Così diceva Elton John: “Come quando si scrive una canzone, anche quando si scatta una fotografia c’è un po’ di fortuna e di caso – qualcosa accade nel momento giusto e bisogna avere l’intelligenza di premere lo scatto”. Queste parole portano a comprendere lo spirito di Fragile Beauté, la mostra che celebra oltre trent’anni di collezionismo fotografico da parte di Sir Elton John e David Furnish. Un tragitto che è sia un omaggio alla loro passione, che anche il riflesso di un gusto personale e di uno sguardo del tutto particolare, maturato nel tempo loro vissuto come collezionisti.  Ora al Al Jeu de Paume  di Parigi   fino al 27 settembre 2026 esposti trecento scatti raccolti in quarant’anni di collezionismo.

 Le opere in mostra, tante, selezionate tra le oltre 7.000 immagini che compongono la loro collezione, sono scatti diventati icone inconfondibili, capaci di esplorare quel sottile equilibrio che bilancia forza e vulnerabilità e che appartiene, nel profondo, alla condizione umana.

Un secolo di sguardi, tra desiderio e identità. Ripercorrendo la storia della fotografia moderna e contemporanea, la mostra riunisce una selezione eccezionale dei fotografi più importanti al mondo, con opere che spaziano dal 1950 a oggi. Il percorso, adattato dall’esposizione presentata al Victoria and Albert Museum tra maggio 2024 e gennaio 2025, si articola in cinque sezioni tematiche dedicate a desiderio, moda, celebrità, affermazione delle identità e fotogiornalismo, restituendo uno sguardo curioso e trasversale capace di spaziare dai ritratti di grandi musicisti, artisti e attori alla bellezza maschile, dal reportage all’astrazione fotografica: immagini che colpiscono per intensità, modernità e capacità di raccontare un’epoca insieme al proprio autore.

Tra gli artisti in mostra figurano Robert Mapplethorpe, Harley Weir, Irving Penn, Diane Arbus, Ai Weiwei, Herbert List e molti altri, accanto a un’installazione monumentale di 149 stampe firmate da Nan Goldin, tratte dalla sua serie Thanksgiving.

Elton John è  da tutti considerato celebre come cantautore, molto meno noto è il suo ruolo di collezionista di fotografie. Insieme al marito David Furnish, ha costruito nel tempo una delle raccolte fotografiche private più importanti al mondo: oltre 7.000 scatti, che coprono un arco temporale dai primi del Novecento a oggi. Una collezione tutt’altro che statica: i due non esitano a cedere alcuni pezzi per acquisirne altri, fanno mercato di un settore come la fotografia che nel Novecento ha trovato una grande presa. Il patrimonio fotografico dell’artista britannico settantasettenne, insignito del titolo di Sir dalla regina Elisabetta, era già stato esposto alla Tate Modern nel 2016, con circa 150 stampe d’epoca (anni Venti-Cinquanta) di 70 fotografi diversi, tra cui nomi celebri come Man Ray, André Kertész, Brassaï, Dorothea Lange, Tina Modotti, Edward Weston e Aleksandr Rodčenko, accanto a autori meno conosciuti.

“Amo i pittori, colleziono quadri, ma nulla dice la verità come una fotografia”, ebbe a confidare Elton John in un’intervista, aggiungendo, con un pizzico di ironia, che l’amico David Hockney non gliela perdonerebbe. David Furnish ricorda invece come sia nata la passione comune: fu proprio durante la loro prima notte insieme a Windsor, residenza della coppia vicino a Londra, che scoprirono di condividere lo stesso amore per la fotografia, lui con i suoi libri, Elton con alcuni scatti già in suo possesso.

Crediti fotografici: Harley Weir, Boys Don’t Cry, Senegal, 2015 © Harley Weir (la foto in macchina); Pirkle Jones, Black Panthers da Sacramento, Free Huey Rally, 1968 © I Regenti dell’Università della California. Per gentile gentile Collezione Speciale, Biblioteca Universitaria, Università della California, Santa Cruz. Fotografie di Ruth-Marion Baruch e Pirkle Jones;Melvin Sokolsky, Over New York, 1963 Melvin Sokolsky, per gentile cortesia della Fahey/Klein Gallery, Los Angeles; Herman Leonard, Chet Baker, New York City, 1956 © Herman Leonard Photography, LLC.

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Visitare “Belpaese. A Photographic journey. L’Italia nelle collezioni fotografiche della Fondazione di Venezia”, a cura di Denis Curti, in mostra da M9 Museo del ’900 di Mestre (Venezia) fino al 13 settembre, è come affacciarsi da una finestra sull’Italia del secolo scorso.

La selezione di una cinquantina di fotografie proviene dalla vasta collezione della Fondazione di Venezia: un patrimonio di 2.500 scatti, in progressivo incremento, in gran parte arrivati con l’acquisizione nel 2007 del fondo Zannier (circa 12mila volumi e 1.300 fotografie originali, dalla dagherrotipia alla stampa digitale), a cui si sono aggiunte le raccolte dall’archivio milanese Forma. L’obiettivo raggiunto con queste acquisizioni, anche attraverso il lavoro di restauro e digitalizzazione, è quello di aver scongiurato la dispersione di una rara visione d’insieme con una raccolta che consente un viaggio attraverso 170 anni di stili e autori. Denis Curti è consulente per la gestione e valorizzazione di questo patrimonio, oltre che direttore artistico delle Stanze della Fotografia a Venezia, in passato ha diretto la Biennale Internazionale di Fotografia di Torino, l’agenzia Contrasto e il mensile «Il Fotografo. Belpaese», e M9 si erge come un’apparizione in una zona un tempo degradata nel centro di Mestre, progettato dallo studio berlinese Sauerbruch Hutton, inaugurato nel 2018. “Circondato da diversi edifici dismessi, è stata una scommessa, un’operazione di rigenerazione urbana finanziata dalla Fondazione di Venezia, -spiega la direttrice Serena Bertolucci, che è anche docente all’Università di Genova di Interpretazione e valorizzazione del patrimonio culturale-. Nel decennale, possiamo dire che i risultati sono eccellenti: M9 ha visto la presenza di 700 classi nel 2025, ha staccato 70mila biglietti, con un incremento di visitatori molto significativo negli ultimi anni, ma se si contano i partecipanti agli eventi che il Museo organizza si arriva a 130mila presenze, per non parlare degli effetti a ricaduta sul quartiere e di un record tutto speciale, quello della più lunga permanenza all’interno di un museo». La sua mission è quella di raccontare la storia che il nostro Paese ha attraversato nel ’900, un unicum in Italia, sottolinea la direttrice, e un compito che M9 intende perseguire “facendo ricorso a tutte le forme di ingegno e creatività. Gli studenti di Ca’ Foscari hanno definito M9 “terzo luogo”, definizione che trovo molto pertinente, destinato a intercettare diversi interessi e rivolto a una vasta e variegata platea”.

