Mercoledì 28 ottobre dalle ore 18.30 si inaugura Garage Gallery, il nuovo spazio espositivo ideato dal fotografo bolognese Paolo Gotti. L’apertura sarà accompagnata da una mostra antologica a lui dedicata, che ripercorre oltre cinquant’anni di attività artistica. L’esposizione riunisce le immagini più significative scattate nel corso della sua lunga carriera professionale, restituendo un percorso fotografico nato dall’incontro con luoghi, persone e culture differenti. 

Laureato in Architettura e diplomato al Centro di studi tecnico-cinematografici di Firenze, Paolo Gotti si avvicina professionalmente alla fotografia negli anni Settanta. In questo periodo avvia un percorso poliedrico che lo vede spaziare con successo tra grafica (OSC – Organizzazione Servizi Congressuali di Bologna e Irma Records), still life e pubblicità (Rowntree Mackintosh), allestimenti (Helena Rubinstein, Sinudyne, Mondial Cinz), stringendo collaborazioni di rilievo con realtà profondamente diverse tra loro, da eccellenze territoriali a grandi multinazionali. Nel 1974 affronta il suo primo grande viaggio in Africa, attraversando il Sahara fino al Golfo di Guinea a bordo di una vecchia Land Rover. Da questa esperienza prende forma una ricerca destinata a svilupparsi negli anni successivi e a portarlo a fotografare nei cinque continenti oltre 70 paesi tra cui Niger, Cina, Haiti, Brasile, Messico-Guatemala, Nepal, Indonesia, USA, Canada, Thailandia, Malesia, Yemen, Venezuela, India, Cile, Bolivia, Islanda, Australia, Colombia, Cuba.

Nel suo sterminato archivio convivono migliaia di immagini realizzate in scenari tra loro lontanissimi: dai deserti africani alle metropoli asiatiche, dalle foreste dell’America Latina ai ghiacciai del Nord Europa, fino al racconto del sottosuolo: nella miniera d’oro di Obuasi in Ghana, nel 1974, spingendosi fino a 2000 metri di profondità; e nei cantieri dell’Alta Velocità tra Bologna e Firenze, incaricato dal Consorzio Alta Velocità Emilia Toscana (CAVET) per documentare l’avanzamento dei lavori e realizzare i calendari aziendali fotografici dal 1997 al 2003. Ne risulta un patrimonio fotografico che attraverso reportage, ritratti e paesaggi di straordinaria forza, restituisce non solo la varietà dei luoghi attraversati, ma anche le persone, le storie e le atmosfere incontrate lungo il cammino.

Il lavoro di Gotti si distingue per uno sguardo capace di coniugare la dimensione documentaria con una particolare attenzione alla composizione, alla luce e alla relazione con i soggetti fotografati. Il viaggio non è inteso soltanto come spostamento geografico, ma come strumento di conoscenza e interpretazione del mondo. A questa ricerca si affianca, da oltre trent’anni, la realizzazione dei suoi calendari fotografici: un appuntamento che, nel tempo, ha trasformato il suo archivio visivo in molteplici storie e percorsi tematici, raccolte di immagini curiose e sorprendenti, capaci di restituire la varietà del mondo attraverso la suggestione del cabinet de curiosités e di accompagnare il pubblico anno dopo anno. Completa questo percorso la produzione di video che “animano” le sue serie fotografiche, offrendo nuove modalità di fruizione e lettura delle immagini.

Nel corso della sua carriera ha realizzato numerosi progetti e mostre personali e collettive, presentando a Bologna e in altre città serie fotografiche dedicate alle sue esplorazioni: Segni e culture, a cura di Almerico de Angelis (con testo critico di Michele Bonuomo), Institut Français de Naples, Napoli; Da Bologna per l’Unicef, Aeroporto G. Marconi, Bologna; Fuoco, Rocca di Cento, Ferrara; Stories. Viaggio tra fotografia e letteratura, Teatro Duse, Bologna; Alle origini della terra, Centro San Domenico, Bologna; Finestre sul mondo, MUG – magazzini generativi, Bologna; Cina 1978, Galleria Minerva, Padova; I AM THE EARTH, a cura di Anna Caterina Bellati, Fondazione Marchesani, Venezia. Nel 2019 ha ricevuto l’importante riconoscimento del Premio UVA dell’Università di Verona come Senior Photographer. Le sue mostre e le sue immagini fotografiche sono state pubblicate negli anni su testate importanti tra cui Vogue, Elle, Il Fotografo, Arte, Sette, Io donna, D di Repubblica, Il Giornale dell’Arte, Arte, L’Espresso, Panorama, Amica e Chi.

Garage Gallery nasce dall’esigenza di dare una nuova forma e una nuova possibilità di incontro all’ampio archivio fotografico costruito da Gotti nel corso degli anni: luogo informale e multifunzionale, lontano dai modelli tradizionali della galleria d’arte. Un ambiente in cui la fotografia possa essere osservata, scoperta e discussa, mettendo in relazione immagini appartenenti a momenti diversi della ricerca dell’autore. La mostra inaugurale sarà quindi l’occasione per entrare nell’universo fotografico e artistico di Paolo Gotti e, attraverso le immagini, una parte della storia personale e professionale di un autore che ha trasformato il viaggio in una forma di conoscenza.

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Un nuovo ed inedito progetto fotografico al Forte di Bard. Mario Dondero. Inediti. L’archivio di un partigiano dell’umano è il titolo della mostra a cura di Claudio Composti visitabile fino al 18 ottobre 2026 che rivela, per la prima volta, un corpus di fotografie inedite tratte dall’archivio di Mario Dondero (Genova 1928 – Fermo 2015), grande fotoreporter e testimone civile del Novecento. Scatti mai pubblicati né esposti, riscoperti dal curatore durante una visita all’archivio due anni fa, restituiscono al pubblico uno sguardo radicale, antiretorico e profondamente umano che ha attraversato mezzo secolo di Storia.

Un testimone del suo tempo. Mario Dondero non è stato soltanto un fotoreporter: è stato un testimone che ha scelto da che parte stare. Partigiano giovanissimo in Val d’Ossola, poi cronista militante nella stampa politica italiana del dopoguerra e infine fotografo del mondo. Il suo sguardo nasceva da un amore profondo per l’essere umano: chi vive ai margini, chi attraversa la Storia senza scriverla, chi ne subisce le conseguenze più che governarne le forme. «Mi interesso a tutto quello che interviene nella nostra vita» diceva. Un operaio sudamericano o un rifugiato asiatico avevano per lui lo stesso peso di Sartre, Beckett, Giacometti o Pasolini, intellettuali e artisti amici che ritrasse con la stessa misura: nessuno mai in posa, il potere sempre disarmato, l’eroismo mai esibito.

Un archivio che torna a parlare. L’archivio di Mario Dondero — conservato in larga parte dalla Fototeca Provinciale di Fermo ad Altidona — è un patrimonio vastissimo e ancora in parte inesplorato: centinaia di migliaia di immagini tra negativi in bianco e nero, diapositive e stampe professionali, accompagnate da oltre duecento quaderni di appunti. Tre le macro-sezioni tematiche: Memorie del presente, dedicata a manifestazioni e movimenti sociali collettivi; Sguardi politici, sui protagonisti della storia politica del Novecento; Verso il mondo, omaggio al quotidiano, ai gesti e alle vite degli ultimi, della gente semplice, incontrata in ogni angolo del pianeta. Un percorso che attraversa decenni e geografie ma rivela una linea coerente: la fotografia come scelta morale, come impossibilità di restare neutrali.

