato tra Roma e Milano con due figure complementari: Clara Arata, responsabile del dipartimento a Milano, cresciuta nel mondo orafo e forte di una formazione tecnico-commerciale, e Vittoria Tomasini, responsabile del dipartimento a Roma, di formazione umanistica e specializzazione gemmologica. Se Clara Arata testimonia quanto dietro alle quinte di un’asta sia rilevante il fattore adrenalina, dato che, nell’imprevedibilità, come lei stessa racconta, anche una collana partita da un’offerta di poche centinaia di euro può arrivare a cifre a cinque zeri, dall’altra parte, Vittoria Tomasini sottolinea come altrettanto fondamentale sia la fiducia dei clienti e dei venditori, alla base di ogni rapporto professionale.

Dietro la visibilità delle vendite, c’è poi un’architettura meno “appariscente” ma fondamentale: Viola Marzoli, Finance Manager, governa flussi finanziari complessi con precisione e visione d’insieme: “struttura, ordine e coerenza” che sostengono l’intero sistema. Senza un equilibrio tra questi elementi nessuna asta potrebbe dirsi davvero conclusa.

Nel Dipartimento libri, autografi e stampe, Diana Cardaci unisce formazione economico-gestionale e stupore intellettuale: tra i lotti più emozionanti raccolti da Finarte negli anni, ci racconta infatti anche di una primissima edizione del Sidereus Nuncius di Galileo Galilei del 1610, testimonianza di come anche un libro possa racchiudere dentro di sé una vera e propria rivoluzione. Un momento in cui anche la storia diventa arte.

Marica Rossetti, Responsabile Relazioni Esterne e Programmazione e Senior Specialist per la Fotografia, unisce formazione storico-artistica e capacità organizzativa, muovendosi tra coordinamento interno e costruzione di relazioni con interlocutori esterni. Un lavoro che richiede precisione, visione d’insieme e una costante attenzione all’equilibrio tra le diverse priorità, in un sistema in cui ogni asta è il risultato di un incastro complesso di tempi, persone e contenuti.

Nel dipartimento Fashion, Margherita Manfredi porta un’esperienza ventennale nel settore del luxury, contribuendo allo sviluppo di un ambito relativamente recente per Finarte. Il suo approccio si fonda su un insieme stratificato di competenze – esperienza, intuito, capacità di selezione e lettura del cliente – che riflettono la natura stessa del mercato di riferimento, dove il valore si costruisce tanto sugli oggetti quanto sulle relazioni e sulle aspettative.

A presidiare invece la dimensione organizzativa e umana dell’azienda è Sara Cremonesi, Responsabile HR e Affari Societari, che opera all’intersezione tra gestione delle risorse, normativa e sviluppo interno. Entrata in una fase iniziale di rilancio aziendale, ha contribuito alla definizione dei processi e alla crescita della struttura, lavorando su un elemento spesso invisibile ma decisivo: la qualità delle relazioni e il clima interno, fondamentali per il funzionamento complessivo dell’organizzazione.

Infine, c’è la dimensione digitale e strategica affidata a Muriel Ronconi, responsabile di The Boutique, piattaforma e-commerce che amplia il perimetro della casa d’aste verso un acquisto immediato, “a distanza di un click”, senza perdere il rigore curatoriale che contraddistingue Finarte, restando al passo con la modernità.

Se esiste un filo che unisce queste professioniste non è soltanto la preparazione – che spazia dalla storia dell’arte alla gemmologia, dall’economia culturale alla finanza – ma una combinazione di empatia, capacità decisionale e visione strategica. Oggi Finarte si racconta così: non attraverso slogan, ma attraverso un lavoro quotidiano fatto di valutazioni, cataloghi, trattative e bilanci, ma anche di stima, credibilità e fiducia costruite nel tempo. Un lavoro corale in cui la componente femminile non è mero dettaglio statistico, ma un dato concreto che fa di Finarte un esempio nel panorama artistico italiano.

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Nello spazio espositivo dello Studio Arti Visive a Matera in via delle Beccherie n. 41 inaugurata la mostra fotografica “SURFACE – The Human Landscape” di Alessandro Bergamini, a cura di Simona Spinella e Valerio Ballotta, e visitabile fino al 24 maggio 2026.

“Surface” raccoglie fotografie tratte dalla serie “Humanity” e da progetti speciali dell’artista Alessandro Bergamini, intrecciando pratiche fotografiche con riflessioni su corpo, memoria e responsabilità condivisa. 

Surface è ciò che affiora quando il viaggio diventa incontro. Dalle profondità del mare ai silenzi della neve, dalle steppe della Mongolia alle foreste tropicali dell’Indonesia, fino alle alture del Perù, la terra si svela non solo come spazio fisico, ma come palcoscenico di un’umanità che resiste e che si abbraccia. Le immagini di Bergamini raccontano legami invisibili e radici profonde: la terra diventa rifugio e i corpi diventano custodi di memoria, identità e relazioni. 

Attraversando paesaggi così diversi, Bergamini documenta comunità ed etnie che rischiano di scomparire. La sua presenza è rispettosa: entra nei luoghi con delicatezza, partecipa senza invadere, osserva senza imporre. La sua fotografia nasce da un’osservazione partecipante, un
gesto onesto che trasforma la vicinanza in dialogo e il contatto in fiducia. Prima di ogni scatto, chiede il permesso e ritrae solo chi è pienamente d’accordo. Alessandro non restituisce solo il proprio punto di vista, ma rende anche il punto di vista della cultura, della comunità o dei soggetti “studiati” attraverso i loro sguardi. 