La selezione operata per la mostra “Belpaese” costruisce un sentiero di immagini che ritraggono l’Italia dagli anni Cinquanta ad oggi secondo la visione di fotografi come Mario Giacomelli, Ferdinando Scianna, Italo Zannier, Aldo Beltrame, Fulvio Roiter, Nino Migliori, Tazio Secchiaroli, Luca Campigotto, Mimmo Jodice, Maurizio Galimberti, Gianni Berengo Gardin, Francesca Spanio, Elio Luxardo ed Elisabetta Catalano. Un percorso che si snoda suggestivamente circondato dalle immagini e dai suoni di alcuni frame dalle pellicole del cinema italiano che hanno fatto la storia del ’900. “La mostra, spiega il curatore Denis Curti, si configura come un viaggio tra due modalità interpretative, due modi diversi di guardare l’Italia: da un lato la prospettiva documentaria, attraverso la quale molti autori hanno saputo raccontare la condizione dell’uomo e il suo tessuto sociale con estrema lucidità, registrando la realtà con occhio attento e responsabile. Dall’altro, emerge una forte propensione a dedicarsi alla sfera evocativa, a quel processo figurativo che richiede all’osservatore una partecipazione attiva nel decifrare i messaggi nascosti sotto la superficie ambigua di ogni fotogramma. Due modi entrambi essenziali per comprendere nel profondo il nostro Paese. La selezione operata per questa mostra procede da una curatela attenta delle collezioni Zannier e Forma, due nuclei che rappresentano due diverse stagioni della fotografia italiana nel secondo ’900. Due acquisizioni distinte che, riunite in un unico corpo, inquadrano lo spettro fluido della storia fotografica”.

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Accesso Galleria a Pietrasanta presenta “Sally Gall. Vertical World”, la nuova serie fotografica dell’artista americana, esposta per la prima volta in una mostra personale in Italia.

L’esposizione aperta fino al 9 agosto 2026 propone dieci fotografie di medie e grandi dimensioni (66×102 cm e 84×127 cm), realizzate con stampa a pigmenti d’archivio dedicate ad alcune delle più monumentali pareti rocciose degli Stati Uniti occidentali, restituite attraverso una ricerca che indaga il confine tra documentazione fotografica e astrazione.

Gli scatti di Gall, caratterizzati da una forte intensità cromatica, richiamano suggestioni pittoriche riconducibili a Clyfford Still e Helen Frankenthaler ma sono frutto di un’ispirazione nata in un viaggio nel Grand Canyon durante una discesa di rafting che ha spinto la fotografa americana a viaggiare alla ricerca di paesaggi simili da poter immortalare

Le pareti protagoniste degli scatti in mostra ritraggono diversi canyon dell’ovest americano — come l’altopiano del Colorado, i canyon di roccia rossa dell’Utah, le straordinarie vedute tipiche dell’Arizona, Colorado, Nevada e New Messico — e vogliono raccontare una percezione nuova del paesaggio roccioso: non una superficie statica o inerte ma un organismo vivo e in trasformazione attraversato da processi geologici lenti e continui. Fratture, stratificazioni e tracce minerali diventano elementi attivi di una narrazione visiva che supera la dimensione descrittiva.

Pur mantenendo un approccio documentaristico, il lavoro di Sally Gall tende all’astrazione. L’eliminazione di riferimenti spaziali — come la linea dell’orizzonte — e la riduzione degli elementi compositivi — con la minimizzazione di ombre e punti luce — conducono l’immagine a una condizione di sospensione, in cui il paesaggio si trasforma in superficie pittorica. La fotografia di Gall è fedele alla realtà osservata, nulla viene aggiunto o cancellato. La sua ricerca si concentra sulla capacità di restituire il reale come esperienza percettiva e non come rappresentazione mediata.

«Il mio obiettivo – dichiara l’artista – è di fotografare la Terra in azione. Un mondo  scultoreo creato dal vento, dalla pioggia, dal tempo. Un’azione infinitesimamente lenta, difficilmente concepibile in quanto non si rapporta con il tempo umano.» 

Con Vertical World, Sally Gall propone una riflessione sulla percezione del paesaggio naturale, invitando lo spettatore non solo a riconsiderare la vitalità della Terra, ma — in senso più ampio — a riscoprire lo straordinario nell’ordinario, la poesia nel quotidiano.

Sally Gall (Washington, 1956) vive e lavora a New York. Dopo il Diploma in Belle Arti alla Rhode Island School of Design (1978), sviluppa una ricerca fotografica centrata sul mondo naturale e sulla sua percezione. Il suo lavoro indaga il confine tra figurazione e astrazione: attraverso un uso essenziale del linguaggio fotografico, elimina indizi spaziali e tridimensionali per trasformare soggetti riconoscibili in immagini ambigue e sospese. Ne emerge una pratica che si concentra sul momento di passaggio tra rappresentazione e astrazione. Nel corso della sua carriera ha esplorato sia i modi in cui l’essere umano attraversa e modifica il paesaggio — come in serie dedicate a campi coltivati, sentieri o gesti quotidiani — sia la dimensione più immobile e geologica della Terra, con lavori su specchi d’acqua, spazi sotterranei e pareti rocciose. Nel corso di oltre quarant’anni di attività è stata artista in residenza presso la Rockefeller Foundation e Director’s Guest alla Civitella Ranieri Foundation. Le sue opere sono presenti in importanti collezioni pubbliche e private, tra cui il Whitney Museum of American Art e il Solomon R. Guggenheim Museum di New York, il San Francisco Museum of Modern Art, il Museum of Fine Arts di Houston e la Bibliothèque Nationale de France.

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In M9 Museo del ‘900, a Venezia-Mestre ecco Altipiano, un progetto fotografico di Loïc Seron dedicato all’Altopiano di Asiago e all’opera letteraria di Mario Rigoni Stern, visitabile fino al 23 agosto 2026. Uno dei più grandi scrittori italiani del Novecento, Rigoni Stern ha fatto dell’Altopiano il centro di tutta la sua scrittura: i boschi, le acque, i pascoli, il rapporto consapevole tra l’uomo e la montagna, l’armonia con la natura come unica via verso una felicità possibile.

Seron non costruisce una raccolta di immagini paesaggistiche, ma un dialogo: il suo sguardo si muove sugli stessi luoghi che Rigoni Stern ha trasformato in parola, cercando nei sentieri e nelle stagioni la stessa tensione tra memoria, ecologia e presenza umana che attraversa tutta la sua opera. “Belpaese A Photographic Journey” porta in M9 una selezione di opere provenienti dalle collezioni della Fondazione di Venezia, in un percorso che attraversa paesaggi fisici e sociali, persone e luoghi, dalla ricostruzione postbellica fino ai giorni nostri. La grande fotografia italiana è qui al tempo stesso soggetto e medium: le immagini non illustrano la storia, la costituiscono.

A partire dalla primavera del 2014 Seron ha percorso l’Altopiano in ogni stagione: un lavoro di lungo corso che non cerca l’effetto spettacolare ma l’essenza dei luoghi. La mostra presenta una selezione di circa 70 fotografie, accompagnate da estratti dalle opere di Rigoni Stern, da testi dello stesso Seron e da materiali originali dello scrittore: un percorso che invita a riconoscere nel paesaggio i luoghi di una memoria collettiva ancora viva.