Crediti: foto © Archivio Mario Dondero

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Sassi per ricordare il dolore, fiori per i momenti di gioia, candele per chi non c’è più. Su un filo che rappresenta la propria vita, ogni elemento serve a ricostruire una storia che la violenza ha provato a interrompere. È da questa immagine che nasce “Restano i fiori – L’identità che sopravvive alla tortura”, il progetto multimediale della fotografa e giornalista Valentina Tamborra, realizzato per Medici Senza Frontiere e in mostra a Palermo dal 30 settembre all’11 ottobre. 

Il lavoro della fotoreporter pone al centro del suo progetto immagini di soggetti che con la loro testimonianza iconografica rispondono alla domanda “Cosa rimane dell’essere umano quando la violenza cerca di cancellarne l’identità?”. Tamborra racconta quindi le storie dei migranti, senza tuttavia circoscrivere le persone alla sola violenza o al trauma patito, mettendone in luce la bellezza, la forza e la dignità.

Ricostruire la propria storia

La mostra è strettamente legata alla Terapia Narrativa NET (Narrative Exposure Therapy), un trattamento psicologico utile per la rielaborazione di ricordi traumatici. Durante la NET, il paziente ripercorre tutta la sua vita mettendo in ordine cronologico le proprie esperienze traumatiche, sbrogliandole una ad una come se si volesse distendere un filo. Nel corso della terapia possono essere utilizzati oggetti simbolici per catalogare più efficacemente le emozioni, come pietre per il dolore e fiori per i momenti di gioia, attraverso i quali si trasformano ricordi spaventosi e frammentati in una narrazione più coerente e, se possibile, meno dolorosa. 

Fotografare significa ascoltare

“Il reportage è prima di tutto incontro e ascolto. In sostanza fotografare e raccontare significa prima di tutto aprirsi all’altro e accogliere ciò che arriva”. Sono le parole dell’autrice, che nella mostra non si limita all’esposizione di immagini, ma vuole accompagnare la dimensione visiva con parole scritte e racconti sonori registrati, consentendo ai visitatori di ascoltare direttamente la voce e le testimonianze dei protagonisti.

Valentina Tamborra è fotografa e giornalista ed il suo ambito di azione principale spazia tra il reportage giornalistico e la ritrattistica, oltre ad essere la docente del corso “Reportage: La fotografia che racconta” sulla piattaforma InsideOver (https://it.insideover.com/course-landing/reportage-la-fotografia-che-racconta). Collabora attivamente sul campo con realtà del terzo settore come Medici Senza Frontiere (MSF), AMREF, Croce Rossa Italiana, Albero della Vita ed Emergenza Sorrisi. 

Il lavoro di MSF a Palermo

Il progetto fotografico è infatti frutto del programma interdisciplinare di Medici Senza Frontiere a Palermo per la riabilitazione medica e psicologica delle persone migranti e rifugiate sopravvissute a torture e a trattamenti degradanti.

L’iniziativa si realizza in sinergia con la rete territoriale, coinvolgendo l’Azienda Ospedaliera Universitaria Policlinico “Paolo Giaccone”, l’Università degli Studi di Palermo (con il Dipartimento Pro.Mi.Se) e la Clinica Legale per i Diritti Umani (CLEDU), mentre la video installazione è stata curata e realizzata con il video artist Diego Ronzio.

Per fornire un più ampio contesto del problema, è bene riportare alcuni dati registrati da una delle realtà coinvolte, direttamente estratti dal rapporto “Disumani”. Tra gennaio 2023 e febbraio 2025, l’organizzazione umanitaria MSF ha preso in carico 160 persone migranti sopravvissute a violenza e torture. L’età media dei pazienti era di 25 anni, mentre si è registrata una importante diversificazione dei paesi di origine, arrivando a contare fino a 20 paesi di provenienza. Secondo i dati riportati, il 60% dei maltrattamenti e delle torture è avvenuto in Libia, l’80% delle donne ha subito violenze sessuali lungo il percorso ed il 67% dei pazienti presenta sintomi severi di Disturbo da Stress Post-Traumatico (PTSD), oltre a sofferenze e dolori fisici cronici.

Nonostante la riconoscibilità del fenomeno e l’attenta documentazione relativa a casi di questa natura, solo il 22% dei pazienti assistiti ha ottenuto lo status di rifugiato, evidenziando le barriere burocratiche e la precarietà legale che queste persone continuano ad affrontare in Italia. 

È proprio in questo spazio d’ascolto e di cura che la risposta alla domanda iniziale trova la sua forma più nitida: anche quando la violenza incide profondamente sulla memoria e sull’identità, il percorso clinico e la narrazione visiva dimostrano che la persona può sopravvivere anche ai traumi più profondi.

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Il 14 settembre il premio Luchetta ha annunciato la lista dei finalisti della XXIII edizione. Tra questi, nella categoria di fotografia, c’è anche il nome di Marco Gualazzini con un suo scatto sulla crisi sanitaria a Cuba, pubblicato da InsideOver il 28 giugno 2026 in collaborazione con Daniele Bellocchio. 

Il servizio, intitolato “Cuba: l’abisso senza luce” restituisce direttamente sul campo la sofferenza della popolazione cubana e le drammatiche condizioni di salute di tanti bambini dell’isola in attesa di cure o di interventi chirurgici essenziali. La presenza del collaboratore di InsideOver selezionato dalla giuria presieduta da Marco Damilano sottolinea l’identità del giornale stesso, fondato sul giornalismo indipendente e sulla testimonianza di contesti di crisi internazionale spesso dimenticati o lasciati in secondo piano.

Il riconoscimento nella XXIII edizione del premio triestino riconferma la qualità e l’importanza del lavoro svolto dai reporter, in quanto sia Marco Gualazzini, sia Daniele Bellocchio, sono già stati insigniti del Premio Luchetta per i loro reportage nei fronti più critici del mondo, operando conformemente alla missione del premio: accendere i riflettori sui diritti violati dell’infanzia.

Dentro lo scatto: il dramma della sanità a Cuba

Realizzato a Cuba, con un punto focale sulle compromesse condizioni sanitarie dell’Avana, lo scatto firmato per Insideover affronta una storia difficile da raccontare, fatta di ingiustizie sociali, sofferenza dei più piccoli e disperazione familiare. 

L’immagine mostra da vicino il tormento di una madre che guarda il figlio. L’angoscia di un viaggio verso la capitale da intraprendere nel breve periodo e la speranza di poter donare al proprio bambino la possibilità di respirare in modo autonomo qualora i medici lo ritenessero possibile. Il bambino ritratto nella fotografia, infatti, è nato con sindrome di down e con una cardiopatia congenita, entrambe sfuggite alle visite prenatali, ed è stato sottoposto a tracheotomia per liberare le vie respiratorie a seguito di un progressivo ingrossamento delle pareti cardiache.

Attraverso questo momento di intimità e di dolore, l’immagine cattura una realtà ben più ampia, che coinvolge migliaia di famiglie cubane costrette a tempi di attesa lunghi, a volte troppo lunghi perché una visita o un’operazione vengano effettuate in tempo. La foto racconta di una crisi sanitaria dalle molteplici cause, ma con esito evidente: la minaccia del diritto all’infanzia.

La presenza di Marco Gualazzini tra i finalisti del Premio Luchetta rappresenta il riconoscimento di un preciso metodo giornalistico fondato sulla presenza sul campo e sulla forza testimoniale della fotografia, capace di suscitare un coinvolgimento emotivo diverso rispetto alla lettura di dati e informazioni. Come evidenzia la stessa giuria del premio, obiettivo primario del giornalismo indipendente dovrebbe essere quello di dare voce a storie lontane o dimenticate, concedendo uno spazio a chi vive nell’ombra delle grandi crisi.