Nelle fotografie emerge un’ampia gamma di dinamiche relazionali: la varietà di ambienti, i modi di
vivere differenti dei gruppi fotografati e la natura mutevole dei ruoli e dei legami. Ogni gesto, ogni incontro -un abbraccio, una mano che trattiene un corpo o una memoria -diventa soglia etica, confine tra individuo e collettività, tra il personale e l’universale. 

Le opere, disposte nello spazio espositivo, tracciano un racconto orizzontale che guida lo sguardo.  L’occhio di Bergamini penetra con delicatezza nella trama silenziosa delle immagini, invitando chi osserva a perdersi e ritrovarsi nello stesso istante, tra ciò che rimane impresso nei suoi occhi e nella sua mente durante i viaggi. 

Pur catturando istanti precisi, le immagini fluiscono tra luoghi e spazi, restituendo la mobilità emotiva e culturale dei gesti. Come dice Bergamini, «La luce è una componente molto importante perché cattura lo sguardo e crea un’atmosfera attorno ai soggetti. Li “accende”, rendendoli vivi». Nel gruppo di opere, la multietnicità degli abbracci diventa un archivio corporeo di gesti e conoscenze, mentre la cura emerge come pratica etica capace di generare comunità e dialogo. In dialogo con il Mediterraneo — terra storica di incontri e scambi — la mostra costruisce luoghi simbolici di protezione, accoglienza e relazione. Qui, la fotografia non solo racconta il mondo: lo accoglie, lo custodisce e lo trasforma in un tessuto di connessioni umane, restituendo voce e presenza a culture e paesaggi che rischiano di essere dimenticati, sempre attraverso uno sguardo rispettoso e partecipativo.

La mostra ha il patrocinio del Consiglio Regionale della Basilicata, della Provincia di Matera, del Comune di Matera e della Fondazione Matera-Basilicata 2019.

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Quando la potenza dell’arte si sprigiona dalle opere con tale forza simbolica viene da chiedersi cosa ha spinto l’autore a realizzarle. È questa domanda che mi ha suggerito la visita alla mostra di 153 Peter Belyi. The Silences of the Apocalypse che è stata, tra l’altro, prorogata fino alla fine di maggio alla Galleria San Fedele di Milano.

Peter Belyi, artista russo di rilievo internazionale, vive e lavora a San Pietroburgo, vincitore di numerosi premi tra cui l’Innovation Prize nel 2014, per la mostra Signal, e il Sergey Kuryokhin Award nel 2010 per il miglior progetto di arte visiva. Le opere esposte alla Galleria-Museo San Fedele – tutte site specific – impongono attenzione alla materia, alla forma e al significato. Mi rivolgo a tutti coloro che non hanno confidenza con l’arte contemporanea che non sono specialisti d’arte. Mi rivolgo a tutti coloro che cercano di trovare delle espressioni, dei simboli per esprimere il significato di un mondo che sta andando verso la distruzione e per trovare linguaggi in grado di rappresentarne la vertigine dello sconforto, della sofferenza. Il linguaggio di Belyi mi ha convinto poichè ho ritrovato nelle sue opere ciò che generalmente vedo nelle immagini fotografiche di reporter che riprendono gli effetti della guerra, delle dittature, sulle persone sulle cose nell’aria negli spazi. Bene, Belyi allontana dal visivo reale e porta su una dimensione astratta ma assolutamente percepibile, inquietante. 

Le bandiere della Pace che piangono sbiadite dai loro colori originali – quelle che si vedono sbandierate nei cortei, sulle piazze – sono più credibili di tante fotografie di bambini mutilati, di donne piangenti, di bare, fosse, case distrutte. Non a caso il titolo dell’opera è “Lament” descritta come un’imponente fontana funebre, una scultura del lutto. La bandiera solennemente abbassata è vicina alla plasticità del corpo in lutto, a una postura lamentosa delle membra — spalle e testa avvolte, velate. Un lamento sgorga dalla figura incurvata. Ogni 15 minuti si aziona il congegno che fa piangere le bandiere. Il lamento di chi cerca la Pace di chi si ostina, nonostante tutto ciò che accade, a cercare nel lamento l’alternativa al lamento. Quanto sarebbe straordinario se Belyi un giorno producesse l’opera al contrario accostandola a questa: da una vasca colorata le bandiere riprendono lentamente i colori della Pace. Queste bandiere sprigionano un messaggio così forte che producono l’invito a trovare soluzioni per cancellare tristezza dolore sofferenza.

“Silence”, non poteva chiamarsi diversamente, è la prima grande scultura che accoglie appena si entra in mostra, è realizzata con legni spezzati che si trasformano in una grande stella “esplosiva”. Girando intorno è necessario fare attenzione alle lunghe schegge ruvide, di un legno grezzo non lavorato, chiaro. Un albero esploso, una stella scoppiata, un falegname che raccoglie i pezzi avanzati dopo un’esplosione? Qualche ombra sul pavimento o sul muro alcune volte forma una croce. È credo casuale così come è casuale morire per una esplosione. Non a caso il titolo della mostra è “I Silenzi dell’Apocalisse”. 