La mostra si articola intorno a due modalità dello sguardo fotografico. Da un lato la prospettiva documentaria, con la sua capacità di registrare la condizione dell’uomo e il tessuto sociale con lucidità e responsabilità. Dall’altro, una vocazione evocativa che richiede all’osservatore una partecipazione attiva nel decifrare i messaggi nascosti sotto la superficie di ogni fotogramma. Il percorso espositivo nasce dal patrimonio fotografico della Fondazione di Venezia, il cui cuore è il fondo acquisito nel 2007 da Italo Zannier, critico, studioso e docente: circa 12.000 volumi e 1.300 fotografie originali, a cui si sono sommate più recenti integrazioni e donazioni.

La selezione raccoglie due diverse stagioni della fotografia italiana nel secondo Novecento, restituendo lo spettro fluido della storia del nostro Paese. In mostra oltre 50 opere di Mario Giacomelli, Ferdinando Scianna, Gianni Berengo Gardin, Mimmo Jodice, Fulvio Roiter, Nino Migliori, Luca Campigotto, Maurizio Galimberti, Elio Luxardo, Tazio Secchiaroli, Elisabetta Catalano, Francesca Spanio e altri. Fotografie restaurate e digitalizzate che tornano a parlare di un Paese in trasformazione continua, ancora riconoscibile, ancora irrisolto.

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Ci sono città che si offrono immediatamente allo sguardo, mostrando senza esitazione geometrie, monumenti, percorsi consueti. E ce ne sono altre che chiedono tempo, attenzione, ascolto. Ancona appartiene a questa seconda categoria: città-soglia, porto reale e interiore, luogo che custodisce la propria identità negli interstizi, nelle pieghe, nei silenzi. 

Nasce da questa consapevolezza la mostra Ancona Revisited, un dialogo serrato tra le fotografie di Massimo Baldini e i versi di Franco Scataglini (Ancona, 1930 – Numana, 1994), una delle voci più originali della grande stagione neodialettale novecentesca, visitabile fino al 14 giugno presso la Mole Vanvitelliana. La mostra è realizzata con il sostegno del Comune di Ancona e accompagnata da scritti inediti di Franco Brevini e Marta Paraventi. Non un semplice percorso documentario, ma un’indagine visiva e poetica, capace di coniugare rigore analitico e sensibilità estetica. Il termine revisited richiama l’idea del ritorno come occasione per una rilettura e una ricomposizione: da un lato lo sguardo che si posa nuovamente su un luogo familiare, dall’altro la distanza critica che permette di reinterpretarlo.

Massimo Baldini, nato e cresciuto in Ancona, attraversa la città come un tessuto vivo. Le sue fotografie non cercano l’effetto spettacolare, ma una rivelazione progressiva. Scale che salgono e scendono come intervalli di una partitura, fronti urbani segnati dal tempo, scorci in cui l’antico riaffiora nel moderno: ogni immagine invita a rallentare, a sostare, a guardare meglio. La monumentalità del Passetto si scioglie nella vita quotidiana che scorre ai piedi del sacrario; una curva verso il molo, una lanterna solitaria, il colore inatteso di una banchina arrugginita diventano epifanie silenziose. Molte fotografie lavorano sul tema della soglia, della frontiera, del passaggio: la scalinata imponente, la strada che costeggia il molo e conduce verso la nave in partenza, la linea obliqua che separa la città dal mare. Ognuna di queste immagini non è solo un tema compositivo, ma chiama in causa l’esperienza del collocarsi tra due dimensioni: l’alto e il basso, l’aperto e il chiuso, il tempo vissuto e quello immaginato.

In questo tessuto visivo i versi di Franco Scataglini attivano una corrente sotterranea tra una fotografia e l’altra. Il suo dialetto è appena discosto dall’italiano, ma proprio in questo scarto minimo è incisa l’impronta geografica ed esistenziale che Scataglini intende portare nella sua poesia. I due autori sono uniti da un’estetica della sottrazione. Entrambi tolgono, riducono all’essenziale: l’uno le misure delle parole, dei versi e delle strofe; l’altro l’immagine sfrondata di tutto ciò che non sia indispensabile. 

Le fotografie non illustrano i versi, e i versi non commentano le immagini. Piuttosto si rispecchiano, si rafforzano, si contraddicono, creando una narrazione che procede per risonanze. Baldini mostra il visibile, Scataglini gli attribuisce un significato. Il fotografo coglie l’apparizione, il poeta ne intuisce il destino. L’uno indica l’oggetto, l’altro ne fa emergere la profondità simbolica. Ancona Revisited è un invito a pensare la città secondo un principio etico dello sguardo. Non esibita, ma interpretata. Non posseduta, ma restituita nella sua verità. 

Massimo Baldini si è occupato in particolare dell’identità italiana attraverso la fotografia. Tra le sue mostre personali: Italianité, Parigi, Maison de l’Italie, 2017; A Tour not so Grand, Bologna, Fondazione Carlo Gajani, 2018; White Noise, Milano, Galleria Made4Art, 2022; Casa Nostra. Housing in Italy, Ancona, Theia ArtGallery, 2025.  Italia Revisited #1, un progetto di lungo periodo sulle trasformazioni del paesaggio italiano, a cura di Claudio Marra, è stato in esposizione a Bologna, Complesso monumentale del Baraccano, 2023; Ravenna, Fondazione Sabe per l’Arte, 2024; Friburgo, Regierungspräsidium, 2025; Rheinfelden, Rathausgalerie, 2025. In volume ha pubblicato Gli Italiani, con testi scelti da Claudio Giunta, Bologna, Il Mulino, 2019.

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E’ proprio vero che bisogna girare il mondo per conoscerlo a fondo e visionare storie, comunità, culture, riti, drammi e tanto altro.   A tal proposito, e fortemente educativa, è la mostra aperta al pubblico, visitabile fino al 6 settembre 2026, che si tiene al Museum Rietberg di Zurigo Quasi un paradiso. Fotografia dell’era coloniale nell’arte contemporanea, una mostra collettiva di artisti di fama internazionale provenienti o appartenenti alle diaspore di Africa, Americhe, Asia, Australia e Oceania che lavorano con materiale visivo dell’era coloniale per raccontare quali storie sono nascoste nelle fotografie storiche e in che modo gli artisti contemporanei le hanno portate alla luce. 

Artisti in mostra. Sammy Baloji, Raphaël Barontini, Mary Enoch Elizabeth Baxter, Daniel Boyd, Andrea Chung,Omar Victor Diop & Lee Shulman, Sasha Huber, Yuki Kihara, Cédric Kouamé, Dinh Q. Lê, Dimakatso Mathopa, Tuli Mekondjo, Tshepiso Moropa, Aline Motta, Frida Orupabo, Rosana Paulino, Wendy Red Star, David Shongo, Zenaéca Singh.

Le loro opere – poetiche, critiche, visionarie – indagano come tali immagini definiscano identità, storia, senso di appartenenza e come possano essere reinterpretate. Queste opere rivelano un potere di guarigione che trascende i contesti storici specifici e che può toccare ciascuno di noi.