Il Premio Luchetta e gli altri finalisti

Il Premio Giornalistico Internazionale Marco Luchetta, giunto oggi alla sua XXIII edizione, è promosso dalla Fondazione Luchetta Ota D’Angelo Hrovatin ETS cui obiettivo è quello di raccontare le conseguenze delle crisi geopolitiche sui più giovani. 

Nella categoria ‘fotografia’, insieme a Marco Gualazzini, figurano tra i finalisti anche Giovanni Morgavi (Kritica), con un reportage sulle condizioni di chi intraprende la rotta balcanica, e Fabio Polese (El Pais) che ha portato gli scatti di bambini in una trincea di fortuna in Myanmar. L’annuncio dei vincitori e la premiazione si terranno a novembre, in concomitanza con le celebrazioni internazionali dedicate alla tutela dei minori.

Al di là dell’esito, la candidatura al premio riconosce prima di tutto la forza estetica di un’immagine, capace come nessun altro mezzo di veicolare emozioni e tormenti lontani che, se non venissero catturati, rischierebbero di rimanere invisibili.

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Le tre giornate del Ferrania Film Festival vedranno una mostra fotografica collettiva dedicata alla fotografia analogica contemporanea. Le mostre saranno inaugurate venerdì 11 settembre alle ore 11:00, alla presenza dei fotografi, che verranno introdotti e presenteranno i propri progetti in una visita guidata.

Le mostre saranno allestite negli spazi di Palazzo Rosso a Cengio, uno dei luoghi simbolo del rapporto tra industria e vita sociale che ha caratterizzato la Val Bormida nel Novecento. L’edificio nasce infatti come sede del dopolavoro della S.I.P.E. e successivamente dell’A.C.N.A., diventando uno spazio destinato alla socialità, alle attività ricreative e alla vita collettiva dei lavoratori e delle loro famiglie. Acquisito negli ultimi anni dal Comune di Cengio, Palazzo Rosso è stato trasformato in un polo culturale e associativo, funzione che, pur adattata alle esigenze contemporanee, mantiene una significativa continuità con la sua originaria vocazione di luogo di aggregazione.

Le mostre saranno visitabili a ingresso libero durante le tre giornate del Festival.

IL VIAGGIO VERSO CASA è un progetto fotografico di Marino Da Costa e Gerardo Bonomo che nasce dal desiderio di riportare la pellicola Ferrania nei luoghi che hanno contribuito a costruirne la storia e l’identità culturale.

È un viaggio di ritorno, prima ancora che un reportage.

La pellicola Ferrania nasce nello stabilimento di Ferrania, a Cairo Montenotte, nell’entroterra savonese, all’interno di una delle più importanti esperienze industriali italiane legate alla produzione di materiali fotosensibili. Da quella fabbrica, per decenni, sono usciti rullini e pellicole destinati alla fotografia e al cinema, attraversando confini geografici e culturali e contribuendo alla costruzione dell’immaginario visivo del Novecento.

Se Ferrania rappresenta il luogo della nascita materiale della pellicola, Roma ne rappresenta una delle grandi case adottive.

È nella Capitale, e in particolare nel rapporto con Cinecittà e con il cinema italiano, che quella materia sensibile incontra il racconto cinematografico, i teatri di posa, le scenografie, gli attori, le strade e la luce di Roma. La pellicola diventa così qualcosa di più di un semplice supporto tecnico: diventa uno degli strumenti attraverso i quali una parte dell’immaginario italiano viene fissata e consegnata alla memoria.

Da questa consapevolezza prende forma il viaggio di Marino Da Costa e Gerardo Bonomo.

I due fotografi riportano fisicamente i rullini Ferrania a Roma, nei teatri di posa di Cinecittà e nelle strade della Capitale, affidando nuovamente alla pellicola il compito di osservare e registrare quei luoghi.

Un gesto semplice, ma fortemente simbolico: la pellicola torna nei territori dell’immaginario che ha contribuito a costruire.

Tra la città reale e la città immaginata

L’indagine fotografica si concentra sulla romanità, sulla sua architettura, sui monumenti e sugli spazi urbani che nel corso del Novecento sono diventati contemporaneamente luoghi della vita quotidiana e scenari privilegiati della rappresentazione cinematografica.

Roma viene osservata nella sua continua oscillazione tra realtà e finzione.

Da una parte c’è Cinecittà: il luogo nel quale la realtà viene ricostruita, trasformata, illuminata e messa in scena. Una città dentro la città, capace di generare mondi, epoche e geografie differenti.

Dall’altra ci sono le strade della Capitale, dove la vita procede senza sceneggiatura. Monumenti, edifici, persone, gesti, ombre, incontri e situazioni impreviste compongono una scena urbana continuamente mutevole.

Tra queste due dimensioni si muove la ricerca di Da Costa e Bonomo.

Il reportage non cerca quindi di ricostruire nostalgicamente la Roma del grande cinema, né di riprodurne le immagini più celebri. Cerca piuttosto di mettere nuovamente la pellicola di fronte alla città, lasciando che sia il presente a impressionarne l’emulsione.

La Roma fotografata è quella di oggi, ma inevitabilmente porta con sé tutte le Rome che il cinema ha costruito, raccontato e consegnato alla memoria collettiva.

La pellicola come protagonista

In Roma: IL VIAGGIO VERSO CASA, la pellicola non è soltanto il mezzo utilizzato per realizzare le fotografie. È parte integrante del progetto.

La scelta di lavorare con Ferrania introduce infatti una relazione precisa tra materia, luogo e memoria. Ogni fotogramma mette in comunicazione il luogo nel quale la pellicola è nata con quello nel quale viene nuovamente utilizzata.

Ferrania e Roma diventano così i due estremi dello stesso percorso. Da un lato la fabbrica, la ricerca chimica, la produzione industriale e il sapere tecnico necessario a creare una superficie capace di reagire alla luce. Dall’altro il cinema, la fotografia, la città e la trasformazione di quella stessa materia in immagine. Il viaggio verso casa è dunque anche il viaggio della materia verso la propria memoria. Due sguardi, una stessa pellicola

Il progetto nasce dall’incontro di due differenti esperienze fotografiche. Marino Da Costa porta nel lavoro il linguaggio del reportage e della fotografia documentaria, l’attenzione per la strada, per il paesaggio umano e per ciò che accade nello spazio reale. Gerardo Bonomo porta una profonda conoscenza della fotografia argentica, dei materiali sensibili, dell’esposizione, dello sviluppo e della stampa, insieme a una ricerca costruita nel tempo intorno alla materialità e alla consapevolezza del processo fotografico.

I loro sguardi si incontrano attraverso lo stesso materiale. Non si tratta di uniformare due modi di fotografare, ma, al contrario, di lasciare che la medesima pellicola attraversi due sensibilità differenti. Il risultato è un racconto a due voci nel quale il linguaggio documentario e la cultura della fotografia analogica dialogano continuamente.

Dalla luce alla materia

Il progetto non termina con lo scatto. Le immagini vengono sviluppate e successivamente stampate a mano in camera oscura su carta baritata, completando un processo interamente analogico nel quale ogni passaggio conserva una componente fisica, manuale e irripetibile. La luce attraversa l’obiettivo e impressiona la pellicola; il negativo viene sviluppato; l’immagine ritorna alla luce dell’ingranditore e prende infine corpo sulla carta.

In questo modo il processo stesso diventa parte del racconto. In un presente caratterizzato dalla produzione e dalla circolazione immediata delle immagini digitali, Roma: IL VIAGGIO VERSO CASA sceglie deliberatamente un tempo differente: quello dell’attesa, della materia e della trasformazione.

