Con «Franco Pinna. Sardegna a colori. Fotografie recuperate 1953–67», il MAN prosegue la riflessione sul linguaggio fotografico e il suo rapporto con la Sardegna, territorio di ispirazione e sperimentazione per generazioni di artisti. La mostra, che celebra il centenario della nascita del fotografo maddalenino (La Maddalena 1925 – Roma 1978), maestro della fotografia italiana del Novecento, riporta alla luce un corpus a lungo dimenticato, restituendo una dimensione nuova e sorprendente del suo sguardo: quella del colore. In dialogo con le recenti ricerche del museo su autori e visioni del paesaggio sardo, l’esposizione amplia la nostra percezione di un fotografo che molti hanno conosciuto solo attraverso il bianco e nero.

Il percorso della mostra, composto da circa ottanta opere tra stampe fotografiche a colori — in larga parte raramente esposte – e materiali d’archivio, propone un viaggio nella storia visiva e professionale di Pinna, offrendo nuovi elementi di valutazione critica della sua opera. Le immagini scelte, frutto di un lungo lavoro di recupero e restauro digitale delle cromie originali, sono accompagnate da fotografie di raffronto dello stesso soggetto in bianco e nero, oltre a diapositive, strumenti di lavoro provenienti dall’Archivio Franco Pinna, a testimonianza della complessità del suo approccio documentario. Una selezione di pubblicazioni d’epoca, fra cui “Vie Nuove”, “Noi Donne”, “L’Espresso” e “Panorama”, spiega la ragione del suo impegno con il colore, destinato alle riviste del tempo e alle loro pagine patinate, che richiedevano un senso di attualità e non la storicizzazione tipica del classico bianco e nero.

La mostra prende avvio da Orgosolo 1953, prima campagna fotografica a colori realizzata da Pinna in Sardegna, per poi attraversare le tappe più significative della sua produzione isolana: Canne al vento (1958), Argia a Tonara (1960) immagini per il celebre volume Sardegna. Una civiltà di pietra (1961), fino alle cronache sul banditismo e le proteste dei pastori del 1967. Le sequenze, disposte come un racconto di lunga durata, restituiscono l’evoluzione di un linguaggio che trova nel colore una dimensione autonoma e poetica, capace di cogliere la materia viva della Sardegna arcaica e modernissima insieme.

A emergere è la tensione tra documento e rito, che percorre tutta la sua opera: un modo di attraversare la realtà che, come scriveva Federico Fellini nel 1976, rivela in Pinna “una lentezza da ierofante”, sospesa tra lo sguardo dello scienziato e quello del sacerdote. È proprio in questa dimensione sospesa tra documento e rito che la mostra del MAN invita a rileggere la sua opera: come un attraversamento della realtà che diventa rivelazione.

Franco Pinna (La Maddalena 1925 – Roma 1978)
Reporter tra i più noti del suo tempo, Pinna è stato una figura centrale del Neorealismo fotografico italiano. Dopo la militanza nella Resistenza romana e una breve esperienza come operatore di documentari, esordisce nel 1952 nella cooperativa “Fotografi Associati” e segue Ernesto De Martino nelle spedizioni etnografiche in Lucania e Salento.

Nel 1961 pubblica Sardegna. Una civiltà di pietra, il suo volume più importante, e a partire dal 1964 diventa fotografo di fiducia di Federico Fellini. Autore di oltre 300.000 scatti, Pinna ha saputo unire impegno civile e rigore estetico, documentando l’Italia in trasformazione e restituendo, con sguardo lucido e poetico, il volto più umano del Novecento. Dal 1997 l’Archivio Franco Pinna (Roma/Bologna) custodisce e valorizza il suo patrimonio, promuovendo ricerche e mostre che ne mantengono viva la memoria.

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Ha per titolo “Typologien“, un’estesa indagine dedicata alla fotografia tedesca del Novecento, alla Fondazione Prada a Milano visitabile fino al 14 luglio 2025. Il progetto, ospitato nel Podium, lo spazio centrale della sede milanese, è curato da Susanne Pfeffer, storica dell’arte e direttrice del MUSEUM MMK FÜR MODERNE KUNST di Francoforte.

Il progetto fa suo il principio della “tipologia”, un lemma nato nel XVII e XVIII secolo in botanica per classificare e studiare le piante, sviluppato dalla fotografia dall’inizio del Novecento e affermatosi in quella tedesca nel corso del XX secolo. Tipologia serve a stabilire analogie inaspettate tra artisti tedeschi di diverse generazioni e al contempo rivelare i singoli approcci alla fotografia.

Il percorso espositivo si movimenta in  un ordine tipologico e non cronologico, riunendo oltre 600 opere fotografiche di 25 artiste e artisti affermati e meno noti, essenziali per ricostruire un secolo di fotografia in Germania, come Bernd e Hilla Becher, Sibylle Bergemann, Karl Blossfeldt, Ursula Böhmer, Christian Borchert, Margit Emmrich, Hans-Peter Feldmann, Isa Genzken, Andreas Gursky, Candida Höfer, Lotte Jacobi, Jochen Lempert, Simone Nieweg, Sigmar Polke, Gerhard Richter, Heinrich Riebesehl, Thomas Ruff, August Sander, Ursula Schulz-Dornburg, Thomas Struth, Wolfgang Tillmans, Rosemarie Trockel, Umbo (Otto Umbehr) e Marianne Wex. Un sistema di pareti sospese che divide lo spazio espositivo in partizioni geometriche suggerisce connessioni inaspettate tra pratiche artistiche diverse, ma accomunate da un comune principio o intenzione di classificazione.

Afferma Susanne Pfeffer: “Solo attraverso l’accostamento e il confronto diretto è possibile scoprire cos’è individuale e cos’è universale, normativo o reale. Le differenze attestano la ricchezza della natura e dell’immaginazione umana: la felce, la mucca, l’essere umano, l’orecchio, la fermata dell’autobus, il serbatoio dell’acqua, l’impianto stereo, il museo. Il confronto tipologico lascia emergere differenze e somiglianze e coglie le specificità. Aspetti finora sconosciuti o ignorati della natura, degli animali o degli oggetti, dei luoghi e del tempo diventano visibili e riconoscibili”.

In fotografia applicare le tipologie implica affermare l’equivalenza tra le immagini e l’assenza di ogni forma di gerarchia in termini di soggetti rappresentati, temi, generi e fonti. Tuttavia, le tipologie sono un concetto estremamente problematico e complesso. Da un lato, questo approccio consente la documentazione sistematica di persone e oggetti basata su un’estrema soggettività, dall’altro, la tipologia corrisponde a una scelta individuale e arbitraria, un’azione disturbante e potenzialmente sovversiva.

L’ipotesi che la fotografia svolga un ruolo fondamentale nel definire fenomeni specifici, ma anche nell’organizzare e classificare una pluralità di manifestazioni visibili, rimane una forza vitale nelle ricerche artistiche di oggi che interpretano la complessità delle nostre realtà sociali e culturali. Con la diffusione delle immagini e delle pratiche digitali, l’idea della tipologia continua a essere messa in discussione e ridefinita da fotografi e artisti contemporanei.