Venti artisti rinomati esplorano lo stato attuale di questo patrimonio fotografico attraverso quattro sezioni tematiche, agendo come archivisti, come contro-sguardo al punto di vista coloniale, come forze protettive e come potenti narratori che danno spazio a storie nascoste. Composte da fotografie, tessuti, film e sculture, le loro opere espandono i confini del medium fotografico e intrecciano domande legate alla propria identità e alle memorie collettive. Ciò che le accomuna è un atteggiamento di speranza: la memoria rimane fluida e capace di resistere. Emerge così un cosmo visionario di immagini che sovverte le narrazioni familiari e mette in luce storie non raccontate. Cosa accadrebbe se questi mondi visivi diventassero reali? Possiamo ritrovare un tipo di paradiso quando la storia viene raccontata in polifonia? E quale potere esercitano le immagini che vediamo ogni giorno, prima ancora che iniziamo a interrogarle?

Ecco le quattro sezioni tematiche.

MUTAZIONI

Sono state scattate milioni di fotografie dall’invenzione del mezzo, ma questa eredità rimane distribuita in modo diseguale. In molti luoghi al di fuori dell’Europa, mancano fotografie che documentino il passato delle comunità, offrendo risposte sulle loro origini, memorie, appartenenze. Senza fotografie, una parte della loro storia rimane nascosta. Nella prima sezione della mostra, gli artisti reagiscono a questa assenza creando i propri archivi. Le loro opere rendono visibile ciò che è stato tramandato – e ciò che è andato perduto.

Artisti selezionati

Dinh Q. Lê (1968–2024, Vietnam). Cercando nei mercatini di Ho Chi Minh City le fotografie perdute della propria famiglia, ha scoperto migliaia di immagini appartenute a famiglie costrette alla fuga. In Crossing the Farther Shore, intreccia queste fotografie in grandi strutture cubiche che restituiscono un volto alle storie raramente raccontate della vita quotidiana nel Vietnam del Sud prima della guerra.

Rosana Paulino (nata 1967, Brasile) denuncia la mancanza di documentazione visiva delle persone nere nella memoria culturale brasiliana. La sua opera monumentale Parede da Memória (Muro della Memoria) ripete gli stessi undici ritratti 750 volte, rendendo impossibile ignorare le lacune della memoria collettiva.

Cédric Kouamé (nato 1992, Costa d’Avorio). Con The Gifted Mold Archive, esplora la materialità della fotografia. La mancanza di misure di conservazione in Costa d’Avorio ha fatto sì che molte fotografie si deteriorassero: questa decomposizione genera nuove composizioni e spazi inattesi per l’interpretazione.

CONFRONTO

La colonizzazione si è sviluppata parallelamente alla diffusione della fotografia in tutto il mondo. La macchina fotografica ha agito come uno strumento capace di rappresentare i popoli colonizzati come “altri”, come diversi. Queste immagini furono riprodotte in massa in riviste e cartoline, diventando parte integrante della nostra memoria visiva collettiva. Ma le immagini non si limitano a plasmare il modo in cui vediamo il mondo: stabiliscono anche ciò che crediamo di essere. Gli artisti presentati nella seconda sezione della mostra traggono forza e resistenza proprio da questi stereotipi coloniali. Cercano fotografie del passato, le decostruiscono e danno loro nuovi significati, reinterpretando ciò che era stato imposto come verità visiva.

Artisti selezionati

Wendy Red Star (1981, USA). Nella serie Four Seasons, prende di mira con ironia e precisione le fotografie storiche dei nativi nordamericani. I suoi autoritratti messi in scena deridono l’idea romantica secondo cui gli indigeni vivessero in perfetta armonia con la natura: lo fa utilizzando paesaggi artificiali, fiori di plastica, erba sintetica e animali gonfiabili.

Omar Victor Diop (1980, Senegal). Nel progetto Being There (in collaborazione con Lee Shulman, 1973, Regno Unito), si inserisce retroattivamente in scene della vita quotidiana della popolazione bianca degli Stati Uniti degli anni ’50 e ’60. Con naturale sicurezza, appare in situazioni da cui, come uomo nero, sarebbe stato escluso a causa della segregazione razziale.

Yuki Kihara (1975, Samoa). Nel video First Impressions: Paul Gauguin, crea una satira in stile talk show. I partecipanti discutono in modo irriverente i dipinti tahitiani di Paul Gauguin, affrontando le sue rappresentazioni stereotipate del genere e sviluppando letture queer che ribaltano l’iconografia del pittore.

CURA

Nel corso del tempo, le fotografie storiche hanno spesso mostrato ingiustizie. In tutto il mondo, la macchina fotografica ha documentato lo sfruttamento dei corpi e della terra. Gli artisti della terza sezione reagiscono a queste immagini storiche con una forma di empatia radicale. Intervengono nelle fotografie, cercando di proteggere coloro che hanno subito ingiustizie davanti – e oltre – l’obiettivo. Queste opere ci ricordano che il passato non è davvero passato: le sue eco sono ancora avvertibili nel presente.

Artisti selezionati

Sasha Huber (1975, Svizzera). Mostra come le fotografie storiche possano essere “rammendate” nella serie Tailoring Freedom. Con un gesto di cura furiosa, utilizza una graffettatrice per intervenire sulle immagini realizzate dal naturalista svizzero-americano Louis Agassiz, che nel 1850 fece fotografare persone schiavizzate nude nel tentativo di sostenere la sua teoria della “gerarchia delle razze”. Le graffette perforano l’immagine, creando un’armatura che protegge i soggetti rappresentati, sottraendoli allo sguardo colonialista.

Nel 1882, il pittore e fotografo statunitense Thomas Eakins realizzò fotografie di una bambina nera nuda. Oggi, queste immagini rivelano quanto i corpi dei bambini neri fossero sessualizzati e oggettificati. Mary Enoch Elizabeth Baxter (1981, USA). Interviene in quel momento fotografico, utilizzando il proprio corpo come uno scudo protettivo per la bambina.

Zenaéca Singh (2000, Sudafrica). I suoi antenati furono condotti dall’India alla colonia di Natal (attuale Sudafrica) come lavoratori a contratto nelle piantagioni di zucchero. Per Singh, lo zucchero non è solo un soggetto artistico: è una materia viva della memoria familiare. Incorpora le fotografie della sua famiglia nel vetro di zucchero, creando immagini fragili e luminose che invitano a uno sguardo intimo sulla propria storia.

IN THE PHOTO FANTASTIC

Le lacune nella storia scritta, le fratture nella propria biografia o le informazioni mancanti sulle persone raffigurate costituiscono il punto di partenza della sezione finale della mostra. Qui, gli artisti si basano sui metodi della critical fabulation sviluppati da Saidiya Hartman, in cui i vuoti della storia vengono colmati attraverso modalità immaginative. Gli artisti si dedicano a questa pratica visiva speculativa, che si costruisce a partire da frammenti storici, dando origine a scene in cui memoria e fantasia si intrecciano. Le figure rappresentate assumono nuovi ruoli, voci e identità. Gli artisti riescono così a liberare tali figure e a condurle in uno spazio ricco di possibilità, dove passato, presente e futuro si mescolano e dove, per un momento, il paradiso sembra a portata di mano.