La fotografia non appare immediatamente. Deve essere attesa. Deve essere sviluppata. Deve essere stampata. E soltanto allora può essere osservata.

Il viaggio verso casa

Alla fine del percorso, ogni fotografia conserva una doppia memoria. Quella di Ferrania, dove la materia sensibile ha avuto origine, e quella di Roma, dove quella materia torna a incontrare il cinema, l’architettura, la strada e la vita.

Tra la finzione del set e la realtà della città, tra industria e cultura, tra memoria e presente, Marino Da Costa e Gerardo Bonomo costruiscono così un racconto nel quale la fotografia diventa essa stessa protagonista del viaggio. Perché questo non è soltanto un reportage su Roma. È il racconto di una pellicola che attraversa il tempo, ritorna nei luoghi del proprio immaginario e, dopo molti anni, ritrova la strada verso casa.

Marino Da Costa

Marino Da Costa (Lucca, 1985) è fotografo e fotoreporter. Si avvicina alla fotografia inizialmente da autodidatta, proseguendo successivamente la propria formazione attraverso corsi ed esperienze professionali. Dopo alcune collaborazioni con un’agenzia di fotografia sportiva e uno studio fotografico, concentra progressivamente la propria ricerca sul reportage e sui progetti personali, sviluppati prevalentemente in autonomia e seguendo tematiche legate ai propri interessi e alla propria esperienza dei luoghi.

Un passaggio importante nel suo percorso è rappresentato dalla Newsroom Academy di InsideOver, dove segue il corso di fotografia tenuto da Ivo Saglietti, tra i più importanti fotoreporter italiani e vincitore di tre World Press Photo. Nel 2022 il suo lavoro viene selezionato da Saglietti tra i portfolio vincitori della masterclass. Da questa esperienza nasce e si consolida la collaborazione con InsideOver, testata dedicata al reportage e all’approfondimento internazionale.

Tra i suoi lavori figura India sospesa. Signora libertà, signorina anarchia, progetto realizzato durante un viaggio in India e selezionato tra i reportage vincitori della Newsroom Academy. L’esperienza indiana rappresenta un momento significativo nella sua ricerca: il confronto con una realtà complessa e imprevedibile lo porta a sviluppare una fotografia più immediata e intuitiva, nella quale osservazione, composizione e racconto si costruiscono nell’incontro diretto con ciò che accade davanti all’obiettivo.

Nel 2023 realizza insieme a Manuelbruno Usai Mala Terra, reportage dedicato a Gela e alle conseguenze sociali e ambientali della lunga storia industriale legata al polo petrolchimico. Il progetto, finanziato e pubblicato da InsideOver, indaga attraverso fotografia e testo il complesso rapporto tra industrializzazione, territorio, ambiente e comunità locale.

Nel 2024 pubblica S(k)in. L’acido sull’anima, reportage realizzato a Mumbai sulle donne sopravvissute agli attacchi con l’acido. Il progetto affronta attraverso il bianco e nero le conseguenze della violenza, ma anche i percorsi di resistenza e ricostruzione delle donne incontrate durante il lavoro. Le fotografie sono state successivamente presentate in diverse sedi espositive, tra cui Palazzo Ducale a Lucca, Palazzo Bastogi a Firenze e, nel 2025, il Palazzo Comunale di Capannori.

Nel suo percorso figura inoltre una mostra personale nell’ambito degli Urban Photo Days 2020 e, nell’edizione 2021 della stessa iniziativa, il raggiungimento della selezione finale per il book award.

La ricerca di Marino Da Costa si muove così principalmente nell’ambito della fotografia documentaria e del reportage, privilegiando storie nelle quali il paesaggio umano, le trasformazioni sociali, il territorio e le esperienze individuali diventano strumenti per interrogare realtà più ampie. Il suo approccio mantiene una forte componente autoriale, cercando nella fotografia non soltanto la testimonianza di ciò che accade, ma una forma di relazione diretta con i luoghi e con le persone che li abitano.

Gerardo Bonomo

Gerardo Bonomo (1958) è giornalista, fotografo, docente e divulgatore, da decenni impegnato nello studio e nella diffusione della cultura fotografica, con una particolare attenzione alla fotografia analogica e al bianco e nero.

Il suo rapporto con la fotografia inizia nel 1970, quando comincia a fotografare e a confrontarsi direttamente con l’intero processo argentico, dalla ripresa allo sviluppo del negativo fino alla stampa in camera oscura. È proprio questa conoscenza completa del processo fotografico a diventare nel tempo uno degli elementi centrali della sua ricerca e della sua attività di divulgazione.

Nel corso di quasi cinquant’anni di attività ha approfondito tecniche, materiali e strumenti appartenenti a differenti stagioni della storia della fotografia, dedicandosi tanto al piccolo e medio formato quanto al grande formato e al banco ottico, oltre che ai processi di sviluppo e alla stampa tradizionale. La sua ricerca si concentra in particolare sulla materialità dell’immagine fotografica e sulla conoscenza del processo fisico-chimico che conduce dall’esposizione della pellicola alla stampa finale.

Accanto alla pratica fotografica, Bonomo ha sviluppato un’intensa attività di formazione e divulgazione. Attraverso corsi individuali e collettivi, workshop, articoli, incontri pubblici e contenuti audiovisivi accompagna fotografi professionisti, appassionati e nuove generazioni alla conoscenza della fotografia argentica. La sua didattica comprende l’utilizzo delle fotocamere, la scelta delle pellicole, l’esposizione, lo sviluppo del negativo e la stampa manuale con ingranditore, mantenendo una particolare attenzione alla trasmissione dell’intero processo fotografico analogico.

Parallelamente porta avanti un’importante attività di divulgazione attraverso il proprio sito e i suoi contenuti online, divenuti negli anni un punto di riferimento per una comunità interessata alla fotografia su pellicola, alla camera oscura, alle attrezzature storiche e alla sperimentazione con materiali e processi fotografici.

La sua attività si estende inoltre a incontri, festival e manifestazioni dedicate alla cultura fotografica, nei quali affronta la fotografia analogica non soltanto dal punto di vista tecnico, ma anche come patrimonio di conoscenze, pratiche e linguaggi da trasmettere alle nuove generazioni.

La ricerca di Gerardo Bonomo si colloca così nel punto d’incontro tra conoscenza tecnica, memoria fotografica e sperimentazione contemporanea. La fotografia analogica non viene interpretata come semplice recupero nostalgico di una tecnologia del passato, ma come un linguaggio ancora vivo, fondato sulla consapevolezza del processo, sulla conoscenza della materia e su una relazione più lenta e meditata con la costruzione dell’immagine.

“Alle pendici del cielo”

Progetto fotografico di Pietro Nicola Bonetta

Alle pendici del cielo è un progetto fotografico di Pietro Nicola Bonetta dedicato alla ricerca e al racconto delle vite d’alta montagna.

Il lavoro nasce dall’incontro con un territorio nel quale il rapporto tra essere umano e ambiente sembra assumere proporzioni differenti. In un mondo in cui la presenza antropica tende progressivamente a occupare e trasformare ogni spazio disponibile, l’alta montagna rimane una dimensione in controtendenza: dura, inospitale e impossibile da dominare completamente. Qui l’essere umano è costretto a misurarsi con ciò che lo circonda e a trovare continuamente forme di convivenza con l’ambiente.

Il progetto prende forma attraverso l’incontro con alcuni abitanti dell’Alta Valtellina, in particolare allevatori e animali, osservati all’interno di un paesaggio che sembra continuamente ridefinire la loro presenza. Di fronte alla scala delle Alpi, uomini e animali diventano figure minute, quasi impercettibili. Presenze temporanee adagiate sulle spalle di montagne che sembrano appartenere a un tempo infinitamente più lungo di quello umano.