Sottolinea Susanne Pfeffer: “La qualità unica, l’elemento individuale sembrano confluire in una massa globale, nell’onnipresente universalità delle cose. Internet consente di creare tipologie nell’arco di pochi secondi. È proprio il momento chiave, per gli artisti, di osservare questi fenomeni più da vicino“. Spiega ulteriormente Pfeffer: “Quando il presente sembra aver abbandonato il futuro, bisogna osservare il passato con maggiore attenzione. Quando tutto sembra gridare e diventare sempre più brutale, è fondamentale prendersi una pausa e usare il silenzio per vedere e pensare con più chiarezza. Quando le differenze non sono più percepite come qualcosa di altro, ma vengono trasformate in elementi di divisione, è necessario riconoscere ciò che abbiamo in comune. Le tipologie ci permettono di individuare innegabili somiglianze e sottili differenze“.

All’inizio del Novecento, Karl Blossfeldt (1865-1932) è tra i primi artisti ad applicare alla fotografia il sistema di classificazione degli studi botanici, dando vita a un vasto e rigoroso atlante vegetale. Si tratta di un momento chiave per la Neue Sachlichkeit (Nuova oggettività), movimento artistico e fotografico tedesco emerso negli anni Venti durante il periodo della Repubblica di Weimar. La Neue Sachlichkeit promuoveva, infatti, l’importanza di categorizzare e distinguere oltre che evidenziare la notevole capacità della fotografia di esplorare il concetto stesso di tipologia.

Un’altra figura chiave è August Sander (1876-1964) che nel 1929 pubblica il suo libro Antlitz der Zeit (Il volto del tempo), un estratto del suo progetto seminale Menschen des 20. Jahrhunderts (Uomini del Ventesimo secolo). Descritto da Walter Benjamin come un “atlante di formazione” della percezione fisiognomica, Antlitz der Zeit è un ambizioso tentativo di ritrarre la diversità e la struttura della società tedesca usando categorie distinte, come classe, genere, età, occupazione e contesto sociale, parte di un sistema di classificazione rigido e neutrale.

Sul finire degli anni Cinquanta, le tipologie di Karl Blossfeldt e August Sander esercitano un ruolo fondamentale per Bernd Becher (1931-2007) e Hilla Becher (1934-2015), che in quel periodo avviano un progetto di documentazione e conservazione dell’architettura industriale.

Nel 1971 descrivono le “costruzioni industriali” come “oggetti, non motivi”. Come dichiarano: “L’informazione che vogliamo trasmettere si crea solo per mezzo di una sequenza, da una giustapposizione di oggetti simili o diversi accomunati dalla stessa funzione“. I loro monumenti in bianco e nero, definiti anche “sculture anonime”, isolati su cieli monocromi, centrali, inquadrati in un identico formato e disposti su una griglia, si rivelano riferimenti essenziali per gli artisti post-minimalisti e concettuali americani ed europei, nonché un’eredità imprescindibile per gli artisti e i fotografi tedeschi delle generazioni successive, fra i quali Andreas Gursky (1955), Candida Höfer (1944), Simone Nieweg (1962), Thomas Ruff (1958) e Thomas Struth (1954), che frequentano i corsi tenuti, a partire dal 1976, da Bernd e Hilla Becher all’Accademia di Düsseldorf.

Hans-Peter Feldmann (1941-2023), riconosciuto a livello internazionale per il suo contributo fondamentale all’arte concettuale, segna una traiettoria complementare nella fotografia tedesca. Nei suoi lavori documenta oggetti quotidiani ed eventi storici e combina un umorismo impassibile con un approccio sistematico all’accumulo, alla catalogazione e alla riorganizzazione degli elementi della cultura visiva contemporanea. Nelle sue serie fotografiche elabora tipologie personali e politiche adottando un approccio simile all’istantanea e scegliendo un’estetica commerciale. Per Alle Kleider einer Frau (Tutti gli indumenti di una donna, 1975) fotografa in scatti di formato 35mm biancheria intima, collant, magliette, abiti, pantaloni, gonne, calze o scarpe posizionati su grucce appese al muro o su uno sfondo di tessuto scuro. Con le immagini che compongono Die Toten 1967-1993 (I morti 1967-1993, 1996-98), Feldmann commemora le persone uccise nell’ambito dei movimenti politici e terroristici della Germania del dopoguerra. Secondo Susanne Pfeffer: “Con le sue tipologie, Feldmann ha evidenziato l’equivalenza di tutte le fotografie, delle loro fonti e dei loro motivi iconografici, sottolineando la de-gerarchizzazione intrinseca a ogni tipologia.” Gerhard Richter (1932) sembra negare o sfidare il concetto stesso di tipologia nella sua collezione apparentemente casuale di immagini trovate, personali o pornografiche, ritagli e foto storiche dei campi di concentramento nazisti, della RAF (Rote Armee Fraktion) o della Riunificazione Tedesca riuniti in un “album privato” intitolato Atlas (1962-in corso). Al contrario, Richter spinge al limite il principio dell’equivalenza tra le immagini e il loro processo di banalizzazione, dando vita a uno stridente contrasto e un’acuta presa di coscienza della repressione della memoria collettiva.

Negli anni Settanta e Ottanta, in un rapporto dialettico con gli insegnamenti dei Becher, Gursky, Höfer, Ruff e Struth abbandonano progressivamente il radicalismo e il purismo in bianco e nero dei loro maestri. Nelle loro serie fotografiche di ritratti individuali o di famiglia, nelle monumentali e dettagliate vedute urbane, nella spettacolare documentazione di siti culturali o turistici esplorano l’irruzione colorata dell’ordinario dando vita a una pluralità di tipologie contemporanee in contrasto tra loro.

Alla fine degli anni Settanta e all’inizio degli anni Ottanta, l’artista multimediale Isa Genzken (1948) avvia un confronto diretto con il mezzo della fotografia. Nel 1979 crea una serie fotografica intitolata Hi-Fi, in cui presenta pubblicità di dispositivi stereo giapponesi all’avanguardia organizzati in un immaginario catalogo commerciale. In un’altra serie, Ohr (Ear) (1980), l’artista ritrae, in primi piani a colori di grande formato, le orecchie di donne sconosciute che cattura nelle strade di New York. Genzken trasforma la ritrattistica tradizionale in un dettaglio fisiognomico e indaga con ironia l’assoluta singolarità e le infinite differenze individuali che il ritratto fotografico è in grado di registrare.

In occasione della mostra “Typologien: Photography in 20th-Century Germany“, Fondazione Prada pubblica un volume illustrato progettato da Zak Group. Il libro include un’introduzione di Miuccia Prada, Presidente e Direttrice di Fondazione Prada, un testo della curatrice della mostra Susanne Pfeffer e tre saggi di storici dell’arte e curatori internazionali come Benjamin Buchloh, Tom Holert e Renée Mussai.

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Walter Rosenblum è figura certamente importante della fotografia del XX secolo, e una mostra vuole dare completezza al suo straordinario percorso espressivo attraverso un’importante raccolta di sue fotografie vintage, molte delle quali mai esposte prima. L’esposizione -visitabile fino al 4 maggio 2025- che si tiene alla Galleria Civica Cavour di Padova, è dunque stupenda opportunità di conoscere il lavoro di questo straordinario autore, uno dei più importanti fotografi americani del secolo scorso. In Italia, dopo la grande mostra del 1999 a Padova, ritorna il suo lavoro con un percorso di oltre 110 fotografie e documentazione d’epoca.