Avanzando nella mostra appare l’installazione Dialect, collocata nella cripta della chiesa di San Fedele. Essa ricorda un libro in cui il testo sembra composto da una scrittura misteriosa, una lingua arcaica dimenticata. La straordinarietà della scrittura nasce dal fatto che è realizzata con chiodi raccolti dall’artista, alcuni estratti da assi nelle baracche del gulag di Perm, altri trovati in un palazzo abbandonato di San Pietroburgo. Non è un caso che abbia raccolto i chiodi nel gulag di Perm – nella Russia centrale – uno dei più noti campi di prigionia sovietici, attivo dal 1946 fino al 1989, celebre per aver ospitato dissidenti politici. I chiodi sono il simbolo di repressione, di tortura, di violenza. I chiodi recuperati sono piegati, arcuati, grossi, di ferro – ripuliti certamente – che sembrano formare delle lettere. Anche quelli di Cristo sono chiodi battuti dentro le carni vive di un corpo umano. Cosa si legge dunque in Dialect? Ciò che noi riusciamo a leggere con la nostra sensibilità. L’artista non spiega, non mette didascalie, lascia alla materia la capacità di trasferire il silenzio delle parole caricandole di sgomento. Questi chiodi forse una citazione a Gûnther Uecker, all’ artista che aveva iniziato a utilizzare sempre più spesso i chiodi come mezzo di espressione artistica?

Altre opere disegnano gli spazi espositivi come Pause, una lama di sega appesa a un sottile filo metallico che sparge vernice tutto intorno. Una lama con un grande diametro come le tante che segano alberi, reti metalliche, cancelli. La lama trasforma l’energia del movimento in un’azione coordinata di incisione e sgombero dei detriti di qualsiasi materia essi vengano procurati. La lama così sospesa ricorda un drone, quello che roteando, come una sega, sparge fumo, nero, nubi di paura.                                                                                                                      

Return to painting, un riferimento all’arte classica, una nuvola in cemento i cui raggi luminosi sono fili di ferro. Il riferimento all’arte classica si manifesta come una decostruzione di un soggetto religioso universale (un bagliore di cemento). L’icona della presenza invisibile dello Spirito Santo come energia luminosa che procede da Dio: il mistero, la fede. In quest’opera il cemento così duro sembra eliminare qualsiasi mistero e i raggi della fede sembrano essersi induriti per non lasciare più spazio a nessuna trasfigurazione ma solamente ad un’arte grigia: il riflesso di una umanità spenta.

Le sue installazioni sono intrise di reminiscenze dell’epoca sovietica, sottoposta però a una continua revisione critica. A differenza degli artisti d’avanguardia degli anni Venti Peter Belyi guarda non al futuro, ma al passato. La “modellazione memoriale” rilegge la storia, la decostruisce, la osserva da vicino con la consapevolezza delle sue speranze destinate al fallimento e delle sue disillusioni irreversibili. Già l’espressione “modellazione memoriale” è un ossimoro: questa pratica artistica unisce due concetti contrastanti in una combinazione impossibile. Un paradosso! una modellazione rivolta all’indietro. Il modello nell’opera di Peter Belyi si volge al passato e lo rende memoriale.  Il modello viene così vissuto in modo nostalgico all’interno della sua proiezione destinata al fallimento. Mantenere Memoria: ecco il capolavoro di Beyli. Con le sue installazioni intense e immersive, Belyi ci invita a confrontarci con un silenzio profondo, che interroga il nostro presente e il senso stesso del nostro essere nel mondo. Una mostra potente e visionaria che risuona come un monito per il nostro tempo. 

L’opera Obscure light, bacchette di neon bianche avvolte da gomma nera inserite su pareti totalmente nere. Seppur tragica la Memoria di Belyi, con questi materiali, con questa fisicità, sprona a cercare nuovi modelli per costruire la Pace, per ribaltare la sua installazione e strappare il nero per lasciare esplodere il bianco, la luce.

153 Peter Belyi The Silences of the Apocalypse dal 25 marzo al 30 maggio 2026 Galleria San Fedele: da martedì a sabato, ore 14,00 – 18,00 (chiuso i festivi e dal 4 al 6 aprile compresi)

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Il prossimo 5 maggio a Venezia, presso l’Orto Giardino del Redentore alla Giudecca, Venice Gardens Foundation inaugura Orizzonte. Un giardino a Venezia, mostra di Sarah Moon. L’esposizione, realizzata dalla Fondazione, resterà aperta al pubblico fino al 6 ottobre 2026.

Nel corso del 2025 Venice Gardens Foundation ha invitato Sarah Moon all’Orto Giardino della Chiesa del Santissimo Redentore, recentemente restaurato dalla Fondazione. Dall’incontro nasce Un giardino a Venezia, film di quattro minuti in intima risonanza con l’essenza del giardino annesso alla Basilica del Palladio, eretta a simbolo di rinascita dopo la peste del 1575. Eredità spirituale e botanica al tempo stesso, eremo di meditazione ed armonia dove il silenzio non è solo assenza di rumore, ma soffio delicato d’una pace profonda che la musica di Arvo Pärt, accompagnando le immagini, rende palpabile.

Note e miraggi si fondono con le fotografie di natura realizzate dall’artista nel corso della sua prestigiosa carriera, culminando nella mostra Orizzonte. Moon suggerisce, evoca, cattura le ombre, gli interstizi e i silenzi sospesi, echi della memoria. Nel corso del viaggio i confini vacillano, disorientano lo sguardo dischiudendo fantastiche narrazioni, riflessi della complessa dialettica tra visibile ed invisibile.

L’opera di Sarah Moon s’intreccia qui con la missione di Venice Gardens Foundation, che cura e custodisce i giardini affidatile vegliando sull’eterna loro metamorfosi, inducendo l’anima irrequieta ad indugiare nel mistero.

In occasione della mostra è stato pubblicato il libro Orizzonte. Un giardino a Venezia, stampato in edizione limitata in 500 copie numerate da 1 a 500.