Oltre le loro cime, soltanto il cielo.

È proprio nel contrasto tra queste differenti dimensioni che si costruisce il racconto di Bonetta: la fragilità dell’essere umano e la monumentalità del paesaggio, il tempo quotidiano del lavoro e quello apparentemente immobile della montagna, la necessità di trasformare l’ambiente e l’impossibilità di controllarlo completamente.

La ricerca di una possibile autenticità nel rapporto tra uomo e natura non passa quindi attraverso una visione idealizzata della vita in montagna. La convivenza raccontata dalle fotografie è fatta anche di fatica, durezza e necessità. Il paesaggio non è soltanto contemplazione, ma spazio vissuto e luogo di lavoro.

Per intercettare questa relazione, Bonetta sceglie di utilizzare la pellicola ortocromatica Ferrania Orto 50. Il bianco e nero contribuisce a sottrarre il paesaggio alla sua rappresentazione più immediatamente spettacolare. Le montagne diventano cornice e, contemporaneamente, presenza dominante; al loro interno si inseriscono brevi incursioni nelle vite dei soggetti fotografati, colti soprattutto durante i momenti di lavoro.

L’autore non cerca di assumere lo sguardo di chi appartiene a quei luoghi. Mantiene piuttosto consapevolmente la propria posizione di ospite.

È uno sguardo che arriva, osserva e incontra, senza pretendere di possedere completamente ciò che vede. La fotografia diventa allora una forma di avvicinamento: il tentativo di comprendere, attraverso frammenti di vita quotidiana, una relazione con l’ambiente costruita nel tempo.

Alle pendici del cielo racconta così una condizione di equilibrio fragile. Tra uomo e natura. Tra permanenza e passaggio.

Tra il lavoro quotidiano di chi abita la montagna e l’immensità di un paesaggio che sembra ricordare continuamente all’essere umano la propria misura. Piccole presenze sulla superficie delle Alpi, alle pendici di un cielo che segna il limite ultimo dello sguardo.

Pietro Nicola Bonetta

Pietro Nicola Bonetta (Brescia, 1998) è fotografo e aspirante fotogiornalista, laureato in Scienze Storiche.

Il suo incontro con la fotografia avviene all’età di quattordici anni, quando ritrova la Canon FT del nonno e inizia a sperimentare con il mezzo fotografico. È l’inizio di un percorso inizialmente istintivo e personale, che accompagna gli anni del liceo e che, dopo una fase di interruzione durante l’emergenza pandemica, trova una nuova consapevolezza nel periodo universitario. È proprio in questi anni che Bonetta riscopre il significato dell’immagine e comincia a interrogarsi sulle possibilità della fotografia come strumento di conoscenza e racconto.

Un momento decisivo arriva nel 2022, con la partecipazione a un workshop tenuto dal fotoreporter Ivo Saglietti presso la redazione di InsideOver. La selezione da parte di Saglietti per la realizzazione di un reportage condiviso modifica profondamente il suo rapporto con la fotografia e apre una nuova fase della sua ricerca. Da questa esperienza prende avvio anche la frequentazione della città di Taranto, progressivamente trasformata in un progetto fotografico di lungo periodo.

Nello stesso anno pubblica su InsideOver “Emergenza siccità”, reportage realizzato nella bassa padana durante la crisi idrica del 2022. Nel 2024 viene pubblicato un primo nucleo del lavoro dedicato a Taranto, “Taranto macerie”, ricerca sulle tracce e sulle permanenze del passato siderurgico della città. Accanto a questi lavori sviluppa progetti dedicati al rapporto tra essere umano e natura, alla senilità e alla vita delle persone prive di fissa dimora.

La sua ricerca si concentra prevalentemente su tematiche sociali, affrontate con una particolare attenzione alla dimensione storica, intesa come strumento necessario per comprendere le trasformazioni che attraversano l’essere umano e il mondo in cui vive.

Il reportage fotografico diventa così il linguaggio privilegiato attraverso il quale indagare l’individuo nella sua dimensione storico-esistenziale e nella relazione con l’ambiente. Centrale nel suo lavoro è inoltre la ricerca dell’individualità e della dignità dei soggetti fotografati. Lo sguardo, spesso cercato direttamente nel ritratto, diventa uno spazio di relazione: un canale immediato tra chi osserva e chi viene osservato.

Fotografia e formazione storica convergono quindi in una ricerca che utilizza l’immagine non soltanto come testimonianza del presente, ma come strumento attraverso cui interrogare il tempo, le trasformazioni sociali e il rapporto dell’essere umano con i luoghi che abita.

“Milano”

Progetto fotografico di Mauro Carrannante

Milano è un progetto fotografico a lungo termine che Mauro Carrannante porta avanti dal 2019. Non nasce con l’intento di descrivere la città in maniera esaustiva, né di costruirne un ritratto riconoscibile attraverso i suoi luoghi simbolici. Milano diventa piuttosto il territorio all’interno del quale sviluppare una ricerca personale sul rapporto tra spazio urbano e presenza umana.

Il progetto si costruisce intorno a tre tensioni fondamentali: la prevalenza della città sull’elemento umano, i contrasti che attraversano Milano e il dialogo continuo tra presenza e assenza.

Nelle immagini di Carrannante la città sembra spesso assumere una dimensione dominante. Architetture, superfici, linee e spazi urbani costruiscono una struttura all’interno della quale l’essere umano appare come una presenza fragile, temporanea, talvolta marginale.

È la città a determinare la scala dell’immagine.

L’individuo la attraversa, compare al suo interno, lascia una traccia e scompare. Da questa relazione emerge il primo nucleo della ricerca: il confronto tra la permanenza dello spazio urbano e la transitorietà della presenza umana. Milano non è soltanto lo scenario nel quale si svolge la vita, ma diventa una presenza con la quale l’individuo è costantemente chiamato a misurarsi.

A questa tensione si aggiunge quella del contrasto. Un contrasto che è certamente architettonico e visivo, ma che diventa soprattutto relazionale. La città accosta continuamente realtà differenti, genera prossimità e distanze, produce incontri e separazioni. Carrannante osserva queste frizioni senza cercare necessariamente di risolverle, lasciando che siano le immagini a custodirne l’ambiguità.

Al centro del progetto emerge infine il rapporto tra presenza e assenza umana. Ciò che appare all’interno dell’inquadratura dialoga continuamente con ciò che rimane fuori. Una figura può occupare fisicamente uno spazio e, allo stesso tempo, apparire distante; un luogo apparentemente vuoto può conservare le tracce di chi lo ha attraversato.

La fotografia diventa così un modo per interrogare la distanza tra ciò che vediamo e ciò che esiste realmente.

In questa oscillazione tra pieno e vuoto, incontro e solitudine, Carrannante costruisce una Milano personale e interiore. La città osservata attraverso il mirino diventa anche uno spazio attraverso cui l’autore interroga se stesso.

La materia dell’immagine

Le sei fotografie selezionate per l’esposizione sono realizzate utilizzando pellicole Ferrania P30, esposta a 200 ISO, e Ferrania P33, esposta a 400 ISO. Due delle immagini sono state scattate quando la luce naturale era ormai scomparsa.

La scelta della pellicola e del bianco e nero non costituisce quindi soltanto una decisione estetica, ma appartiene alla natura stessa della ricerca di Carrannante. Luce e ombra diventano elementi attraverso i quali la città viene progressivamente sottratta alla sua rappresentazione più immediata per trasformarsi in uno spazio mentale.