Artisti selezionati

Raphaël Barontini (1984, Francia). La sua arte è popolata da eroine che la storia ha ignorato. La sua ultima opera è basata su Nobosudru, una donna proveniente dall’attuale Repubblica Democratica del Congo, il cui ritratto fu scattato durante un viaggio in Africa organizzato da Citroën nel 1924–25. In Europa, la sua immagine divenne un simbolo della figura della “donna africana”. Barontini immagina quell’incontro dal punto di vista di Nobosudru, invertendo lo sguardo coloniale. Non più soggetto passivo della rappresentazione, ma autrice della propria storia.

Andrea Chung (1978, USA). Rielabora il mito afrofuturista di Drexciya, secondo cui le donne africane incinte, gettate in mare dalle navi negriere, avrebbero dato alla luce bambini capaci di vivere sott’acqua. Questi bambini avrebbero fondato un regno sottomarino paradisiaco, dove il trauma della schiavitù si trasforma in una storia di sopravvivenza, resistenza e futurismo nero. Chung immagina un museo per gli abitanti di Drexciya. Nelle sue opere compaiono i volti di donne nere tratti da fotografie storiche della collezione del Museo Rietberg, restituendo loro nuova visibilità.

FOTOGRAFIE STORICHE

Il Museum Rietberg custodisce una vasta collezione di fotografie scattate in Africa e in Asia tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Tra queste vi sono documentazioni visive etnografiche e coloniali, nonché fotografie di studio realizzate da fotografi africani e asiatici. Queste fotografie costituiscono un sottile filo conduttore che attraversa tutte le sezioni della mostra e, nelle loro nuove opere, gli artisti vi hanno attinto per rendere visibili i messaggi nascosti in queste immagini.

Un film prodotto per una parte della mostra presenta le domande sollevate, le prospettive aperte e le interpretazioni offerte da questa collezione. Cattura momenti chiave di un workshop tenutosi presso il Museum Rietberg alla fine di marzo 2025, durante il quale artisti, ricercatori e curatori hanno studiato e lavorato insieme sulla collezione fotografica del museo.

In questo spazio, i visitatori sono inoltre invitati a riflettere sulle proprie fotografie. Che cosa possono dirci le immagini sulla nostra storia e sui nostri ricordi? In che modo la nostra capacità di ricordare è influenzata dall’osservazione delle fotografie? Cittadini di Zurigo ci hanno permesso di dare uno sguardo ai loro album fotografici personali, condividendo con noi le loro storie. Questi archivi visivi personali crescono nel corso della mostra, creando un nuovo spazio di polifonia visiva.

Rietberg Museum

Il Museo Rietberg di Zurigo è uno dei più grandi musei d’arte della Svizzera. È dedicato all’arte delle culture tradizionali e contemporanee di Asia, Africa, America e Oceania. Le collezioni del museo comprendono 32.600 oggetti e 49.000 fotografie. Gli oggetti sono in gran parte accessibili nelle sale del museo e nel deposito aperto al pubblico. Le attività del Museo Rietberg sono caratterizzate da un alto livello di professionalità, inclusione e diversità e si rivolgono a un pubblico locale e internazionale. Il museo testimonia il legame della città di Zurigo con le culture del mondo e sensibilizza i singoli risultati artistici e la diversità religiosa e sociale. In questo modo, svolge un’importante missione culturale in un mondo sempre più globalizzato.

Le collezioni di fama internazionale costituiscono la base di tutte le attività del museo e ne determinano la reputazione. Le opere richiedono una ricerca scientifica continua, compresa la ricerca sulla provenienza, rispetto alla quale il museo mantiene un approccio trasparente: i risultati della ricerca, sono ampiamente accessibili online e i curatori a disposizione per ogni domanda o chiarimento. Il Museo Rietberg è connesso a una rete di esperti nei vari settori culturali e a istituzioni culturali e collezionisti, sia a livello locale che internazionale. Nel dialogo con i Paesi d’origine, si concentra su collaborazioni a lungo termine, ad esempio, in Camerun, Perù, India e Pakistan. Il museo organizza due o tre grandi mostre temporanee all’anno, integrate da tre o quattro mostre più piccole che attingono alle sue collezioni interne. Le mostre temporanee sono prodotte talvolta all’interno del Museo e in altre occasioni sono il frutto di collaborazioni internazionali con musei e istituzioni dei Paesi d’origine e vogliono promuovere le culture extraeuropee e l’idea di tolleranza, dando così un esempio del cosmopolitismo della città di Zurigo.

Il programma di edutainment del museo offre un’ampia gamma di attività ludiche ed educative con visite guidate, conferenze e laboratori, per il pubblico in generale, per i più piccoli come pure per gruppi, per professionisti, studenti o insegnanti. Uno dei compiti del museo è la conservazione e la manutenzione del complesso storico del Rietberg – una combinazione unica di arte extraeuropea (mostre e attività museali), storia locale (Villa Wesendonck, Park-Villa Rieter, Villa Schönberg), architettura contemporanea (lo Smaragd degli architetti Krischanitz/Grazioli e il padiglione estivo di Shigeru Ban) e la natura del parco da preservare.

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In occasione della dodicesima edizione di gARTen, il Parco di Villa Rovere a Correggio (RE) ospita I Nascosti, video-installazione di Valentina Tamborra. L’autrice, più volte premiata per il suo lavoro di ricerca, presenta una nuova declinazione del progetto I Nascosti utilizzando la videoinstallazione per comporre un racconto corale: un viaggio fotografico e narrativo nel cuore dell’Artico, che racconta il legame profondo tra il popolo Sami – ultimo popolo indigeno d’Europa – e la natura artica.

Realizzata in collaborazione con l’artista visuale e musicista Diego Ronzio, l’opera trova spazio all’interno della storica ghiacciaia, sita al centro del bosco di noccioli, riconvertita a luogo d’arte e cultura. Attraverso volti, testimonianze e paesaggi del Finnmark, la video-installazione accompagna il visitatore lungo il confine più settentrionale della Norvegia, da Tromsø a Capo Nord, restituendo la relazione profonda che lega il popolo Sami al territorio artico.

Le voci raccolte nel corso del viaggio si fondono agli joik, l’antica forma di canto tradizionale Sami, e ai suoni del tamburo sciamanico: elementi spirituali e identitari che per secoli sono stati repressi dai processi di cristianizzazione e di assimilazione culturale imposti dallo Stato norvegese. E proprio da una riflessione sul periodo della cristianizzazione parte il racconto: è la voce della nota attrice Federica Fracassi a leggere la Genesi secondo i sami, all’inizio dell’opera.

Tra immagini, suoni, luce e silenzi, I Nascosti costruisce così una riflessione sul rapporto tra appartenenza, paesaggio e memoria collettiva. «Sono arrivata oltre il Circolo polare artico, nel Finnmark, per ascoltare la storia di chi per troppo tempo non ha avuto voce. Oggi provo a restituirla attraverso volti, parole, immagini, e non so se riuscirò a farlo nel modo migliore perché parlare delle storie altrui è complesso, ci si sente sempre in qualche modo inadeguati. C’è qualcosa però che mi fa sentire di poterci provare: vengo da un confine io stessa, ho imparato ben presto cosa significa stare ai margini», dichiara Valentina Tamborra.