La mostra è stata realizzata da Venice Gardens Foundation, con il sostegno di Van Cleef & Arpels.

Così si è espressa Sarah Moon: “La mia gratitudine ad Adele Re Rebaudengo e a Venice Gardens Foundation per avermi concesso di trascorrere alcuni giorni in solitudine nell’Orto Giardino della Chiesa del Santissimo Redentore e aver reso possibile la nascita della mostra Orizzonte. Un giardino a Venezia. Entrare in questo luogo, pazientemente restaurato, significa varcare una soglia, fare un passo all’interno delle profondità del mondo, in un tempo sospeso fuori dal tempo, in un silenzio che non avevo mai sentito prima, interrotto solamente dal rintocco delle campane che ricorda la presenza dei frati.

Vorrei ringraziare Arvo Pärt, la cui musica perpetua il mistero del tempo. Ringrazio inoltre tutti coloro che hanno concorso alla realizzazione del progetto”.

E Adele Re Rebaudengo, Presidente di Venice Gardens Foundation, aggiunge: “Siamo felici e onorati di aver accolto Sarah Moon all’Orto Giardino del Redentore; la sua arte e l’impegno della Fondazione convergono qui nel proposito di “sentire” la natura, concorrendo alla sua preservazione: l’una attraverso la maestria dello scatto fotografico e le immagini in movimento, l’altro grazie al restauro, alla cura e custodia costanti. L’intreccio tra la selezione di fotografie “Orizzonte”, il film “Un giardino a Venezia” – entrambi realizzati da Moon – e le musiche di Arvo Pärt “Fratres” – interpretata dai dodici Violoncellisti della Berlin Philharmonic Orchestra – e “Miserere” – interpretata da The Hilliard Ensemble, Paul Hillier – costituisce la trama di quest’evento che, oltre ad uno sguardo contemplativo sull’Orto, su Venezia, sulla Natura, restituisce quello del Giardino, della Città, della Natura stessi”.

Sarah Moon, fotografa dal 1970 e regista dal 1978, sfida le convenzioni e stravolge i codici per creare un’opera di irriducibile unicità. Il campo della sua arte si amplia costantemente: dall’immagine fissa a quella in movimento, dalla fotografia di moda e dai film pubblicitari alla ricerca personale. Acquisisce ben presto fama internazionale e, durante la sua straordinaria carriera, riceve numerosi riconoscimenti sia per l’opera fotografica che filmica. Moon, oltre ad esporre nei più prestigiosi musei del mondo, ha pubblicato – inizialmente insieme al marito Robert Delpire – libri che segnano altrettante tappe in un movimento creativo ininterrotto; al loro interno raccoglie quelle immagini del passato che la stimolano a proseguire: Vrais semblants, Sarah Moon nella collana Photo Poche, Coïncidences, 1,2,3,4,5, Alchimies e, nel 2020, PasséPrésent, catalogo della mostra al Musée d’Art Moderne.

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Ricordate la canzone di Michael Jackson Earth Song :

“What about sunrise/E dell’alba che mi dici ?– What about rain /E della pioggia, che mi dici? –  What about all the things that you said We were to gain/ E tutte quelle cose che dicevi che avremmo ottenuto? – Did you ever stop to notice/Ti sei mai fermato a osservare? – This crying Earth, these weeping shores? /Questa Terra che piange, queste rive in lacrime? – What have we done to the world? / Che cosa abbiamo fatto al mondo? – What about animals?/E gli animali? – We’ve turned kingdoms to dust/ Abbiamo ridotto i regni in polvere –  What about us?/E noi? – What about elephants?/E gli elefanti?….”

Forse per Nick Brandt è iniziato tutto da lì. Il videoclip di Earth Song di Michael Jackson girato da lui come regista. Si dice che nel 1995, mentre girava il video di “Earth Song” in Tanzania, fu sopraffatto dalla bellezza degli animali selvatici. Forse non solamente dagli animali ma anche dal testo stesso della canzone scritta da Michael Jackson nello stesso anno. Una canzone che parla del dolore che abbiamo procurato alla Terra, di una Natura che abbiamo dimenticato persino di sognare. Forse un dialogo tra due persone che si interrogano su ciò che accade e sul momento in cui abbiamo sbagliato. Forse qualcuno parla all’Umanità intera, o è l’Uomo che si rivolge a Dio?

Forse quell’esperienza ha dirottato Nick Brandt verso l’Africa, la fotografia, il desiderio di esprimere  con le immagini la catastrofe a cui stiamo assistendo, una progressiva scomparsa del mondo naturale e della nostra umanità. Sull’impatto devastante delle nostre azioni sugli esseri più vulnerabili del pianeta, persone e animali. Oggi è lui con le sue immagini che parla a noi. Memorabile rimane l’immagine in Amboseli nel 2011 del ranger che tiene appoggiate sulle sue spalle le zanne di un elefante ucciso per mano di un uomo (Ranger con zanne di elefante ucciso per mano di un uomo, Amboseli, 2011 – Across the Ravaged Land). Peccato non fossero in mostra.

Già nel 2023 al festival Visa pour l’Image di Perpignan ero rimasta incantata dal lavoro di questo artista così come oggi nella mostra THE DAY MAY BREAK. LA LUCE ALLA FINE DEL GIORNO presso Gallerie d’Italia.