Walter Rosenblum (New York City, 1919 – 2006) ha esercitato la professione di fotografo per più di cinquant’anni contribuendo notevolmente all’affermazione della fotografia nel corso del ventesimo secolo. A 18 anni entrò a far parte della Photo League, dove conobbe Paul Strand, suo mentore e amico, e altri significativi fotografi, tra i quali Berenice Abbott e Lewis Hine. Durante la Seconda Guerra Mondiale, Rosenblum prestò servizio come fotografo e cineoperatore nell’esercito americano e partecipò allo sbarco in Normandia a Omaha Beach. Si trovò tra i primi a filmare l’interno del campo di concentramento di Dachau. Rosenblum è stato uno dei fotografi più decorati della Seconda Guerra Mondiale.

Rosenblum ha fotografato alcuni dei più significativi eventi del ventesimo secolo: l’esperienza degli immigrati nella Lower East Side di New York, la Seconda Guerra Mondiale, i rifugiati della guerra civile spagnola in Francia, la vita del quartiere di Harlem, del sud Bronx e di Haiti. Eventi che saranno tutti documentati all’interno del percorso espositivo.

La sua carriera è stata arricchita da un’intensa attività didattica, e le sue fotografie sono presenti in oltre 40 collezioni internazionali, incluso il J. Paul Getty Museum, la Library of Congress, la Bibliothèque Nationale di Parigi e il Museum of Modern Art di New York.

Le sue fotografie riescono ad immortalare le qualità umane dei quartieri e dei loro residenti che affermano la vita e riflettono l’approccio socialmente consapevole che è stato il fondamento della sua carriera. Come scrive Angelo Maggi, curatore della mostra: “Attraverso i suoi scatti, Rosenblum ha saputo immortalare l’autenticità dell’esperienza umana, regalando a noi tutti un messaggio di speranza e resilienza. Il suo lavoro, quindi, non si limita a essere una testimonianza del passato, ma continua a essere una fonte di ispirazione, invitandoci a vedere il mondo con occhi nuovi e a cogliere la luce nelle situazioni più oscure. L’opera del fotografo è ampia e ha dato un contributo importante alla storia della fotografia sia per il suo impegno e rilevanza teorica, sia per l’eccellenza artistica delle immagini”.

Andrea Colasio, Assessore alla Cultura del Comune di Padova: “Siamo particolarmente lieti di aver messo a disposizione la centralissima e prestigiosa Galleria civica Cavour e il supporto organizzativo e di comunicazione, per rendere omaggio a Walter Rosenblum, uno dei maggiori fotografi del Novecento, che per oltre cinquant’anni ha documentato gli eventi più significativi del secolo scorso.

La mostra rientra nel progetto “30 Migno”, ideato dallo storico Gruppo fotografico per celebrare i trent’anni di attività, indissolubilmente connessa sia al magistero compositivo del fotografo americano, sia al suo umanesimo, rivolto alle persone comuni, ai poveri, agli ultimi. Nel corso della sua vita, Rosenblum ha incontrato molte persone malvagie e conosciuto le atrocità che ero state capaci di compiere – era presente alla liberazione del campo di concentramento di Dachau – ma ha continuato a credere che entro una società altruista solo le persone migliori prosperino. Grazie alla sinergia con l’impresa culturale Suazes, in mostra avremo centododici fotografie vintage – un numero che rende l’iniziativa la più estesa mai realizzata sulla sua opera, in Europa -, e un percorso espositivo che tocca le principali esperienze del grande fotografo e accademico americano.”

Da quest’immensa ricchezza di esperienze e dal prolungato rapporto con le diverse culture, la visione fotografica di Rosenblum si è caratterizzata per essere testimone della condizione umana come di una comunità globale in cui i bisogni fondamentali, i valori e le aspirazioni esistenziali sono universalmente condivisi. Rosenblum cercò così di sottolineare la dignità dell’essere umano, con i suoi soggetti mai semplici vittime, ma persone integre e complesse, la cui umanità sopravvive intatta malgrado le circostanze avverse. La mostra di Padova permette di approfondire tutte le principali esperienze del lavoro di questo autore riportando al grande pubblico un’opera che, pur essendo ben radicata nel suo tempo, continua a trasmetterci forza ed emozioni.
Il progetto è prodotto da SUAZES, in collaborazione con il Comune – Assessorato alla Cultura di Padova, con il supporto delle eredi Lisa e Nina Rosenblum e dell’associazione MIGNON in occasione delle celebrazioni dei suoi cinquant’anni di attività. La mostra è curata dal prof. Angelo Maggi dell’Università Iuav di Venezia.
Main sponsor è Insurance Opportunity S.r.l.
Il progetto è accompagnato da un volume del prof. Angelo Maggi, prodotto da SUAZES e edito da Silvana editoriale.

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Nello storico Palazzo del Duca a Senigallia è ospitata fino al 6 aprile 2025 la seducente mostra che offre un’immersione nell’immaginario e nella tecnica di Mario Giacomelli. Artista marchigiano che ha fatto del paesaggio della sua terra il cuore del mondo, un paesaggio dolce, indimenticabile. Un paesaggio ancora integro, e soprattutto ancora legato alla civiltà contadina. Un mondo raccolto, magico, che va dall’Infinito di Leopardi ai voli immaginifici e sognanti di Osvaldo Licini con i suoi angeli e le amalasunte.

Un paesaggio che rimane stampato nella mente, da me stesso vissuto negli anni Cinquanta del Novecento, avendo fatto le elementari a Loreto. Il percorso espositivo si apre con un’installazione multimediale dal titolo “Sotto la pelle del reale”, che riproduce il flusso creativo dell’artista. I visitatori si troveranno guidati dalla sua stessa voce -tratta da un’intervista per Radio 3 Suite del 2000, mentre immagini in movimento e frammenti scritti di pensieri si alternano, evocando la sua visione magica e poetica della fotografia come mezzo per inseguire la realtà e l’interiorità; le immagini, nelle loro metamorfosi, seguono gli stessi moti delle impennate verticali e le cadute nel vuoto con cui Giacomelli rincorreva l’Infinito e ne imitano la gestualità in camera oscura, all’ingranditore, con la carta sensibile tenuta obliqua per immergere il mondo nella vertigine.

Fulcro della mostra è la camera oscura, il luogo dove Giacomelli dava forma al suo immaginario trasformando la materia in visioni potenti e universali. Oltre alle opere esposte si trovano attrezzature originali, come la sua macchina fotografica Kobell, e oggetti di scena utilizzati per i suoi scatti. Accanto a questi, provini di stampa, appunti manoscritti e interviste documentano il processo creativo dell’artista, mostrando la sua incessante sperimentazione e la continua trasformazione del reale.