Il progetto editoriale I Nascosti di Valentina Tamborra (Minimum Fax, 2024, con un testo di William T. Vollmann), vincitore del Premio Amato Lamberti per la Responsabilità Sociale 2025, nella categoria Diritti Umani, e finalista al Premio Editoriale Mariæ Nivis 1567, è parte di un percorso di incontro e conoscenza delle popolazioni che vivono l’Artico e che è partito dalle Isole Svalbard, con il progetto “Mi Tular – io sono il confine”, seguito da “Skrei il viaggio”, alle Lofoten e infine fra i Sami, nel Finnmark 

La Ghiacciaia di Villa Rovere è visitabile liberamente il 6 e 7 giugno con orario 11:00 o nell’ambito delle visite guidate organizzate alla Villa e al giardino. Per informazioni: info.ideedigomma@gmail.com

Valentina Tamborra è nata a Milano, dove vive e lavora. Fotografa e giornalista, si occupa di reportage e di ritratto e nel suo lavoro unisce scrittura e immagine. Insegna all’Istituto Italiano di Fotografia a e tiene lezioni presso lo IED, la Naba, Scuola Holden. Ha collaborato e collabora con realtà umanitarie come AMREF, Medici Senza Frontiere, Emergenza Sorrisi e Croce Rossa Italiana. I suoi progetti sono stati oggetto di mostre a Milano, Roma, Venezia e Napoli. Nel 2018, ha vinto il Premio AIF Nuova Fotografia. I Nascosti è il terzo capitolo di una trilogia sull’Artico della quale fa parte il progetto Skrei: il viaggio (Silvana Editoriale 2020) e “Mi Tular – io sono il confine”. Per approfondimenti: www.valentinatamborra.com, dove è possibile iscriversi alla sua newsletter (sezione contatti)

La dodicesima edizione di gARTen,per il secondo anno nella versione di “spazi in divenire”, si terrà il 6 e il 7 giugno 2026 nel parco di Villa Rovere (Via San Martino 3, Correggio) con orario 11.00-00:00 (ultimi ingressi 23:30) Nel suo nuovo formato, il festival si accompagna per due giorni a bazART handmade market organizzato dalla stessa associazione idee di gomma. Oltre al selezionato bouquet di artigiani che espongono, il parco si animerà di corsi creativi, momenti di riflessione, visite guidate storico-artistiche e botaniche, letture e atelier fotografici. Per informazioni: https://infoideedigomma.wixsite.com/idg-web/copia-di-bazart-garten-2025.

VALENTINA TAMBORRA. I Nascosti

Video-istallazione realizzata in collaborazione con Diego Ronzio

Con la partecipazione di Federica Fracassi

Parco di Villa Rovere, Ghiacciaia

Via San Martino 3, Correggio (RE)

6-7 giugno 2026

Orari: 11.00-23:30

Visite guidate storico-artistiche e botaniche su prenotazione: https://infoideedigomma.wixsite.com/idg-web/copia-di-bazart-garten-2025

Ingresso gratuito – offerta libera

INFORMAZIONI:

Associazione culturale idee di gomma

Mail info.ideedigomma@gmail.com

Sito  https://infoideedigomma.wixsite.com/idg-web

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Fondata nel 1959 dal milanese Gian Marco Manusardi e oggi attiva tra Milano, Roma e Sarzana, Finarte è una delle realtà storiche più rilevanti del mercato dell’arte italiano. Nata con l’obiettivo di accompagnare collezionisti e operatori nell’acquisto e nella vendita di opere d’arte e oggetti preziosi, nel tempo si è affermata come punto di riferimento anche per coloro che guardano all’arte non solo come oggetto di prestigio, ma come esperienza culturale vera e propria.

Antiquariato, arte moderna, gioielli, ma anche design, fotografia, libri, stampe e grafiche, sono solo alcune delle aree in cui Finarte opera oggi. Eppure, osservando da vicino dietro al sipario di vendite e cataloghi emerge con chiarezza un altro dato significativo ma forse poco evidenziato: gran parte del team e della struttura portante dell’azienda è segnata dalla componente femminile. Tuttavia, non si tratta di una scelta programmatica, quanto piuttosto di un’evoluzione naturale: competenze, studio, visione e capacità relazionale hanno costruito una squadra in cui oggi, molte delle posizioni chiave sono occupate da donne.

Una presenza significativa, che non sminuisce le posizioni maschili o ridefinisce gerarchie, ma contribuisce a renderle più articolate. Non un manifesto, né una presa di posizione di genere, ma piuttosto il risultato di un processo che segue una logica semplice, ma anche rigorosa: quella della qualità. Un valore è determinato dalla capacità di operare in un mercato complesso e altamente specializzato come quello dell’arte. È proprio questo equilibrio a definire oggi l’identità di Finarte. All’interno di questa struttura articolata, alcune figure offrono uno sguardo particolarmente significativo sulla varietà di ruoli e competenze della società.

A Roma Adele Coggiola, Senior Specialist di dipinti e disegni antichi, e responsabile di antiquariato (Roma) guida il dipartimento assieme a Sara Milone, che invece opera, da omologa, a Milano. Laureata in Storia dell’Arte, banditrice d’asta dal 2020, Adele Coggiola rappresenta una figura simbolica in un ruolo – quello sul rostro – tradizionalmente maschile. Salire sul podio, racconta, è come “dirigere un’orchestra”: clienti in sala, al telefono e online, oltre ai colleghi, tutti tenuti insieme in una “sinfonia” che dura pochi minuti ma decide il destino di un’opera. Non solo grazie alla competenza storico-artistica, ma a un sottile equilibrio tra cultura e mercato, dove fondamentale è l’empatia, in grado di legare gli elementi e far funzionare le cose.

Sempre a Roma, Georgia Bava è invece a capo del dipartimento di arte moderna e contemporanea. La sua esperienza presso Finarte testimonia intuizione, pragmatismo e coraggio: nel 2009, in piena crisi finanziaria mondiale, fu proprio lei a contribuire alla conquista dell’asta della collezione Alitalia. Un’operazione che portò Finarte al centro dell’attenzione mediatica. Come lei stessa ha dichiarato, il suo ruolo si avvicina a quello di una “talent scout”: per garantire il successo di un’esposizione e un’asta è cruciale saper individuare opere d’arte e artisti prima che il mercato li consacri.

A Milano Marina Sala, Responsabile della sede, coordina le attività operative. Dopo una formazione storico-artistica e un’esperienza consolidata nel settore delle aste, ha sviluppato una visione a 360 gradi dei processi, fondamentale per gestire priorità, persone e dinamiche quotidiane. Il suo ruolo si colloca in un punto di equilibrio tra organizzazione e operatività, dove capacità di adattamento e attenzione ai dettagli diventano strumenti essenziali per garantire il funzionamento della sede.

Un’altra componente significativa di Finarte è poi il comparto gioielli, articolato tra Roma e Milano con due figure complementari: Clara Arata, responsabile del dipartimento a Milano, cresciuta nel mondo orafo e forte di una formazione tecnico-commerciale, e Vittoria Tomasini, responsabile del dipartimento a Roma, di formazione umanistica e specializzazione gemmologica. Se Clara Arata testimonia quanto dietro alle quinte di un’asta sia rilevante il fattore adrenalina, dato che, nell’imprevedibilità, come lei stessa racconta, anche una collana partita da un’offerta di poche centinaia di euro può arrivare a cifre a cinque zeri, dall’altra parte, Vittoria Tomasini sottolinea come altrettanto fondamentale sia la fiducia dei clienti e dei venditori, alla base di ogni rapporto professionale.