Le sei fotografie costituiscono soltanto un piccolo nucleo rappresentativo di una ricerca molto più ampia. Milano è infatti un progetto ancora in divenire, destinato a confluire in un libro di fotografie e testi. Anche la destinazione finale del lavoro introduce una dimensione sociale coerente con i temi affrontati: i proventi della pubblicazione saranno devoluti ad associazioni impegnate nel sostegno delle persone che vivono in condizioni di solitudine.

Il progetto assume così la forma di una lunga interrogazione sulla città contemporanea e sull’individuo che la attraversa.

Una città abitata da milioni di persone può essere anche il luogo della distanza.

Uno spazio pieno può contenere un’assenza.

E una figura solitaria, quasi inghiottita dall’architettura, può diventare il punto attraverso cui tornare a interrogare la misura dell’essere umano dentro la città.

Mauro Carrannante

Mauro Carrannante è fotografo per vocazione e CFO per professione. Nato a Roma, dove vive fino ai trent’anni, dopo un periodo segnato da viaggi e spostamenti legati al lavoro si stabilisce nel Milanese nel 2010.

La fotografia entra nella sua vita nel 2004 e diventa progressivamente uno strumento privilegiato di osservazione e ricerca personale. La sua pratica è legata in maniera rigorosa alla fotografia analogica e al bianco e nero, scelta che Carrannante considera essenziale per concentrare lo sguardo su ciò che realmente desidera raccontare, eliminando gli elementi che potrebbero distrarre dalla relazione più profonda con il soggetto e con l’immagine.

Un riferimento fondamentale della sua ricerca è il fotografo cileno Sergio Larrain, nel cui lavoro Carrannante riconosce una concezione della fotografia fondata sull’emozione prima ancora che sulla perfezione formale. Da questa sensibilità nasce la ricerca di un’immagine umanistica prima che estetica, capace di prendere forma attraverso l’incontro e l’esperienza piuttosto che attraverso la ricerca dello scatto tecnicamente perfetto.

La fotografia assume così una dimensione profondamente personale. Il mondo esterno non è soltanto qualcosa da documentare, ma diventa uno spazio attraverso cui rivolgere lo sguardo verso l’interno. Il mirino rappresenta una soglia tra ciò che accade davanti alla macchina fotografica e ciò che l’immagine è in grado di far emergere nell’autore.

Praticante di Aikido, primo Dan, lettore e viaggiatore, Carrannante riconosce nella propria pratica fotografica gli stessi principi di attenzione, presenza e ascolto che accompagnano queste esperienze. Fotografare significa quindi disporsi all’incontro, osservare e attendere, mantenendo una relazione consapevole con ciò che accade.

La sua ricerca si muove così tra osservazione del reale e introspezione, privilegiando una fotografia nella quale la presenza umana, la solitudine, le relazioni e gli spazi diventano strumenti attraverso cui interrogare tanto il mondo esterno quanto la propria dimensione interiore.

Come sintetizza lo stesso autore: «Non fotografo il mondo che mi circonda: uso il mirino per scavare dentro di me, per dare forma alle ombre che voglio imparare a domare.»

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L'articolo “Roma: il viaggio verso casa”, il progetto degli alunni di Ivo Saglietti proviene da InsideOver.

Così diceva Elton John: “Come quando si scrive una canzone, anche quando si scatta una fotografia c’è un po’ di fortuna e di caso – qualcosa accade nel momento giusto e bisogna avere l’intelligenza di premere lo scatto”. Queste parole portano a comprendere lo spirito di Fragile Beauté, la mostra che celebra oltre trent’anni di collezionismo fotografico da parte di Sir Elton John e David Furnish. Un tragitto che è sia un omaggio alla loro passione, che anche il riflesso di un gusto personale e di uno sguardo del tutto particolare, maturato nel tempo loro vissuto come collezionisti.  Ora al Al Jeu de Paume  di Parigi   fino al 27 settembre 2026 esposti trecento scatti raccolti in quarant’anni di collezionismo.

 Le opere in mostra, tante, selezionate tra le oltre 7.000 immagini che compongono la loro collezione, sono scatti diventati icone inconfondibili, capaci di esplorare quel sottile equilibrio che bilancia forza e vulnerabilità e che appartiene, nel profondo, alla condizione umana.

Un secolo di sguardi, tra desiderio e identità. Ripercorrendo la storia della fotografia moderna e contemporanea, la mostra riunisce una selezione eccezionale dei fotografi più importanti al mondo, con opere che spaziano dal 1950 a oggi. Il percorso, adattato dall’esposizione presentata al Victoria and Albert Museum tra maggio 2024 e gennaio 2025, si articola in cinque sezioni tematiche dedicate a desiderio, moda, celebrità, affermazione delle identità e fotogiornalismo, restituendo uno sguardo curioso e trasversale capace di spaziare dai ritratti di grandi musicisti, artisti e attori alla bellezza maschile, dal reportage all’astrazione fotografica: immagini che colpiscono per intensità, modernità e capacità di raccontare un’epoca insieme al proprio autore.

Tra gli artisti in mostra figurano Robert Mapplethorpe, Harley Weir, Irving Penn, Diane Arbus, Ai Weiwei, Herbert List e molti altri, accanto a un’installazione monumentale di 149 stampe firmate da Nan Goldin, tratte dalla sua serie Thanksgiving.

Elton John è  da tutti considerato celebre come cantautore, molto meno noto è il suo ruolo di collezionista di fotografie. Insieme al marito David Furnish, ha costruito nel tempo una delle raccolte fotografiche private più importanti al mondo: oltre 7.000 scatti, che coprono un arco temporale dai primi del Novecento a oggi. Una collezione tutt’altro che statica: i due non esitano a cedere alcuni pezzi per acquisirne altri, fanno mercato di un settore come la fotografia che nel Novecento ha trovato una grande presa. Il patrimonio fotografico dell’artista britannico settantasettenne, insignito del titolo di Sir dalla regina Elisabetta, era già stato esposto alla Tate Modern nel 2016, con circa 150 stampe d’epoca (anni Venti-Cinquanta) di 70 fotografi diversi, tra cui nomi celebri come Man Ray, André Kertész, Brassaï, Dorothea Lange, Tina Modotti, Edward Weston e Aleksandr Rodčenko, accanto a autori meno conosciuti.

“Amo i pittori, colleziono quadri, ma nulla dice la verità come una fotografia”, ebbe a confidare Elton John in un’intervista, aggiungendo, con un pizzico di ironia, che l’amico David Hockney non gliela perdonerebbe. David Furnish ricorda invece come sia nata la passione comune: fu proprio durante la loro prima notte insieme a Windsor, residenza della coppia vicino a Londra, che scoprirono di condividere lo stesso amore per la fotografia, lui con i suoi libri, Elton con alcuni scatti già in suo possesso.

Crediti fotografici: Harley Weir, Boys Don’t Cry, Senegal, 2015 © Harley Weir (la foto in macchina); Pirkle Jones, Black Panthers da Sacramento, Free Huey Rally, 1968 © I Regenti dell’Università della California. Per gentile gentile Collezione Speciale, Biblioteca Universitaria, Università della California, Santa Cruz. Fotografie di Ruth-Marion Baruch e Pirkle Jones;Melvin Sokolsky, Over New York, 1963 Melvin Sokolsky, per gentile cortesia della Fahey/Klein Gallery, Los Angeles; Herman Leonard, Chet Baker, New York City, 1956 © Herman Leonard Photography, LLC.

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Visitare “Belpaese. A Photographic journey. L’Italia nelle collezioni fotografiche della Fondazione di Venezia”, a cura di Denis Curti, in mostra da M9 Museo del ’900 di Mestre (Venezia) fino al 13 settembre, è come affacciarsi da una finestra sull’Italia del secolo scorso.