L’esposizione raccoglie circa cento fotografie originali, tra vintage e stampe d’epoca, che attraversano tutta la produzione di Giacomelli, dagli anni Cinquanta fino al 2000, anno della sua morte. Particolare attenzione è riservata al rapporto tra fotografia e poesia, elemento fondante del lavoro dell’artista, poesia come trasmettitore delle sue emozioni, che fuoriescono sotto forma di immagini fotografiche. Opere come “Io non ho mani che mi accarezzino il volto”, ispirata ai testi di Padre David Maria Turoldo da cui trae origine la famosa serie fotografica dei Pretini del 1961 e che apre il percorso espositivo, Passato (1986) di Cardarelli e Spoon River Anthology (1971-73) di Edgar Lee Masters, testimoniano come la poesia abbia sempre rappresentato per Giacomelli una fonte inesauribile di ispirazione e introspezione, un mezzo per esplorare l’essenza dell’uomo e del mondo.

Attraverso una narrazione che intreccia temi chiave della poetica giacomelliana, il percorso espositivo – suddiviso in otto sale tematiche – rappresenta il mondo interiore di  Mario Giacomelli, l’emersione di un mondo profondo e ancestrale che si manifesta in un continuo flusso di immagini come parole di un lungo discorso. Un racconto che, pur partendo da vicissitudini autobiografiche, parla con la voce antica e infinita dell’umanità. Nelle sue opere, paesaggi antropomorfizzati diventano ritratti umani, intrecciando memoria e materia in un dialogo continuo. La figura materna, evocata attraverso elementi simbolici, emerge come presenza costante e fondativa della sua visione artistica. La luce, elemento essenziale del suo lavoro, interrompe l’oscurità per illuminare piccoli e preziosi frammenti di realtà, offrendo una visione che oscilla tra l’immenso e l’intimo, tra il concreto e il metaforico.

La camera oscura torna ancora, a fine percorso, nelle riproduzioni fotografiche commissionate da Guido Harari in occasione del progetto editoriale “Nella camera oscura di Mario Giacomelli. L’antro dello sciamano” (Rizzoli Lizard, 2024), realizzato in collaborazione con l’Archivio Mario Giacomelli di Rita e Simone Giacomelli. Un lavoro di recupero e memoria di un luogo magico definito dallo stesso Harari “antro dello sciamano”. La Camera Oscura di Giacomelli non è solo un’esposizione, ma un viaggio nell’universo creativo di un artista  che ha saputo parlare all’anima dell’uomo attraverso la fotografia, trasformando ogni immagine in un frammento di interiorità e poesia.

Nell’ambito delle Celebrazioni per il Primo Centenario dalla Nascita di Mario Giacomelli, che avranno inizio nel 2025, l’Archivio Mario Giacomelli, all’interno di un più complesso e articolato programma, darà corpo a una serie di grandi mostre che documentano l’intera produzione del grande fotografo e ne aggiornano la sua interpretazione critica. Le prime due importanti mostre saranno quelle di Roma e Milano; la prima a Roma presso Palazzo delle Esposizioni, dal 17 aprile al 1° settembre 2025, seguita poco dopo da quella di Palazzo Reale, a Milano, dal 24 maggio al 21 settembre 2025, per proseguire con un calendario espositivo che toccherà varie sedi nazionali e internazionali per concludersi nel 2027.

La mostra è stata realizzata nell’ambito del progetto Senigallia Città della Fotografia promosso dalla Regione Marche ed è stata organizzata dal Comune di Senigallia e dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Jesi.

Biografia

Mario Giacomelli nasce nel 1925 a Senigallia, nelle Marche, città dalla quale non si dividerà mai, per cui sarà il mondo dell’arte, negli anni, a raggiungerlo nella Tipografia Marchigiana, sua dal 1950. Inizia a fotografare nel 1953 sotto l’ala del maestro Giuseppe Cavalli, fotografo erudito, critico della fotografia nell’Italia degli anni ’40 e ’50. Fondatore del movimento La Bussola (Milano 1947) e assertore della fotografia come racconto e come arte, riconosce in Giacomelli un carattere nuovo e così forte da lasciare un segno nella storia della fotografia. Sin dagli esordi, anarchico creatore di un linguaggio tutto suo fatto di contrasti e stonature, specchio della sua interiorità, Giacomelli apparve sconvolgente nel suo sguardo sul paesaggio e sui temi delicati dell’umanità, tanto che Paolo Monti nel 1955 lo definisce “l’uomo nuovo della fotografia”: il suo “realismo magico” superava la visione neorealista in cui la fotografia italiana si era arenata, arricchendola di un espressionismo intimo e verace, materico.

Seguito e spronato dalla critica, largamente presente nelle riviste specializzate, divenne presto un punto di riferimento per i fotografi italiani degli anni Sessanta e ancora oggi fonte d’ispirazione per i fotografi di tutto il mondo. Nel 1964, fu l’unico italiano selezionato per The photographer’s eye, la mostra curata da John Szarkowski per il MOMA di New York, acquisendo sue opere per la collezione permanente del museo. Nel 1965 Giacomelli invia l’intera serie A Silvia all’altrettanto prestigiosa George Eastman House di Rochester (NY), dove espone in una personale antologica del 1968, presentata l’anno successivo in varie città degli Stati Uniti. Saranno quelle le prime tappe di un’ascesa inarrestabile, mentre i maggiori musei del mondo includono opere di Mario Giacomelli nelle loro collezioni permanenti. Nel 1978 viene invitato a esporre sue opere fotografiche di paesaggio alla Biennale di Venezia Dalla natura all’arte, dall’arte alla natura. La definitiva consacrazione di Giacomelli in Italia arrivò nel 1980, quando lo CSAC di Parma gli dedica una retrospettiva. Attivo fino alla fine, senza mai smettere di sperimentare la fotografia, si spegne nel 2000.

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Con Intesa Sanpaolo alle Gallerie d’Italia – Torino, aperta fino al 2 marzo 2025 la mostra “Mitch Epstein. American Nature”, che rimane la più importante retrospettiva del fotografo americano. L’esposizione, curata da Brian Wallis (CPW-Center for Photography at Woodstock), presenta per la prima volta riunite, le serie fotografiche più significative degli ultimi vent’anni di Mitch Epstein, in cui esplora i conflitti tra la società americana e la natura selvaggia nel contesto del cambiamento climatico globale, vale a dire American Power, Property Rights e Old Growth. In American Power il fotografo americano punta l’occhio su come le nazioni e gli interessi privati sfruttano la natura, documentando l’impatto della produzione e del consumo di energia sul paesaggio e sulla popolazione degli Stati Uniti. Epstein nel periodo che va dal 2003 al 2008 ha viaggiato per il Paese per fotografare i siti di produzione di combustibili fossili e di energia nucleare, nonché le comunità che vivono accanto ad essi.

Nella serie fotografica Property Rights, Mitch Epstein si domanda a chi appartenga la terra e chi ha il diritto di sfruttarne o saccheggiarne le risorse. Queste fotografie mettono a nudo le complesse dinamiche della proprietà terriera in un paese basato sull’espansione coloniale e sullo sviluppo industriale. Epstein ha iniziato la serie Property Rights nella riserva Sioux di Standing Rock nel 2017. Le sue conversazioni e le sessioni di ritratti con gli anziani nativi lo hanno ispirato a cercare altri conflitti fondiari, in cui la gente comune ha creato movimenti straordinari per difendere la terra dalle acquisizioni da parte del governo e delle imprese.