Dietro la visibilità delle vendite, c’è poi un’architettura meno “appariscente” ma fondamentale: Viola Marzoli, Finance Manager, governa flussi finanziari complessi con precisione e visione d’insieme: “struttura, ordine e coerenza” che sostengono l’intero sistema. Senza un equilibrio tra questi elementi nessuna asta potrebbe dirsi davvero conclusa.

Nel Dipartimento libri, autografi e stampe, Diana Cardaci unisce formazione economico-gestionale e stupore intellettuale: tra i lotti più emozionanti raccolti da Finarte negli anni, ci racconta infatti anche di una primissima edizione del Sidereus Nuncius di Galileo Galilei del 1610, testimonianza di come anche un libro possa racchiudere dentro di sé una vera e propria rivoluzione. Un momento in cui anche la storia diventa arte.

Marica Rossetti, Responsabile Relazioni Esterne e Programmazione e Senior Specialist per la Fotografia, unisce formazione storico-artistica e capacità organizzativa, muovendosi tra coordinamento interno e costruzione di relazioni con interlocutori esterni. Un lavoro che richiede precisione, visione d’insieme e una costante attenzione all’equilibrio tra le diverse priorità, in un sistema in cui ogni asta è il risultato di un incastro complesso di tempi, persone e contenuti.

Nel dipartimento Fashion, Margherita Manfredi porta un’esperienza ventennale nel settore del luxury, contribuendo allo sviluppo di un ambito relativamente recente per Finarte. Il suo approccio si fonda su un insieme stratificato di competenze – esperienza, intuito, capacità di selezione e lettura del cliente – che riflettono la natura stessa del mercato di riferimento, dove il valore si costruisce tanto sugli oggetti quanto sulle relazioni e sulle aspettative.

A presidiare invece la dimensione organizzativa e umana dell’azienda è Sara Cremonesi, Responsabile HR e Affari Societari, che opera all’intersezione tra gestione delle risorse, normativa e sviluppo interno. Entrata in una fase iniziale di rilancio aziendale, ha contribuito alla definizione dei processi e alla crescita della struttura, lavorando su un elemento spesso invisibile ma decisivo: la qualità delle relazioni e il clima interno, fondamentali per il funzionamento complessivo dell’organizzazione.

Infine, c’è la dimensione digitale e strategica affidata a Muriel Ronconi, responsabile di The Boutique, piattaforma e-commerce che amplia il perimetro della casa d’aste verso un acquisto immediato, “a distanza di un click”, senza perdere il rigore curatoriale che contraddistingue Finarte, restando al passo con la modernità.

Se esiste un filo che unisce queste professioniste non è soltanto la preparazione – che spazia dalla storia dell’arte alla gemmologia, dall’economia culturale alla finanza – ma una combinazione di empatia, capacità decisionale e visione strategica. Oggi Finarte si racconta così: non attraverso slogan, ma attraverso un lavoro quotidiano fatto di valutazioni, cataloghi, trattative e bilanci, ma anche di stima, credibilità e fiducia costruite nel tempo. Un lavoro corale in cui la componente femminile non è mero dettaglio statistico, ma un dato concreto che fa di Finarte un esempio nel panorama artistico italiano.

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Nello spazio espositivo dello Studio Arti Visive a Matera in via delle Beccherie n. 41 inaugurata la mostra fotografica “SURFACE – The Human Landscape” di Alessandro Bergamini, a cura di Simona Spinella e Valerio Ballotta, e visitabile fino al 24 maggio 2026.

“Surface” raccoglie fotografie tratte dalla serie “Humanity” e da progetti speciali dell’artista Alessandro Bergamini, intrecciando pratiche fotografiche con riflessioni su corpo, memoria e responsabilità condivisa. 

Surface è ciò che affiora quando il viaggio diventa incontro. Dalle profondità del mare ai silenzi della neve, dalle steppe della Mongolia alle foreste tropicali dell’Indonesia, fino alle alture del Perù, la terra si svela non solo come spazio fisico, ma come palcoscenico di un’umanità che resiste e che si abbraccia. Le immagini di Bergamini raccontano legami invisibili e radici profonde: la terra diventa rifugio e i corpi diventano custodi di memoria, identità e relazioni. 

Attraversando paesaggi così diversi, Bergamini documenta comunità ed etnie che rischiano di scomparire. La sua presenza è rispettosa: entra nei luoghi con delicatezza, partecipa senza invadere, osserva senza imporre. La sua fotografia nasce da un’osservazione partecipante, un
gesto onesto che trasforma la vicinanza in dialogo e il contatto in fiducia. Prima di ogni scatto, chiede il permesso e ritrae solo chi è pienamente d’accordo. Alessandro non restituisce solo il proprio punto di vista, ma rende anche il punto di vista della cultura, della comunità o dei soggetti “studiati” attraverso i loro sguardi. 

Nelle fotografie emerge un’ampia gamma di dinamiche relazionali: la varietà di ambienti, i modi di
vivere differenti dei gruppi fotografati e la natura mutevole dei ruoli e dei legami. Ogni gesto, ogni incontro -un abbraccio, una mano che trattiene un corpo o una memoria -diventa soglia etica, confine tra individuo e collettività, tra il personale e l’universale. 

Le opere, disposte nello spazio espositivo, tracciano un racconto orizzontale che guida lo sguardo.  L’occhio di Bergamini penetra con delicatezza nella trama silenziosa delle immagini, invitando chi osserva a perdersi e ritrovarsi nello stesso istante, tra ciò che rimane impresso nei suoi occhi e nella sua mente durante i viaggi. 

Pur catturando istanti precisi, le immagini fluiscono tra luoghi e spazi, restituendo la mobilità emotiva e culturale dei gesti. Come dice Bergamini, «La luce è una componente molto importante perché cattura lo sguardo e crea un’atmosfera attorno ai soggetti. Li “accende”, rendendoli vivi». Nel gruppo di opere, la multietnicità degli abbracci diventa un archivio corporeo di gesti e conoscenze, mentre la cura emerge come pratica etica capace di generare comunità e dialogo. In dialogo con il Mediterraneo — terra storica di incontri e scambi — la mostra costruisce luoghi simbolici di protezione, accoglienza e relazione. Qui, la fotografia non solo racconta il mondo: lo accoglie, lo custodisce e lo trasforma in un tessuto di connessioni umane, restituendo voce e presenza a culture e paesaggi che rischiano di essere dimenticati, sempre attraverso uno sguardo rispettoso e partecipativo.

La mostra ha il patrocinio del Consiglio Regionale della Basilicata, della Provincia di Matera, del Comune di Matera e della Fondazione Matera-Basilicata 2019.

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Quando la potenza dell’arte si sprigiona dalle opere con tale forza simbolica viene da chiedersi cosa ha spinto l’autore a realizzarle. È questa domanda che mi ha suggerito la visita alla mostra di 153 Peter Belyi. The Silences of the Apocalypse che è stata, tra l’altro, prorogata fino alla fine di maggio alla Galleria San Fedele di Milano.