La selezione di una cinquantina di fotografie proviene dalla vasta collezione della Fondazione di Venezia: un patrimonio di 2.500 scatti, in progressivo incremento, in gran parte arrivati con l’acquisizione nel 2007 del fondo Zannier (circa 12mila volumi e 1.300 fotografie originali, dalla dagherrotipia alla stampa digitale), a cui si sono aggiunte le raccolte dall’archivio milanese Forma. L’obiettivo raggiunto con queste acquisizioni, anche attraverso il lavoro di restauro e digitalizzazione, è quello di aver scongiurato la dispersione di una rara visione d’insieme con una raccolta che consente un viaggio attraverso 170 anni di stili e autori. Denis Curti è consulente per la gestione e valorizzazione di questo patrimonio, oltre che direttore artistico delle Stanze della Fotografia a Venezia, in passato ha diretto la Biennale Internazionale di Fotografia di Torino, l’agenzia Contrasto e il mensile «Il Fotografo. Belpaese», e M9 si erge come un’apparizione in una zona un tempo degradata nel centro di Mestre, progettato dallo studio berlinese Sauerbruch Hutton, inaugurato nel 2018. “Circondato da diversi edifici dismessi, è stata una scommessa, un’operazione di rigenerazione urbana finanziata dalla Fondazione di Venezia, -spiega la direttrice Serena Bertolucci, che è anche docente all’Università di Genova di Interpretazione e valorizzazione del patrimonio culturale-. Nel decennale, possiamo dire che i risultati sono eccellenti: M9 ha visto la presenza di 700 classi nel 2025, ha staccato 70mila biglietti, con un incremento di visitatori molto significativo negli ultimi anni, ma se si contano i partecipanti agli eventi che il Museo organizza si arriva a 130mila presenze, per non parlare degli effetti a ricaduta sul quartiere e di un record tutto speciale, quello della più lunga permanenza all’interno di un museo». La sua mission è quella di raccontare la storia che il nostro Paese ha attraversato nel ’900, un unicum in Italia, sottolinea la direttrice, e un compito che M9 intende perseguire “facendo ricorso a tutte le forme di ingegno e creatività. Gli studenti di Ca’ Foscari hanno definito M9 “terzo luogo”, definizione che trovo molto pertinente, destinato a intercettare diversi interessi e rivolto a una vasta e variegata platea”.

La selezione operata per la mostra “Belpaese” costruisce un sentiero di immagini che ritraggono l’Italia dagli anni Cinquanta ad oggi secondo la visione di fotografi come Mario Giacomelli, Ferdinando Scianna, Italo Zannier, Aldo Beltrame, Fulvio Roiter, Nino Migliori, Tazio Secchiaroli, Luca Campigotto, Mimmo Jodice, Maurizio Galimberti, Gianni Berengo Gardin, Francesca Spanio, Elio Luxardo ed Elisabetta Catalano. Un percorso che si snoda suggestivamente circondato dalle immagini e dai suoni di alcuni frame dalle pellicole del cinema italiano che hanno fatto la storia del ’900. “La mostra, spiega il curatore Denis Curti, si configura come un viaggio tra due modalità interpretative, due modi diversi di guardare l’Italia: da un lato la prospettiva documentaria, attraverso la quale molti autori hanno saputo raccontare la condizione dell’uomo e il suo tessuto sociale con estrema lucidità, registrando la realtà con occhio attento e responsabile. Dall’altro, emerge una forte propensione a dedicarsi alla sfera evocativa, a quel processo figurativo che richiede all’osservatore una partecipazione attiva nel decifrare i messaggi nascosti sotto la superficie ambigua di ogni fotogramma. Due modi entrambi essenziali per comprendere nel profondo il nostro Paese. La selezione operata per questa mostra procede da una curatela attenta delle collezioni Zannier e Forma, due nuclei che rappresentano due diverse stagioni della fotografia italiana nel secondo ’900. Due acquisizioni distinte che, riunite in un unico corpo, inquadrano lo spettro fluido della storia fotografica”.

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Accesso Galleria a Pietrasanta presenta “Sally Gall. Vertical World”, la nuova serie fotografica dell’artista americana, esposta per la prima volta in una mostra personale in Italia.

L’esposizione aperta fino al 9 agosto 2026 propone dieci fotografie di medie e grandi dimensioni (66×102 cm e 84×127 cm), realizzate con stampa a pigmenti d’archivio dedicate ad alcune delle più monumentali pareti rocciose degli Stati Uniti occidentali, restituite attraverso una ricerca che indaga il confine tra documentazione fotografica e astrazione.

Gli scatti di Gall, caratterizzati da una forte intensità cromatica, richiamano suggestioni pittoriche riconducibili a Clyfford Still e Helen Frankenthaler ma sono frutto di un’ispirazione nata in un viaggio nel Grand Canyon durante una discesa di rafting che ha spinto la fotografa americana a viaggiare alla ricerca di paesaggi simili da poter immortalare

Le pareti protagoniste degli scatti in mostra ritraggono diversi canyon dell’ovest americano — come l’altopiano del Colorado, i canyon di roccia rossa dell’Utah, le straordinarie vedute tipiche dell’Arizona, Colorado, Nevada e New Messico — e vogliono raccontare una percezione nuova del paesaggio roccioso: non una superficie statica o inerte ma un organismo vivo e in trasformazione attraversato da processi geologici lenti e continui. Fratture, stratificazioni e tracce minerali diventano elementi attivi di una narrazione visiva che supera la dimensione descrittiva.

Pur mantenendo un approccio documentaristico, il lavoro di Sally Gall tende all’astrazione. L’eliminazione di riferimenti spaziali — come la linea dell’orizzonte — e la riduzione degli elementi compositivi — con la minimizzazione di ombre e punti luce — conducono l’immagine a una condizione di sospensione, in cui il paesaggio si trasforma in superficie pittorica. La fotografia di Gall è fedele alla realtà osservata, nulla viene aggiunto o cancellato. La sua ricerca si concentra sulla capacità di restituire il reale come esperienza percettiva e non come rappresentazione mediata.

«Il mio obiettivo – dichiara l’artista – è di fotografare la Terra in azione. Un mondo  scultoreo creato dal vento, dalla pioggia, dal tempo. Un’azione infinitesimamente lenta, difficilmente concepibile in quanto non si rapporta con il tempo umano.» 

Con Vertical World, Sally Gall propone una riflessione sulla percezione del paesaggio naturale, invitando lo spettatore non solo a riconsiderare la vitalità della Terra, ma — in senso più ampio — a riscoprire lo straordinario nell’ordinario, la poesia nel quotidiano.

Sally Gall (Washington, 1956) vive e lavora a New York. Dopo il Diploma in Belle Arti alla Rhode Island School of Design (1978), sviluppa una ricerca fotografica centrata sul mondo naturale e sulla sua percezione. Il suo lavoro indaga il confine tra figurazione e astrazione: attraverso un uso essenziale del linguaggio fotografico, elimina indizi spaziali e tridimensionali per trasformare soggetti riconoscibili in immagini ambigue e sospese. Ne emerge una pratica che si concentra sul momento di passaggio tra rappresentazione e astrazione. Nel corso della sua carriera ha esplorato sia i modi in cui l’essere umano attraversa e modifica il paesaggio — come in serie dedicate a campi coltivati, sentieri o gesti quotidiani — sia la dimensione più immobile e geologica della Terra, con lavori su specchi d’acqua, spazi sotterranei e pareti rocciose. Nel corso di oltre quarant’anni di attività è stata artista in residenza presso la Rockefeller Foundation e Director’s Guest alla Civitella Ranieri Foundation. Le sue opere sono presenti in importanti collezioni pubbliche e private, tra cui il Whitney Museum of American Art e il Solomon R. Guggenheim Museum di New York, il San Francisco Museum of Modern Art, il Museum of Fine Arts di Houston e la Bibliothèque Nationale de France.