L’ultima opera di Epstein, Old Growth – di cui si presenta in anteprima una parte commissionata da Intesa Sanpaolo – celebra le antiche foreste sopravvissute in regioni remote degli Stati Uniti. La quasi totalità delle antiche foreste americane, circa il 95%, è stato infatti distrutto nel secolo scorso. Epstein ha deciso di fotografare singoli alberi e biosistemi interdipendenti che sono sopravvissuti per secoli, molti per millenni. Le sue fotografie, di grande formato, immergono i visitatori in una natura selvaggia primordiale non alterata dagli esseri umani, celebrando la maestosità e il valore di questi antichi regni viventi ed evidenziando ciò che l’uomo rischia di perdere a causa della crisi climatica.

Oltre a queste tre serie fotografiche, alla produzione fotografica di Epstein, nella sala immersiva delle Gallerie d’Italia – Torino, troviamo in anteprima il progetto originale di Mitch Epstein Forest Waves, un’installazione video e sonora delle quattro stagioni nelle foreste del Berkshire. Il video dei boschi che circonda gli spettatori è accompagnato da una colonna sonora ipnotica dei musicisti Mike Tamburo e Samer Ghadry, registrata in quelle stesse foreste. Vi assicuro che la cosa l’ho trovata affascinante. L’Arena delle Gallerie d’Italia – Torino ospita inoltre il cortometraggio di Epstein Darius Kinsey: Clear Cut, una raccolta visivamente avvincente di fotogrammi del fotografo di inizio XX secolo Darius Kinsey (1859-1945), che mostra eroici taglialegna in posa accanto a enormi alberi abbattuti nel nord-ovest americano. La proiezione è impostata sulla musica scritta da David Lang ed eseguita dalla violoncellista e cantante Maya Beiser. Insieme, queste due installazioni sono un omaggio alla natura selvaggia americana, un inno a ciò che resta e un’elegia per ciò che è stato distrutto.

Michele Coppola, Executive Director Arte, Cultura e Beni Storici Intesa Sanpaolo, afferma: “Le fotografie di Mitch Epstein raccontano la bellezza e la fragilità della “natura americana” e in quelle opere spettacolari leggiamo indiscutibilmente l’obbligo di prenderci cura del pianeta. Lavorare con i più grandi fotografi al mondo significa ragionare sull’attualità grazie a un punto di vista privilegiato. Alcune immagini rimarranno per sempre nella nostra memoria per la loro eleganza, delicatezza e forza”. La mostra è curata da Brian Wallis, direttore esecutivo del Center for Photography di Woodstock. Il catalogo della mostra, realizzato da Edizioni Gallerie d’Italia | Skira in italiano e inglese, presenta saggi del curatore e degli storici dell’arte Robert Slifkin e Makeda Djata Best, oltre a un’intervista di Epstein. La mostra è accompagnata da una serie di eventi e incontri gratuiti, parte del public program #INSIDE, che si svolgono ogni mercoledì in museo.

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Allo Spazio Antonioni di Ferrara una nuova mostra racconta l’incontro sul set del film Zabriskie Point del grande fotografo con uno dei padri della cinematografia moderna. Era il 1968 quando approdato negli Stati Uniti per ritrarre un paese che incarnava l’essenza del suo tempo, Michelangelo Antonioni sceglie Bruce Davidson come fotografo di scena. Ad ambedue li accomuna il lavoro come vocazione che guarda, osserva, legge, nelle pieghe della realtà senza pregiudizi, donando così all’osservatore uno sguardo meravigliato e al tempo stesso consapevole su un mondo denso di luci e ombre. Accanto ad Antonioni, che considera “il più grande regista con cui abbia mai collaborato”, Davidson trova ispirazione per alcuni dei suoi scatti più memorabili. Si possono ammirare fino al 4 maggio 2025 allo Spazio Antonioni nella mostra organizzata dalla Fondazione Ferrara Arte e dal Servizio Musei d’Arte del Comune di Ferrara e curata da Chiara Vorrasi.

Davidson entrato nella leggendaria agenzia Magnum nel 1958 dopo aver conosciuto Cartier-Bresson a Parigi, ha messo in campo sin dalla prima produzione una straordinaria capacità di addentrarsi nei territori che appaiono meno familiari, facendo emergere, anche dai soggetti più degradati, una dignità morale ed estetica. Le sue foto rivelano, tra brillii e solitudine, l’universo delle bande giovanili, dei circhi, dei movimenti per i diritti civili, dei ghetti di Harlem, dei minatori gallesi, della vita nelle metropolitane. Come altri fotografi Magnum, Davidson si è misurato anche con l’immaginario cinematografico, accettando la sfida di muoversi sul terreno scelto da un regista. I suoi scatti ci hanno lasciato immagini inattese di icone come Marilyn Monroe. Il fascino della settima arte lo ha coinvolto fino al punto di impegnarsi egli stesso nella produzione di documentari.

Il reportage che Davidson dedica a Zabriskie Point è considerato uno dei servizi magistrali della storia delle foto di scena. Il soggetto del film di Antonioni propone un viaggio nell’universo giovanile delle controculture, ma è anche l’occasione per esplorare le dimensioni affascinanti e contraddittorie che l’ambiente americano esprimeva e in cui si riconoscono tratti ancora attuali. Sul set del film il fotografo statunitense trova materia infinita per dare un volto indimenticabile a ciascuna di queste sfaccettature.

Ritratti, vedute di Los Angeles, paesaggi lunari della Death Valley restituiscono il mosaico composito di una società dove convivono il mito del benessere e l’evasione in territori incontaminati, la violenza e la repressione, le architetture più avveniristiche e una natura quasi primordiale. Prolungando lo sguardo oltre il consueto, con una sensibilità capace di accogliere e trasfigurare, la realtà più comune assume un significato emblematico e il paesaggio più solitario si sublima in un’opera d’arte ai limiti dell’astrazione.

Un altro affascinante punto di tangenza tra Antonioni e Davidson è l’affinità con le ricerche visive, tra informale e Pop Art, che sfidano le proprietà della materia grezza o s’interrogano sull’immaginario della società dei consumi. Marco Gulinelli, Assessore alla Cultura del Comune di Ferrara, accoglie così l’apertura della mostra: “Sono felice di poter inaugurare allo Spazio Antonioni la mostra di un grande fotografo già membro della leggendaria agenzia Magnum quale Bruce Davidson.

Bruce Davidson e Michelangelo Antonioni condividono una straordinaria capacità di scrutare nelle pieghe della realtà senza preconcetti. Davidson cattura l’essenza di un’epoca e di una società, rivelando la dignità nascosta anche nei contesti più degradati. Allo stesso modo, Antonioni, attraverso la sua cinepresa, esplora le complessità e le contraddizioni dell’animo umano e della società moderna. Entrambi, con sensibilità e maestria, trasformano la realtà quotidiana in opere d’arte che sfidano il tempo e le convenzioni, offrendo uno sguardo incantato e consapevole su un mondo ricco di luci e ombre. Abbiamo, in questi anni, implementato le mostre fotografiche con la consapevolezza di quanto esse rivestano un ruolo fondamentale nella cultura contemporanea. In un’epoca dominata dai media digitali, le mostre fotografiche mantengono viva l’importanza della fruizione diretta e tangibile dell’arte visiva. Inoltre, rappresentano un’opportunità unica per i visitatori di immergersi in mondi diversi, esplorando culture, paesaggi e momenti storici attraverso l’obiettivo del fotografo.”