Forse il suo curriculum ci consente di capire come sia arrivato a realizzare fotografie così grandi e di grande impatto visivo. Un ragazzo inglese che dopo gli studi di pittura e cinematografia presso il Central Saint Martins College of Arts and Design di Londra diventa un regista di video musicali di successo, lavorando con famosi artisti come ad esempio Michael Jackson. Il lavoro in mostra a Torino di Nick Brandt, con la curatela di Arianna Rinaldo, si distingue per un metodo rigoroso e meticoloso: ogni capitolo è il risultato di mesi di preparazione, pianificazione e collaborazione con troupe che conoscono profondamente i territori e le comunità coinvolte. È lui il regista di sé stesso e mette in scena, animali e persone, come fossero film pubblicitari. Le scene sono  perfette in ogni dettaglio. La sua comunicazione sociale si arrende alle regole stilistiche rigorose della comunicazione commerciale. Infatti seguono lunghe settimane di stampa e selezione delle immagini, in un processo volto a stabilire un dialogo diretto e profondo con lo spettatore.

Come a Perpignan le prime due serie – diventate mondiali – sono ritratti di persone e animali vittime del degrado e della distruzione dell’ambiente. Le immagini del “primo capitolo”, “The day may break / il giorno potrebbe sorgere” (2021),  sono realizzate in Kenya e in Zimbabwe, mentre quelle del “secondo capitolo” in Bolivia (2022). Le fotografie sono state scattate in diversi santuari o aree protette per animali.  Vittime sia della distruzione del loro habitat sia del bracconaggio, la maggior parte degli animali sono sopravvissuti e non potranno più ritornare in libertà. Sono abituati alla presenza umana e quindi non si presenta il rischio che degli estranei si avvicinino a loro per essere fotografati nella stessa inquadratura. La nebbia è creata con l’aiuto di una macchina del fumo installata sul posto a simboleggiare un mondo naturale in via di scomparsa. Richiama anche il fumo degli incendi boschivi, aggravati dal cambiamento climatico, che devastano tante regioni del mondo. Sebbene abbiano perso tutto, queste persone e questi animali sono sopravvissuti. Ed è proprio qui che dovrebbe risiedere la speranza.

Il “terzo capitolo” “Sink Rise / Sprofondare e riemergere” (2023) è stato realizzato nell’arcipelago delle Fiji. Indubbiamente permane l’intenzione di stupire, meravigliare quasi i protagonisti fossero oggetti. Ritratti sott’acqua in pose apparentemente naturali trasferiscono un senso di triste quotidianità. Fanno parte di comunità che nei prossimi decenni perderanno terre, case e mezzi di sostentamento a causa dell’innalzamento del livello del mare. 

È tutto magistrale, poetico, di una raffinatezza stilistica ineccepibile.  Eppure c’è qualcosa che non torna. 

In particolare nel capitolo conclusivo: “The Echo of Our Voices / L’eco delle nostre voci” (2024).  Realizzato in Giordania, su commissione di Intesa Sanpaolo, ritrae famiglie di rifugiati siriani costrette a vivere in condizioni di sfollamento permanente. Le belle foto composte sono il concentrato di elementi selezionati dall’autore con notevole cura. I profughi sono diventati modelli di Vogue, lavati, ripuliti, lucidati, rivestiti con cura ed eleganza su piedistalli costruiti appositamente. Sculture senza personalità, tutti uguali nei loro abiti neri, così rigidi e impostati quasi a voler sovrastare l’imponente paesaggio giordano.  

L’artista ha reso le persone degli oggetti per metterle in una condizione di essere osservate all’interno della fotografia. Quanto sono belle queste fotografie,  applaudiamo alla bravura e capacità del fotografo e soprattutto di chi ha commissionato il lavoro: la Banca Intesa San Paolo attenta alla bella fotografia e vicina ai problemi che affliggono il nostro mondo.

Ma alla  fotografia si deve aggiungere l’autenticità. Questa parte autentica degli individui – tutti disposti a dichiarare quanto sono stati fortunati ad essere considerati – non la ritrovo. È questo mondo pieno di contraddizioni che sembra essere sostenuto anche dall’invito dell’autore a ricordarci di quanto siamo privilegiati – noi che riusciamo ad essere dentro a Gallerie d’Italia – rispetto alle persone che ci sono nelle immagini. Sembra un meccanismo, per neutralizzare l’impeto  ad una rivoluzione, quello di sentirsi in colpa e rimanere tranquilli a rimirare le immagini del più privilegiato di tutti , l’autore, che ha avuto la possibilità di muovere troupe e impianti per riportarci i profughi belli, puliti, profumati.

D’altronde cosa si può dire a Nick Brandt che nel 2010, ha addirittura co-fondato la Big Life Foundation, che si batte per proteggere gli animali e gli ecosistemi di una vasta area del Kenya e della Tanzania? Nulla. 

Se non che i profughi hanno dignità, carattere, personalità senza bisogno di voler costruire attraverso la bella fotografia la loro dignità. Mi sembrano più convincenti e toccanti le parole del famoso Gian Maria Volontè a proposito del cinema che credo calzante anche per il potere straordinario del linguaggio fotografico:

«lo accetto un film o non lo accetto in funzione della mia concezione del cinema. E non si tratta qui di dare una definizione del cinema politico, cui non credo, perché ogni film, ogni spettacolo, è generalmente politico. Il cinema apolitico è un’invenzione dei cattivi giornalisti. lo cerco di fare film che dicano qualcosa sui meccanismi di una società come la nostra, che rispondano a una certa ricerca di un brandello di verità. Per me c’è la necessità di intendere il cinema come un mezzo di comunicazione di massa, cosi come il teatro, la televisione. Essere un attore è una questione di scelta che si pone innanzitutto a livello esistenziale: o si esprimono le strutture conservatrici della società e ci si accontenta di essere un robot nelle mani del potere, oppure ci si rivolge verso le componenti progressive di questa società per tentare di stabilire un rapporto rivoluzionario fra l’arte e la vita”.