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In M9 Museo del ‘900, a Venezia-Mestre ecco Altipiano, un progetto fotografico di Loïc Seron dedicato all’Altopiano di Asiago e all’opera letteraria di Mario Rigoni Stern, visitabile fino al 23 agosto 2026. Uno dei più grandi scrittori italiani del Novecento, Rigoni Stern ha fatto dell’Altopiano il centro di tutta la sua scrittura: i boschi, le acque, i pascoli, il rapporto consapevole tra l’uomo e la montagna, l’armonia con la natura come unica via verso una felicità possibile.

Seron non costruisce una raccolta di immagini paesaggistiche, ma un dialogo: il suo sguardo si muove sugli stessi luoghi che Rigoni Stern ha trasformato in parola, cercando nei sentieri e nelle stagioni la stessa tensione tra memoria, ecologia e presenza umana che attraversa tutta la sua opera. “Belpaese A Photographic Journey” porta in M9 una selezione di opere provenienti dalle collezioni della Fondazione di Venezia, in un percorso che attraversa paesaggi fisici e sociali, persone e luoghi, dalla ricostruzione postbellica fino ai giorni nostri. La grande fotografia italiana è qui al tempo stesso soggetto e medium: le immagini non illustrano la storia, la costituiscono.

A partire dalla primavera del 2014 Seron ha percorso l’Altopiano in ogni stagione: un lavoro di lungo corso che non cerca l’effetto spettacolare ma l’essenza dei luoghi. La mostra presenta una selezione di circa 70 fotografie, accompagnate da estratti dalle opere di Rigoni Stern, da testi dello stesso Seron e da materiali originali dello scrittore: un percorso che invita a riconoscere nel paesaggio i luoghi di una memoria collettiva ancora viva.

La mostra si articola intorno a due modalità dello sguardo fotografico. Da un lato la prospettiva documentaria, con la sua capacità di registrare la condizione dell’uomo e il tessuto sociale con lucidità e responsabilità. Dall’altro, una vocazione evocativa che richiede all’osservatore una partecipazione attiva nel decifrare i messaggi nascosti sotto la superficie di ogni fotogramma. Il percorso espositivo nasce dal patrimonio fotografico della Fondazione di Venezia, il cui cuore è il fondo acquisito nel 2007 da Italo Zannier, critico, studioso e docente: circa 12.000 volumi e 1.300 fotografie originali, a cui si sono sommate più recenti integrazioni e donazioni.

La selezione raccoglie due diverse stagioni della fotografia italiana nel secondo Novecento, restituendo lo spettro fluido della storia del nostro Paese. In mostra oltre 50 opere di Mario Giacomelli, Ferdinando Scianna, Gianni Berengo Gardin, Mimmo Jodice, Fulvio Roiter, Nino Migliori, Luca Campigotto, Maurizio Galimberti, Elio Luxardo, Tazio Secchiaroli, Elisabetta Catalano, Francesca Spanio e altri. Fotografie restaurate e digitalizzate che tornano a parlare di un Paese in trasformazione continua, ancora riconoscibile, ancora irrisolto.

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Ci sono città che si offrono immediatamente allo sguardo, mostrando senza esitazione geometrie, monumenti, percorsi consueti. E ce ne sono altre che chiedono tempo, attenzione, ascolto. Ancona appartiene a questa seconda categoria: città-soglia, porto reale e interiore, luogo che custodisce la propria identità negli interstizi, nelle pieghe, nei silenzi. 

Nasce da questa consapevolezza la mostra Ancona Revisited, un dialogo serrato tra le fotografie di Massimo Baldini e i versi di Franco Scataglini (Ancona, 1930 – Numana, 1994), una delle voci più originali della grande stagione neodialettale novecentesca, visitabile fino al 14 giugno presso la Mole Vanvitelliana. La mostra è realizzata con il sostegno del Comune di Ancona e accompagnata da scritti inediti di Franco Brevini e Marta Paraventi. Non un semplice percorso documentario, ma un’indagine visiva e poetica, capace di coniugare rigore analitico e sensibilità estetica. Il termine revisited richiama l’idea del ritorno come occasione per una rilettura e una ricomposizione: da un lato lo sguardo che si posa nuovamente su un luogo familiare, dall’altro la distanza critica che permette di reinterpretarlo.

Massimo Baldini, nato e cresciuto in Ancona, attraversa la città come un tessuto vivo. Le sue fotografie non cercano l’effetto spettacolare, ma una rivelazione progressiva. Scale che salgono e scendono come intervalli di una partitura, fronti urbani segnati dal tempo, scorci in cui l’antico riaffiora nel moderno: ogni immagine invita a rallentare, a sostare, a guardare meglio. La monumentalità del Passetto si scioglie nella vita quotidiana che scorre ai piedi del sacrario; una curva verso il molo, una lanterna solitaria, il colore inatteso di una banchina arrugginita diventano epifanie silenziose. Molte fotografie lavorano sul tema della soglia, della frontiera, del passaggio: la scalinata imponente, la strada che costeggia il molo e conduce verso la nave in partenza, la linea obliqua che separa la città dal mare. Ognuna di queste immagini non è solo un tema compositivo, ma chiama in causa l’esperienza del collocarsi tra due dimensioni: l’alto e il basso, l’aperto e il chiuso, il tempo vissuto e quello immaginato.

In questo tessuto visivo i versi di Franco Scataglini attivano una corrente sotterranea tra una fotografia e l’altra. Il suo dialetto è appena discosto dall’italiano, ma proprio in questo scarto minimo è incisa l’impronta geografica ed esistenziale che Scataglini intende portare nella sua poesia. I due autori sono uniti da un’estetica della sottrazione. Entrambi tolgono, riducono all’essenziale: l’uno le misure delle parole, dei versi e delle strofe; l’altro l’immagine sfrondata di tutto ciò che non sia indispensabile. 

Le fotografie non illustrano i versi, e i versi non commentano le immagini. Piuttosto si rispecchiano, si rafforzano, si contraddicono, creando una narrazione che procede per risonanze. Baldini mostra il visibile, Scataglini gli attribuisce un significato. Il fotografo coglie l’apparizione, il poeta ne intuisce il destino. L’uno indica l’oggetto, l’altro ne fa emergere la profondità simbolica. Ancona Revisited è un invito a pensare la città secondo un principio etico dello sguardo. Non esibita, ma interpretata. Non posseduta, ma restituita nella sua verità. 

Massimo Baldini si è occupato in particolare dell’identità italiana attraverso la fotografia. Tra le sue mostre personali: Italianité, Parigi, Maison de l’Italie, 2017; A Tour not so Grand, Bologna, Fondazione Carlo Gajani, 2018; White Noise, Milano, Galleria Made4Art, 2022; Casa Nostra. Housing in Italy, Ancona, Theia ArtGallery, 2025.  Italia Revisited #1, un progetto di lungo periodo sulle trasformazioni del paesaggio italiano, a cura di Claudio Marra, è stato in esposizione a Bologna, Complesso monumentale del Baraccano, 2023; Ravenna, Fondazione Sabe per l’Arte, 2024; Friburgo, Regierungspräsidium, 2025; Rheinfelden, Rathausgalerie, 2025. In volume ha pubblicato Gli Italiani, con testi scelti da Claudio Giunta, Bologna, Il Mulino, 2019.

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