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La Galleria B4 di Bologna ospita la presentazione del nuovo calendario di Paolo Gotti che ha per titolo “LA MIA AFRICA”; è il racconto di un viaggio compiuto dal fotografo bolognese esattamente 50 anni fa, il primo davvero importante per il fotografo bolognese, quello in cui “si sa quando si parte ma non quando si torna… e se si torna”.

Partendo da Bologna con una vecchia Land Rover militare, Paolo Gotti raggiunge Tunisi per poi spostarsi in Algeria, prima ad Algeri e poi a Ghardaïa.  Da qui inizia il suo attraversamento del deserto del Sahara, migliaia di chilometri di sabbia e cielo, dove incontra più volte il popolo nomade dei Tuareg. Poi riparte per affrontare l’intricata foresta del Ghana e la discesa a 2.000 metri nel buio della terra, in quella miniera fatta di ferro, roccia e luccichi di metallo prezioso. Infine Paolo Gotti torna in Italia dopo quasi cinque mesi grazie a un passaggio su una nave cargo carica di tronchi battente bandiera liberiana, che –salpando dalla Costa D’Avorio– lo sbarcherà dopo 17 giorni al porto di Ravenna. Con il denaro ricavato dalla vendita del motore della sua jeep, abbandonata ad Abijan, tornerà in Africa due anni dopo per una seconda esplorazione del continente nero. Ma dalla sua prima straordinaria esperienza e da quei paesaggi meravigliosi è nata la sua grande passione per i reportage fotografici dal mondo, che lo porterà negli anni successivi a visitare circa 70 paesi nei cinque continenti.

E’ così che al compimento dei suoi 80 anni, Gotti ha voluto ripercorrere quell’itinerario per immagini all’interno delle pagine del calendario “LA MIA AFRICA”, un omaggio al noto romanzo autobiografico di Karen Blixen; è questo il viaggio che l’ha definitivamente convinto a percorrere la strada del “cacciatore di immagini”, come lo aveva definito Giorgio Celli in occasione di una sua mostra presso ACF Trading, lo showroom bolognese che vede tuttora esposti i suoi giganteschi pannelli fotografici.

Ugualmente interessante la colonna sonora di quell’avventura, a scandire i chilometri la musica di Leonard Cohen, ma anche quella di James Taylor e Bob Dylan. Note folk e malinconiche, indimenticabili sotto il cielo d’Africa.

Insieme al calendario da parete, come da tradizione, Paolo Gotti presenta anche il calendario da tavolo dal titolo “RADICI E ALBERI” con 13 fotografie che esplorano le varietà arboree in diversi paesi del mondo nei cinque continenti.

Paolo Gotti nasce a Bologna e si laurea in architettura a Firenze, dove frequenta il Centro di studi tecnico-cinematografici. Nel 1974 sceglie l’Africa come meta del suo primo vero viaggio. Con la sua vecchia Land Rover attraversa il Sahara fino al Golfo di Guinea in Costa d’Avorio, per poi fare ritorno in Italia dopo quasi cinque mesi a bordo di un cargo merci. Dopo varie esperienze nel campo della pubblicità e una maturata esperienza nello still life, si dedica sempre più al reportage. Gira il mondo con la sua Nikon per immortalare persone, paesaggi e situazioni che archivia accuratamente in un gigantesco atlante visivo, da cui nascono le sue serie fotografiche. L’obbiettivo della sua macchina fotografica è in oltre 70 paesi tra cui Niger, Cina, Haiti, Brasile, Messico-Guatemala, Nepal, Indonesia, USA, Canada, Thailandia, Malesia, Yemen, Venezuela, India, Cile, Bolivia, Islanda, Australia, Colombia, Cuba. Dal 1996 al 2002 lavora per il Consorzio Alta Velocità Emilia Toscana, realizzando i calendari che ritraggono l’avanzamento dei lavori. È stato protagonista di numerose mostre personali tra cui Segni e culture, Institut Français de Naples a cura di Almerico de Angelis (con testo in critico di Michele Bonuomo); Da Bologna per l’Unicef, Aeroporto G. Marconi, Bologna; Fuoco, Rocca di Cento, Ferrara; Stories. Viaggio tra fotografia e letteratura, Teatro Duse, Bologna, Cina 1978, Galleria Minerva, Padova. Nel 2019 ha vinto il Premio UVA come Senior Photographer dell’Università di Verona e nel 2023 è stato tra i protagonisti della mostra I AM THE EARTH, a cura di Anna Caterina Bellati presso la Fondazione Giorgio e Armanda Marchesani. 

Carlo Franza

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Il titolo è affascinante.  E soprattutto svela la grande Milano, quella di ieri, di oggi e di domani; e come si composero e si svilupparono i miracoli a Milano. Palazzo Morando | Costume Moda Immagine ospita fino al 2 febbraio 2025 la mostra “Miracoli a Milano. Carlo Orsi fotografo”, curata da Giangiacomo Schiavi e Giorgio Terruzzi con la consulenza di Silvana Beretta e organizzata da Vertigo Syndrome, in collaborazione con l’Archivio Carlo Orsi e il Comune di Milano.

L’esposizione rende omaggio e fa onore a Carlo Orsi (1941-2021), autore, con le sue Leica, di un percorso professionale iniziato nell’Italia del dopoguerra, in quel periodo storico che ha dato all’arte i movimenti più importanti ad iniziare dallo Spazialismo con Fontana, con il Bar Jamaica fondato da Mamma Lina e suo figlio Elio Mainini a Brera come luogo di appartenenza e di aggregazione, frequentato da pittori, scrittori, poeti. Questi artisti, spesso coetanei del Mainini, erano diversissimi fra loro, non c’era un comune denominatore fra il giovane Piero Manzoni che inscatolava la sua “merda d’artista” e il già maturo Lucio Fontana che abbandonava la pittura figurativa per tagliare le tele nel nome dello Spazialismo.

Non appartenevano ancora a una scuola o a una corrente letteraria gli scrittori Germano Lombardi e Nanni Balestrini, portabandiere del Gruppo ’63,  e ancora i poeti Giuseppe Ungaretti e Salvatore Quasimodo, il narratore Luciano Bianciardi che, allora impiegato, trovava al Jamaica i fumi alcolici e l’amicizia per sopportare il peso dell’esistenza e scrivere nel frattempo il romanzo “La vita agra”. La leggenda del Jamaica si perfezionò quando, nelle sue sale odorose di fumo e frequentate da ragazze scollate e cipigli d’artista, si fecero largo alcuni giovanotti che ci tenevano ad essere considerati degli intellettuali. Erano dei fotoreporter che si sarebbero poi rivelati i più bravi della loro generazione e, come tutti i fotografi, aspiravano ad essere considerati degli artisti alla stessa stregua di pittori e scultori.  Quei giovanotti erano Ugo Mulas, Mario Dondero, Alfa Castaldi. Guido Aristarco, grande decano della critica cinematografica italiana, fondò in quegli anni la rivista “Cinema nuovo” inserendovi il “fotodocumentario giornalistico”, genere di reportage che ritraeva aspetti (neo)realisti della vita italiana. Così il Jamaica con i suoi pittori, le sue muse allettanti ma un po’ sbrindellate, la sua bohème ambrosiana divenne, con il crisma dei brillanti servizi fotografici di Mulas, Dondero & C. un punto nodale della vita culturale italiana. 