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La Fondazione Carlo Levi ETS ospita a Roma la mostra Il popolo lucano di Carlo Levi. Memoria e fotografia di Domenico Notarangelo, promossa dall’Associazione culturale Pier Paolo Pasolini di Matera, dalla Fondazione Carlo Levi ETS, ideata e curata da Giuseppe Decio Notarangelo, Antonio Notarangelo e Stefano Di Tommaso.

L’esposizione visitabile fino al 17 aprile 2026 propone un percorso visivo e culturale che intreccia l’opera e il pensiero di Carlo Levi con lo sguardo fotografico di Domenico Notarangelo, restituendo la profondità umana, sociale e simbolica della Lucania e del mondo contadino del secondo Novecento. La mostra è incentrata sul rapporto personale, culturale, politico e umano che lo stesso Domenico Notarangelo ebbe con Carlo Levi nel quindicennio 1960-1975, culminato nell’organizzazione dei funerali svoltisi ad Aliano, dove Carlo Levi era stato confinato nel 1935/36.

“Il progetto riflette sull’ascolto di Carlo Levi come modo di abitare il mondo unendo passato e presente nella scrittura e nella pittura, dichiarano i curatori Giuseppe Decio Notarangelo, Antonio Notarangelo e Stefano Di Tommaso, visione che trova una naturale prosecuzione nelle fotografie di Domenico Notarangelo, che documentano Levi, la Lucania e il popolo lucano con uno sguardo capace di coglierne la dignità, la memoria e una verità umana ormai distante, ma ancora intensamente viva, attuale”.Un nucleo significativo della mostra è dedicato alle immagini realizzate da Domenico Notarangelo durante la lavorazione del film Cristo si è fermato a Eboli di Francesco Rosi (1979), al quale il fotografo collaborò attivamente, instaurando un rapporto di profonda intesa artistica e umana con il regista e con l’attore protagonista Gian Maria Volonté.

Le immagini di Domenico Notarangelo, in gran parte inedite, realizzate nel corso di decenni di frequentazione dei luoghi e delle persone raccontate da Levi, non si limitano alla testimonianza documentaria, ma penetrano nella dimensione intima delle presenze ritratte, restituendo la compresenza dei tempi e la persistenza delle tracce lasciate dalla storia, dal lavoro e dalle relazioni umane.

“La mostra si configura come un omaggio a due figure centrali della cultura italiana del Novecento, dichiara Daniela Fonti Presidente della Fondazione Carlo Levi ETS e come un atto di restituzione della memoria collettiva del Mezzogiorno, riaffermando il valore civile, poetico e politico dello sguardo”. Biografia di Domenico Notarangelo. Dieci anni fa moriva il 4 dicembre 2016, Domenico Notarangelo, era un talento non da meno di Henri Cartier-Bresson e di Sebastião Salgado. A differenza di questi due giganti della fotografia del secolo scorso, Domenico Notarangelo non ha viaggiato per il mondo.

Tutto il suo lavoro si è concentrato dove era nato e dove viveva, in Puglia e in Basilicata, dove il tempo, i luoghi e gli spazi sono i protagonisti di opere fotografiche in cui bambini, donne, animali e uomini celebrano il rituale dell’esistenza in armonia con l’infinito. Domenico Notarangelo è stato soprattutto un giornalista e un dirigente politico capace di restituire un quadro delle vicende politiche e sociali della Puglia e della Basilicata del secolo scorso, inserite nel più ampio contesto della storia e della cultura nazionale.Nato il 6 marzo del 1930 da una famiglia contadina a Sammichele di Bari, in Puglia, entra in seminario nel 1943 e lì vive l’esperienza dei bombardamenti del 1945 su Bari. Ritorna al paese natale nel 1946 dove la Curia lo allontana dal Seminario a causa delle sue simpatie per il Comunismo. Dopo gli studi liceali ad Amalfi giunge in Lucania nella seconda metà degli anni ’50 stabilendosi a Matera, la sua città di adozione.Nella Città dei Sassi si è dedicato all’attività politica e di operatore culturale e ha scoperto le affinità elettive che hanno dato senso ed ispirazione ai suoi molteplici impegni. È stato per un quindicennio corrispondente dalla Basilicata per il quotidiano L’Unità.

È stato scrittore dalla prosa feconda ed accattivante e soprattutto uno storico delle tradizioni popolari, un antropologo, un fotografo, uno scenografo, un uomo di cultura a tutto tondo e un competente meridionalista. In tempi più recenti è stato caporedattore di importanti emittenti televisive meridionali dove, abituato com’era a esporsi e a pagare in prima persona, ha sempre insegnato ai giornalisti a ”tenere la schiena dritta” soprattutto, diceva, “quando parlate con i fatti e parlate di quanti non possono difendersi”. Ha sempre accompagnato l’interesse professionale alla ricerca e allo studio della storia del territorio, della cultura rupestre e della civiltà contadina, delle tradizioni popolari e della devozione, oltre alla storia politica, del sindacato, del giornalismo. Fino agli ultimi mesi di vita ha continuato a pubblicare saggi e libri di fotografia. Si è dedicato anima e corpo a ricercare, narrare e rivalutare le tradizioni popolari con la passione civile e l’attaccamento straordinario alla cultura della “paesanità” e ha raccolto e documentato testimonianze di costume e religiose oltre ad una larga messe di documenti che oggi costituiscono uno dei più importanti archivi privati del Mezzogiorno. A lui il grande merito di aver documentato la civiltà contadina seguendone la progressiva scomparsa.