Peter Belyi, artista russo di rilievo internazionale, vive e lavora a San Pietroburgo, vincitore di numerosi premi tra cui l’Innovation Prize nel 2014, per la mostra Signal, e il Sergey Kuryokhin Award nel 2010 per il miglior progetto di arte visiva. Le opere esposte alla Galleria-Museo San Fedele – tutte site specific – impongono attenzione alla materia, alla forma e al significato. Mi rivolgo a tutti coloro che non hanno confidenza con l’arte contemporanea che non sono specialisti d’arte. Mi rivolgo a tutti coloro che cercano di trovare delle espressioni, dei simboli per esprimere il significato di un mondo che sta andando verso la distruzione e per trovare linguaggi in grado di rappresentarne la vertigine dello sconforto, della sofferenza. Il linguaggio di Belyi mi ha convinto poichè ho ritrovato nelle sue opere ciò che generalmente vedo nelle immagini fotografiche di reporter che riprendono gli effetti della guerra, delle dittature, sulle persone sulle cose nell’aria negli spazi. Bene, Belyi allontana dal visivo reale e porta su una dimensione astratta ma assolutamente percepibile, inquietante. 

Le bandiere della Pace che piangono sbiadite dai loro colori originali – quelle che si vedono sbandierate nei cortei, sulle piazze – sono più credibili di tante fotografie di bambini mutilati, di donne piangenti, di bare, fosse, case distrutte. Non a caso il titolo dell’opera è “Lament” descritta come un’imponente fontana funebre, una scultura del lutto. La bandiera solennemente abbassata è vicina alla plasticità del corpo in lutto, a una postura lamentosa delle membra — spalle e testa avvolte, velate. Un lamento sgorga dalla figura incurvata. Ogni 15 minuti si aziona il congegno che fa piangere le bandiere. Il lamento di chi cerca la Pace di chi si ostina, nonostante tutto ciò che accade, a cercare nel lamento l’alternativa al lamento. Quanto sarebbe straordinario se Belyi un giorno producesse l’opera al contrario accostandola a questa: da una vasca colorata le bandiere riprendono lentamente i colori della Pace. Queste bandiere sprigionano un messaggio così forte che producono l’invito a trovare soluzioni per cancellare tristezza dolore sofferenza.

“Silence”, non poteva chiamarsi diversamente, è la prima grande scultura che accoglie appena si entra in mostra, è realizzata con legni spezzati che si trasformano in una grande stella “esplosiva”. Girando intorno è necessario fare attenzione alle lunghe schegge ruvide, di un legno grezzo non lavorato, chiaro. Un albero esploso, una stella scoppiata, un falegname che raccoglie i pezzi avanzati dopo un’esplosione? Qualche ombra sul pavimento o sul muro alcune volte forma una croce. È credo casuale così come è casuale morire per una esplosione. Non a caso il titolo della mostra è “I Silenzi dell’Apocalisse”. 

Avanzando nella mostra appare l’installazione Dialect, collocata nella cripta della chiesa di San Fedele. Essa ricorda un libro in cui il testo sembra composto da una scrittura misteriosa, una lingua arcaica dimenticata. La straordinarietà della scrittura nasce dal fatto che è realizzata con chiodi raccolti dall’artista, alcuni estratti da assi nelle baracche del gulag di Perm, altri trovati in un palazzo abbandonato di San Pietroburgo. Non è un caso che abbia raccolto i chiodi nel gulag di Perm – nella Russia centrale – uno dei più noti campi di prigionia sovietici, attivo dal 1946 fino al 1989, celebre per aver ospitato dissidenti politici. I chiodi sono il simbolo di repressione, di tortura, di violenza. I chiodi recuperati sono piegati, arcuati, grossi, di ferro – ripuliti certamente – che sembrano formare delle lettere. Anche quelli di Cristo sono chiodi battuti dentro le carni vive di un corpo umano. Cosa si legge dunque in Dialect? Ciò che noi riusciamo a leggere con la nostra sensibilità. L’artista non spiega, non mette didascalie, lascia alla materia la capacità di trasferire il silenzio delle parole caricandole di sgomento. Questi chiodi forse una citazione a Gûnther Uecker, all’ artista che aveva iniziato a utilizzare sempre più spesso i chiodi come mezzo di espressione artistica?

Altre opere disegnano gli spazi espositivi come Pause, una lama di sega appesa a un sottile filo metallico che sparge vernice tutto intorno. Una lama con un grande diametro come le tante che segano alberi, reti metalliche, cancelli. La lama trasforma l’energia del movimento in un’azione coordinata di incisione e sgombero dei detriti di qualsiasi materia essi vengano procurati. La lama così sospesa ricorda un drone, quello che roteando, come una sega, sparge fumo, nero, nubi di paura.                                                                                                                      

Return to painting, un riferimento all’arte classica, una nuvola in cemento i cui raggi luminosi sono fili di ferro. Il riferimento all’arte classica si manifesta come una decostruzione di un soggetto religioso universale (un bagliore di cemento). L’icona della presenza invisibile dello Spirito Santo come energia luminosa che procede da Dio: il mistero, la fede. In quest’opera il cemento così duro sembra eliminare qualsiasi mistero e i raggi della fede sembrano essersi induriti per non lasciare più spazio a nessuna trasfigurazione ma solamente ad un’arte grigia: il riflesso di una umanità spenta.

Le sue installazioni sono intrise di reminiscenze dell’epoca sovietica, sottoposta però a una continua revisione critica. A differenza degli artisti d’avanguardia degli anni Venti Peter Belyi guarda non al futuro, ma al passato. La “modellazione memoriale” rilegge la storia, la decostruisce, la osserva da vicino con la consapevolezza delle sue speranze destinate al fallimento e delle sue disillusioni irreversibili. Già l’espressione “modellazione memoriale” è un ossimoro: questa pratica artistica unisce due concetti contrastanti in una combinazione impossibile. Un paradosso! una modellazione rivolta all’indietro. Il modello nell’opera di Peter Belyi si volge al passato e lo rende memoriale.  Il modello viene così vissuto in modo nostalgico all’interno della sua proiezione destinata al fallimento. Mantenere Memoria: ecco il capolavoro di Beyli. Con le sue installazioni intense e immersive, Belyi ci invita a confrontarci con un silenzio profondo, che interroga il nostro presente e il senso stesso del nostro essere nel mondo. Una mostra potente e visionaria che risuona come un monito per il nostro tempo. 

L’opera Obscure light, bacchette di neon bianche avvolte da gomma nera inserite su pareti totalmente nere. Seppur tragica la Memoria di Belyi, con questi materiali, con questa fisicità, sprona a cercare nuovi modelli per costruire la Pace, per ribaltare la sua installazione e strappare il nero per lasciare esplodere il bianco, la luce.

153 Peter Belyi The Silences of the Apocalypse dal 25 marzo al 30 maggio 2026 Galleria San Fedele: da martedì a sabato, ore 14,00 – 18,00 (chiuso i festivi e dal 4 al 6 aprile compresi)

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