Tutte queste figure ispirate e ispiratrici sono state determinanti per la intera carriera di Carlo Orsi.
140 opere in bianco e nero, quasi tutte vintage provenienti dall’archivio personale dell’autore, stampate sotto la sua supervisione. Fotografie che seguono le tematiche care a Orsi, dagli esordi, come reporter per il Corriere della Sera, Panorama, Settimo Giorno, Il Mondo e Oggi, prima di diventare assistente di Ugo Mulas per poi definire uno stile dissidente e ironico da applicare a diversi ambiti della fotografia.

La mostra è divisa in 4 sezioni, la prima  è dedicata a Milano, indagata senza sosta per sessant’anni; la seconda  presenta i ritratti di artisti, designer, stilisti e attori che hanno segnato il secondo Novecento; la terza riguarda i lavori svolti per il mondo della moda e della pubblicità per alcuni marchi importanti come Omsa, La Perla, Catellani&Smith, American System, Swatch, Philip Morris, Ducati, Alias, Baleri, Nemo, Cassina, Fedeli; la quarta sezione è riservata ai reportage. Dalle scuole per i toreri in Spagna alle sculture dell’amico Arnaldo Pomodoro; dai paesaggi iconici degli Stati Uniti alla caduta del muro di Berlino fino alle missioni umanitarie, accompagnate come volontario, in Tibet, Cina, Uganda, Bangladesh e Bolivia.

MILANO. L’anima esposta.

Carlo Orsi ha perlustrato ogni strada di Milano, componendo un racconto per immagini che spazia dai suoi punti più alti (L’ombra del Pirellone, 1961; Un mondo nuovo, 2015) a quelli sotterranei (Metropolitana in bianco e nero, 1965); dai Beatles al Vigorelli, 1965 agli emarginati di oggi (Invisibile, 2014).  Orsi ha dedicato due libri a Milano. Il primo, pubblicato nel 1965, con i testi di Dino Buzzati e la celebre foto del vigile in divisa bianca in copertina; un secondo volume realizzato nel 2015, con i testi di Aldo Nove. È datata 1997 l’ideazione di Città, una rivista fuori misura in ogni senso, pensata per esplorare le energie in circolo a Milano con il contributo di grandi fotografi, da Francesco Cito a Ferdinando Scianna; da Francesco Zizola a Elliott Erwitt. Città continua a essere stampata fino al 2001. Le pubblicazioni verranno riprese nel 2019 e continuano tuttora, sostenute dall’Associazione Amici di Città.

RITRATTI. Teste fini e facce toste.

I grandi artisti, figure illustri del secondo Novecento hanno posato per Carlo Orsi (artisti come Lucio Fontana, Valerio Adami, Emilio Tadini, Jannis Kounellis, Arnaldo Pomodoro, Mario Schifano), cantanti (Luciano Pavarotti, Gino Paoli, Mina, Loredana Bertè), personaggi del cinema e dello spettacolo (Mariangela Melato, Ornella Muti, Dario Argento, Cochi e Renato, Dario Fo), ma anche politici (Sandro Pertini) e sportivi (Michael Schumacher, Marco Simoncelli, Valentino Rossi). Brillanti e comunicativi ritratti che paiono il risultato di un lavoro nello studio oppure frutto del momento colto quotidianamente, essi svelano sia la capacità di abbinare interpretazione personale che il carattere e la psicologia del soggetto fermato dalla Leica.

MODA E PUBBLICITÀ. Dammi l’idea.

Alla moda e alla pubblicità Orsi ha dedicato molti anni di lavoro. Modelle e modelli, così come alcuni “complici” occasionali, catturati dall’occhio fotografico, attivi, in movimento, o anche  portatori di una necessaria naturalezza. Anticonformismo e umiltà corrispondenti al suo modo di vivere, tanto che diceva:  “Macché artista, sono un semplice artigiano”.

REPORTAGE. Luoghi del cuore.Dal 2004 Orsi si è occupato di sofferenza e speranza, affiancando e accompagnando i medici, gli infermieri e i volontari di Interplast, associazione umanitaria attiva in luoghi disagiati del mondo. Due libri documentano cinque missioni organizzate in Tibet, Cina, Uganda, Bangladesh e Bolivia.  Un ritorno al reportage, a distanza di molti anni dai primi viaggi fotografici organizzati in Italia, Spagna, negli Stati Uniti, nei deserti africani e in Europa. Viaggi sentimentali per invitare al viaggio ogni sognatore. 

Carlo Orsi nasce a Milano l’8 marzo 1941. Via Solferino, Brera. L’arte e gli artisti, primi compagni di vita, ne alimentano curiosità e ispirazione. Inizia a fotografare come cronista per il Corriere della Sera, diventa assistente di Ugo Mulas. Negli anni Sessanta realizza reportage in Italia e all’estero per diversi periodici (Panorama, Il Mondo, Settimo Giorno, Oggi) e lavora per la moda, collaborando con diverse riviste italiane e straniere.
Negli anni Settanta si dedica alla pubblicità, per cui continuerà a lavorare a lungo. Tra le campagne più rilevanti quelle per Omsa, La Perla, American System, Swatch, Philip Morris, Ducati, Alias, Baleri, Nemo, Cassina. Al 1984 risale la prima mostra personale, con allestimento di Mario Botta. Sono datati 1965 e 2015 due libri su Milano, con testi di Dino Buzzati e Aldo Nove. Il volume Extasi sulla caduta del muro di Berlino è del 1999; Faithful. People around the World del 2004; Jannis Kounellis atto unico del 2006; La luce della terra del 2007. Nel frattempo, accompagna il lavoro dell’artista Arnaldo Pomodoro realizzando diverse pubblicazioni. Nel 1997 fonda con la moglie Silvana Beretta e gli amici di sempre – Emilio Tadini, Guido Vergani, Gianfranco Pardi, Giorgio Terruzzi – la rivista Città, per raccontare Milano attraverso lo sguardo di grandi fotografi. Muore a Bergamo il 31 maggio 2021.

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Ha per titolo “Il respiro della terra”, la mostra di Lorenzo Cicconi Massi e Christian Tasso, che Villa Baruchello di Porto Sant’Elpidio ospita fino al 31 dicembre 2024. A vedere la mostra m’è sembrato di leggervi il cuore del mondo e dell’Italia.  Titolo “vero”, e chiaro, fin troppo, capace di esprimere il linguaggio del mondo, il suo vivere, la grande famiglia dei contadini, che meglio di chiunque sanno leggere il processo esistenziale del quotidiano, quel vivere che fu già raccontato da Rocco Scotellaro nel suo “Contadini del Sud” e da Carlo Levi in “Cristo si è fermato a Eboli”; la mostra  trova nella villa settecentesca di Porto Sant’Elpidio nelle Marche la sua collocazione ideale, entrambe sono infatti promotrici di un’attenta valorizzazione del territorio locale.