Un processo che è andato di pari passo con politiche di industrializzazione approssimative e fallimentari insieme con la scoperta dei giacimenti di gas che hanno creato nuovi pretesti per guardare a queste terre come si guardavano le colonie da sfruttare. Molto spesso ha collaborato con importanti registi che hanno girato film in Lucania, in modo particolare con Pier Paolo Pasolini quando ha realizzato a Matera il suo “Il Vangelo secondo Matteo” e con Francesco Rosi come aiuto scenografo nel “Cristo si è fermato a Eboli”. In campo cinematografico ha collaborato inoltre con Liliana Cavani, Luigi Zampa, Brunello Rondi, Vittorio Taviani, Lino Miccichè e con quanti, intellettuali e politici, ebbero a che fare, per lungo o breve tempo, con la Puglia e la Basilicata.La prefazione dell’ultimo libro fotografico di Domenico Notarangelo intitolato “E fu subito Lucania”, Goffredo Fofi titola “Prima del genocidio del mondo contadino” e afferma “è proprio di questo che Domenico Notarangelo si è occupato, della terra che ha amato profondamente, della terra che lui definiva di fatica e dolore; la terra della brava gente, sempre in lotta per il riscatto”. E dice bene infine Ferdinando Mirizzi nella postfazione allo stesso libro quando scrive “le singole figure e i gruppi ritratti da Mimì, i suoi primi piani, paiono comunicare un senso di fiducia nell’avvenire e voler affidare alla testimonianza del fotografo un messaggio di speranza. Non c’è lo stereotipo visivo della Basilicata come terra arretrata ed esotica prodotta dalla fotografia che potremmo definire “sociale”, degli anni Cinquanta e Sessanta del Novecento, ma un mondo che si apriva al cambiamento”.Francesco Franza

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Con «Franco Pinna. Sardegna a colori. Fotografie recuperate 1953–67», il MAN prosegue la riflessione sul linguaggio fotografico e il suo rapporto con la Sardegna, territorio di ispirazione e sperimentazione per generazioni di artisti. La mostra, che celebra il centenario della nascita del fotografo maddalenino (La Maddalena 1925 – Roma 1978), maestro della fotografia italiana del Novecento, riporta alla luce un corpus a lungo dimenticato, restituendo una dimensione nuova e sorprendente del suo sguardo: quella del colore. In dialogo con le recenti ricerche del museo su autori e visioni del paesaggio sardo, l’esposizione amplia la nostra percezione di un fotografo che molti hanno conosciuto solo attraverso il bianco e nero.

Il percorso della mostra, composto da circa ottanta opere tra stampe fotografiche a colori — in larga parte raramente esposte – e materiali d’archivio, propone un viaggio nella storia visiva e professionale di Pinna, offrendo nuovi elementi di valutazione critica della sua opera. Le immagini scelte, frutto di un lungo lavoro di recupero e restauro digitale delle cromie originali, sono accompagnate da fotografie di raffronto dello stesso soggetto in bianco e nero, oltre a diapositive, strumenti di lavoro provenienti dall’Archivio Franco Pinna, a testimonianza della complessità del suo approccio documentario. Una selezione di pubblicazioni d’epoca, fra cui “Vie Nuove”, “Noi Donne”, “L’Espresso” e “Panorama”, spiega la ragione del suo impegno con il colore, destinato alle riviste del tempo e alle loro pagine patinate, che richiedevano un senso di attualità e non la storicizzazione tipica del classico bianco e nero.

La mostra prende avvio da Orgosolo 1953, prima campagna fotografica a colori realizzata da Pinna in Sardegna, per poi attraversare le tappe più significative della sua produzione isolana: Canne al vento (1958), Argia a Tonara (1960) immagini per il celebre volume Sardegna. Una civiltà di pietra (1961), fino alle cronache sul banditismo e le proteste dei pastori del 1967. Le sequenze, disposte come un racconto di lunga durata, restituiscono l’evoluzione di un linguaggio che trova nel colore una dimensione autonoma e poetica, capace di cogliere la materia viva della Sardegna arcaica e modernissima insieme.

A emergere è la tensione tra documento e rito, che percorre tutta la sua opera: un modo di attraversare la realtà che, come scriveva Federico Fellini nel 1976, rivela in Pinna “una lentezza da ierofante”, sospesa tra lo sguardo dello scienziato e quello del sacerdote. È proprio in questa dimensione sospesa tra documento e rito che la mostra del MAN invita a rileggere la sua opera: come un attraversamento della realtà che diventa rivelazione.

Franco Pinna (La Maddalena 1925 – Roma 1978)
Reporter tra i più noti del suo tempo, Pinna è stato una figura centrale del Neorealismo fotografico italiano. Dopo la militanza nella Resistenza romana e una breve esperienza come operatore di documentari, esordisce nel 1952 nella cooperativa “Fotografi Associati” e segue Ernesto De Martino nelle spedizioni etnografiche in Lucania e Salento.

Nel 1961 pubblica Sardegna. Una civiltà di pietra, il suo volume più importante, e a partire dal 1964 diventa fotografo di fiducia di Federico Fellini. Autore di oltre 300.000 scatti, Pinna ha saputo unire impegno civile e rigore estetico, documentando l’Italia in trasformazione e restituendo, con sguardo lucido e poetico, il volto più umano del Novecento. Dal 1997 l’Archivio Franco Pinna (Roma/Bologna) custodisce e valorizza il suo patrimonio, promuovendo ricerche e mostre che ne mantengono viva la memoria.