L’esposizione curata da Alessia Locatelli, racconta l’esistenza dell’ultima comunità contadina locale, profondamente legata a tradizioni antiche, alla stagionalità e al proprio territorio. Tutto parte dall’ intento di mettere in luce il patrimonio culturale marchigiano e i suoi artisti, sicchè il progetto si fa portavoce di un grido collettivo, di un urlare d’esserci, di un essere fondamentali. Sebbene così piccola, la regione Marche è infatti capace di attrarre turisti da tutto il mondo, ed è patria di numerosi artisti; Loreto, Recanati, Falconara, Senigallia, Fermo, Porto Sant’Elpidio, Feltria, Macerata, Cingoli, Corinaldo, Esanatoglia, Frontino, Gradara, Grottammare, Mercatello sul Metauro, Mondavio, Mondolfo, Monte Grimano Terme, Montecassiano, Montecosaro, Monte Vidon Corrado, Montefabbri, Montefiore d’Aso, Montelupone, Moresco, Offagna, Offida, Pergola, San Ginesio, Sarnano, Sassoferrato, Servigliano, Torre di palme, Treia, Visso, ecc.  È dunque qui che, affiancando un contesto prolifico e in continua evoluzione, la piccola comunità contadina si staglia come in un amaro gioco di contrasti, un mondo geografico e regionale che aveva prima interessato il grande fotografo Mario Giacomelli (Senigallia 1925 – 2000) e oggi muove e movimenta già da tempo Lorenzo Cicconi Massi. 

Con una serie di oltre 60 bianchi e neri incisivi, scatti potenti e a tratti malinconici, i due fotografi mostrano dignitosamente una realtà ormai destinata a scomparire. Nella campagna marchigiana, sempre più invasa dalle nuove tecnologie, persiste una concezione altra della vita, più lenta e ancorata al rispetto della natura, io stesso ho ancora nella mente e nei ricordi i campi e le colline arate a Loreto negli anni Cinquanta del Novecento, quando i contadini aravano con l’aratro trainato da buoi. I contadini che abitano la campagna marchigiana hanno sposato la loro terra, le sue risorse e uno stile di vita ereditato da generazioni. Ecco ritratti, tradizioni, vita in casa, stili di vita, religiosità tra vita e morte, tutta una civiltà contadina trasuda da questi scatti. Sono pochi oggi i contadini e ne sono ben consapevoli, assistono con impotenza all’inesorabilità degli eventi, consci che in un futuro prossimo tutto questo scomparirà.

Con un racconto visivo di rara bellezza, di una magia incantevole, di una calma invasiva, i due artisti marchigiani (Lorenzo Cicconi Massi è di Senigallia, mentre Christian Tasso è originario di Macerata) testimoniano le radici del loro paese attraverso una vena poetica e allegorica. Le immagini esposte, fine art su cornice bianca, superano i confini visivi e diventano metafora, storia e tradizione. Osserva Lorenzo Cicconi Massi: “Gli ultimi contadini. Non fanno che ripetere che sono rimasti pochi, che in giro non c’è più nessuno e che una volta la vita era diversa. Sposati con la terra, con gli animali, con gli alberi e le piante. Si muovono ancora bene, malgrado tutti gli anni piegati a toccare la propria ombra. Sono diffidenti, eppure alla fine ti raccontano le vicende della loro esistenza come fossi un amato fratello. Sono vecchi e depositari delle nostre radici. Il loro futuro però si esaurisce nell’attesa della prossima alba. Potremmo pensarli come figure provenienti da un passato lontano, sovrumane, eroiche e allo stesso tempo familiari.  Sono gli ultimi contadini e sono la nostra memoria. Il lavoro è cominciato nell’inverno del 2010. Sospeso per molti anni è ripreso nel gennaio del 2019 fino alla primavera del 2024”. “Il set up avrà dimensioni di stampa e montaggio differenti, per dare un senso ritmico allo spazio espositivo della Limonaia, dal piccolo formato dei ritratti al grande photowall che costituisce il landscape (paesaggio) su cui si muovono le piccole storie individuali raccontate dai due fotografi” rivela Alessia Locatelli, curatrice della mostra, e ancora: “Una serie di foto di medio formato galleggeranno al centro dello spazio della prima sala, e andranno a completare l’allestimento, che, come per la mostra storica di Steichen, ci ricorda che facciamo tutti parte della grande famiglia degli uomini”.

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In libreria NEW YORK Born back in to the past con i testi di Giovanna Calvenzi e Geminello Alvi edito da 24 ORE Culturawww.24orecultura.com

Nato dalla preziosa collezione di Stefano e Silvia Lucchini, un racconto fotografico porta alla luce la città di New York in tutte le sue sfaccettature, rispecchiandone la caratteristica miscela di modernità, storicità ed energia creativa: “New York. Bornback into the past”, con in testi di Giovanna Calvenzi e Geminello Alvi (New York .Born back into the past.  Giovanna Calvenzi e Geminello Alvi Editore: 24 ORECultura, cartonato, 24x29cm, ppg.144, €45,00, codice ISBN:978-886-648-890-3), in un’edizione rivista e dalla nuova veste grafica edita da24 ORE Cultura. Rispetto all’edizione precedente, il volume è stato sottoposto ad un completo restyling, studiato per avvicinarsi ancor di più al disegno originale pensato dai Lucchini e approfondire criticamente il linguaggio degli scatti fotografici, ponendoli in relazione con la storia della fotografia americana.

“New York è una città da guardare non solo con gli occhi ma con il cuore. L’idea di questo libro è nata quando alcuni anni fa abbiamo acquistato un curioso album di foto. Il fascino intriso su quei rullini, scatti fugaci di quella New York che non dorme mai, dall’estremo sud di Manhattan sin su al nord, oltre l’eterno Central Park.” Così Stefano e Silvia Lucchini introducono questo ampio volume, frutto e raccolta del lavoro di un fotografo anonimo. Non è infatti stato possibile a risalire al nome dell’uomo o della donna che in anni ormai lontani -lo dimostrano l’abbondanza di passanti in abiti militari e di marina, il taglio elegante dei cappotti e le auto d’epoca- deve aver camminato per le infinite vie di New York, fotografandone una versione ben distante da quella alla quale siamo abituati oggi, avendo cura di annotare foto per foto i nomi di palazzi ormai trasformati o di strade secondarie ormai parte del dedalo cittadino. Grazie ai testi curati da Giovanna Calvenzi e Geminello Alvie alla nuova veste grafica, le centinaia di fotografie raccolte trovano posto in questo volume attraverso approfondimenti e retrospettive che le accostano alla tradizione fotografica newyorkese di quegli anni. Questo abbinamento non solo trasmette al lettore il senso storico più ampio delle immagini osservate, ma ne esalta l’originalità riuscendo ad immedesimarsi nello sguardo di questo fotografo sconosciuto.

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