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Ivo Saglietti è stato un grande maestro di fotografia che ha realizzato grandi reportage e contribuito a formare generazioni di giovani professionisti e anche, nel corso della sua carriera, un caro amico di InsideOver, testata per cui ha realizzato reportage e corsi di fotografia e ai cui professionisti ha trasmesso la competenza e la visione che lo contraddistinguevano. Per questo è doppiamente importante, per InsideOver, segnalare l’interessante iniziativa “Una Piéce per Ivo Saglietti”, che si terrà venerdì 23 gennaio dalle ore 17.30 alle Gallerie d’Italia di Torino, in Piazza San Carlo. Lo è perché la memoria di un grande fotografo come era Ivo (c’era familiarità, lo vogliamo continuare a chiamare così anche ora) merita di essere trasmessa assieme a quella della sua capacità di raccontare storie umane grandi e piccole rendendole significative con la capacità espressiva dei suoi scatti, sia perché l’impronta di Ivo sulla nostra storia è stata profonda e resterà indelebile.

L’evento è proposto da ArtPhotò nella prestigiosa sede di Gallerie D’Italia –Torino“. Una Piéce per Ivo Saglietti” si svolgerà grazie alla presenza di alcuni testimoni che hanno intrecciato con Ivo amicizia, condivisione, visione, apprendimento, progetti, speranze, dialoghi, discussioni vive, accese, appassionanti. Non a caso l’evento fa partedella serie “Intrecciare Parole e Immagini”. Tra i protagonisti dell’evento, anche il nostro editore Andrea Pontini e il celebre giornalista Domenico Quirico.

A Torino poco più  di due anni fa – dicembre 2023 – la mostra “Ivo Saglietti. Lo Sguardo Nomade” fu inaugurata al Museo Nazionale del Risorgimento pochi giorni dopo la sua scomparsa, avvenuta il 2 dicembre 2023.

Ora, con questa piéce Ivo Saglietti sarà ricordato come una persona e un professionista speciale. Perché speciale era il suo modo di guardare, di pensare, di leggere, di essere testimone, di ricercare la luce. L’autore sarà ricordato tramite una narrazione composta dalle sue immagini, dai suoi testi, da alcuni ricordi. Per ricordare chi ha rappresentato un pezzo importante della storia della fotografia in Italia. E, vogliamo ricordarlo con orgoglio e amicizia, anche della nostra. Sapendo che Ivo Saglietti sarà sempre con noi.

A Torino due anni fa – dicembre 2023 – la mostra “Ivo Saglietti. Lo Sguardo Nomade” fu inaugurata al Museo Nazionale del Risorgimento pochi giorni dopo la sua scomparsa.

Ora, con questa piéce Ivo Saglietti sarà ricordato come una persona e un professionista speciale. Perché speciale era il suo modo di guardare, di pensare, di leggere, di essere testimone, di ricercare la luce. Il maestro sarà ricordato tramite una narrazione composta dalle sue immagini, dai suoi testi, da alcuni ricordi. Per ricordare chi ha rappresentato un pezzo importante della storia della fotografia in Italia. E, vogliamo ricordarlo con orgoglio e amicizia, anche della nostra. Grazie, Ivo!

Ingresso libero fino a esaurimento posti

Prenotazione consigliata scrivendo una mail a torino@gallerieditalia.com

I partecipanti

• Valeria Gradizzi è una fotografa, nel 2012 diventa allieva del fotoreporter Ivo Saglietti, da qui i suoi progetti si concentrano sulla narrazione di mondi spesso invisibili o ai margini. L’ultimo, ELLE, è una ricerca fotografica sul neo-sciamanesimo femminile in Italia, diventato poi un libro edito da emuse.
• Federico Montaldo: avvocato specializzato in diritto della fotografia, saggista, titolare dell’Archivio Saglietti, autore del libro “Ivo Saglietti. Lo Sguardo Inquieto” (Edito da Postcart), curatore della mostra “Ivo Saglietti – Un fotografo in cammino”
• Francesca Peliti: Fino al 2015 amministratore unico di Peliti Associati, in seguito impegnata in studi di teologia e attività a sostegno dell’Ass. Amici di Deir Mar Musa, ispiratrice dei reportage sulla Comunità di p. Paolo Dall’Oglio SJ
• Paolo Pellegrin: fotografo di Magnum Photos Pellegrin ha dichiarato che Saglietti è stato il suo mentore. Noto per i suoi reportage di fotogiornalismo in varie regioni del mondo e in Medio Oriente dove ha incontrato Ivo
• Andrea Pontini: titolare della testata online InsideOver
• Domenico Quirico: inviato di guerra, giornalista, saggista, insieme con Ivo l’incontro e il libro “Rivoluzioni”

• Roberto Colacioppo: fotografo, attivista in fotografia sociale, Ivo gli ha dedicato l’introduzione e l’editing del libro “Dove fuggono gli occhi”

• Tiziana Bonomo di ArtPhotò: curatrice e organizzatrice di eventi di fotografia, tanti momenti di condivisione e tre esposizioni “ILVA CORNIGLIANO Fotografie di Ivo Saglietti e Federica De Angeli”, “Cuba, alla ricerca di Mr. Evans” presso lo Spazio Eventa a Torino e “Ivo Saglietti. Lo sguardo nomade” al Museo Nazionale del Risorgimento.

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